‘Lo liminal: la piel y el acontecimiento’ está abierta al público desde el viernes 4 en la Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno, junto al parque La Granja

Reúne esculturas e instalaciones de mediano y gran formato con materiales que van desde el tejido al bronce

La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) inaugura esta semana una exposición de la artista Itahisa P. Conesa en la que muestra al público los innovadores materiales y técnicas escultóricas que está aplicando a su obra. Bajo el título ‘Lo liminal: la piel y el acontecimiento’, la muestra se inaugura hoy viernes 4 de abril, en este espacio del Gobierno de Canarias situado en la santacrucera Casa de la Cultura, junto al Parque de La Granja de la capital tinerfeña. Estará abierta al público hasta el 20 de junio.

‘Lo liminal: la piel y el acontecimiento’ reúne una serie de esculturas e instalaciones de gran y mediano formato realizadas con materiales como tejidos, resinas, mortero, bronce o elementos vegetales recolectados sin intervención. Estas piezas surgen de procesos de registro superficial -orgánico, textil e industrial- en los que se generan pieles, huellas y capas como superficies sensibles que activan tensiones entre cuerpo, materia y entorno.

En la exposición, la artista explora la piel no como un límite, sino como un espacio de conexión y transformación, invitando a mirar más allá de lo evidente y a descubrir nuevas formas de entender lo que nos rodea. Una muestra que invita a reflexionar sobre nuestra relación con el entorno y con otras formas de vida.

“Las obras no buscan representar algo definido, sino generar una experiencia: ocupar el espacio, convocar al cuerpo del espectador y abrir un campo de relaciones entre lo humano y lo no humano”, afirma la artista.  “La piel, figura central en este trabajo, deja de funcionar como límite y se presenta como un territorio poroso, relacional y geológico, donde se inscriben memorias, afectos y transformaciones. Estas esculturas se entienden como configuraciones materiales que dan testimonio de una red de vínculos entre entidades diversas”.

Lo liminal plantea así una manera de habitar la escultura desde la superficie, el pliegue y la inscripción, donde la materia no es soporte pasivo, sino agente activo en la producción de sentido.

Una forma de mirar y habitar la escultura desde lo táctil, lo procesual y lo relacional. Cada obra es un punto de encuentro entre materiales, cuerpos y contextos, una forma sensible de pensar con la materia.

Itahisa P. Conesa es docente en la Universidad de La Laguna, donde imparte Escultura y coordina el Aula-Taller de Fundición artística. Dedica su trabajo a investigar sobre nuevas maneras y métodos de proceder en la experiencia artística, que se articula en torno a los procesos híbridos, combinando técnicas escultóricas tradicionales con materiales no convencionales y metodologías contemporáneas.

Todo ello en un marco que conjuga experimentación estética, tecnología y materialidad crítica. Su obra investiga la dimensión performativa de la materia, donde lo escultórico no se limita sólo a la forma, sino que se despliega como campo de relaciones entre cuerpos, superficies y entornos.

El horario de visita de la Sala de Arte Contemporáneo es de lunes a viernes, de 11.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas. La entrada es libre.

Etiquetas

• ArteGobCan
• exposición
• Itahisa P. Conesa
• SAC
• Sala de Arte Contemporáneo

La exposición ‘Dientes de canto’ está creada por alumnas de Bellas Artes de la ULL, bajo el comisariado del profesor Ramón Salas

Se podrá visitar hasta 21 de marzo

La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) de Santa Cruz de Tenerife presenta ‘Dientes de canto’, una exposición colectiva creada a partir del trabajo de once alumnas de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna bajo la curaduría de su profesor Ramón Salas. El proyecto exhibe los trabajos de las jóvenes creadoras Ana Domínguez, Cristina García, Yelitza Robles, Malena Martín, Sofía Martín, Martina Marrero, Gabriela Mayato, Abigail Mederos, Eider Oliva, Gema Peña y Elisa Santos. Se podrá visitar hasta el 21 de marzo en este espacio del Gobierno de Canarias.

En palabras de Salas “aquí, la curaduría se limita a tomarse en serio la oportunidad de desplazar el proceso de aprendizaje a la sala. No para mostrar sus resultados. No utilizaremos la sala como un espacio de exhibición sino como estudio, en el sentido que le damos a este concepto en la facultad: no como taller de trabajo sino como espacio-tiempo de conocimiento”.

El comisario también destaca la larga relación entre la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de la Laguna y este espacio. “Durante décadas, el Gobierno de Canarias le ha brindado a varias generaciones de jóvenes artistas del Archipiélago la oportunidad de dar a conocer su trabajo en la SAC. Aunque, en realidad, les ha brindado más la oportunidad de dar a conocer los resultados de su trabajo. En todo caso, esta labor ha sido especialmente generosa con la Facultad de Bellas Artes, con la que siempre se ha tenido especial confianza, no solo por proporcionarles el espacio sino por permitirles ensayar en él formatos que difícilmente se hubieran admitido en otros espacios.”

Etiquetas

• ArteGobCan
• SAC
• Sala de Arte Contemporáneo

‘Cerca No Importa Lejos’ exhibe una veintena de trabajos de este joven artista, en su primera exposición individual

La muestra se inaugurará este viernes 29, a las 11.00 horas

Con solo 27 años, Héctor Mar ha logrado ya hacerse un hueco en el panorama artístico de la isla. Es un artista que se maravilla ante las posibilidades que pueden surgir de la relación entre lienzo y pintura, y así lo plasma en su obra. La Sala de Arte Contemporáneo (SAC), uno de los espacios expositivos del Gobierno de Canarias en la capital tinerfeña, ha elegido su trabajo para una nueva exposición, la primera de carácter individual del creador, que será inaugurada mañana, viernes 29, a las 11.00 horas, bajo el título ‘Cerca No Importa Lejos’.

La exposición está integrada por una veintena de obras en la que el autor demuestra su genuino interés por las propiedades físicas de la pintura. Como un cuerpo latente, explora los propios límites del medio, la bidimensionalidad, la composición, las texturas, estructuras y cuerpos. La muestra se podrá visitar hasta el 31 de enero  en la sala situada en la Casa de la Cultura junto al parque de La Granja, en Santa Cruz de Tenerife.

Tras dos años de investigación, que han servido para dotar de madurez a la obra de este incipiente creador, Mar presenta un trabajo con un título críptico: ‘quise plantear un nombre en el que se entrelazaran presencia y distancia’, apunta. La intersección entre lo abstracto y lo racional, las interacciones que se crean en las propias superficies y sus luminiscencias, son una fuente de sugestión indispensables en la forma de mirar del pintor tinerfeño.

“Si la geometría, entre otras, es también el lenguaje de la clase dirigente (Peter Halley), los elementos urbanos, narran historias sobre el pacto y la movilidad social. Fijándose en columnas y planos de color que señalan la geometría y el orden establecido en las ciudades. Se plantea la necesidad lúdica de reorganizar las normas urbanas, el reflejo de las estructuras en su sociedad moderna”, explica en el texto de sala.

Héctor Mar. Tenerife 1997. A través de la pintura, se aferra a esta disciplina y la convierte en su herramienta para “desnaturalizar” los objetos, elementos, escenas que se encuentra en los itinerarios de su vida y sus experiencias personales.  Llevado al soporte del cuadro muestra sus anotaciones y enmiendas en el amplio sentido del transcurso atemporal.

Etiquetas

• ArteGobCan
• Héctor Mar
• SAC
• Sala de Arte Contemporáneo

La exposición ‘cuerpos blandos’ entrelaza escultura, videoinstalación y multimedia en una reflexión de la imagen como herramienta de poder

La muestra se inaugura este viernes 20, a las 11.00h, y estará abierta hasta el 15 de noviembre en la sala situada junto al parque de La Granja

La cosificación de las mujeres y su relación con su propia imagen confluyen en un debate complejo: las fotografías de los cuerpos, continuamente presentes en redes sociales ¿logran ser un arma de empoderamiento o, por el contrario, perpetúan la mirada patriarcal?. La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) exhibe ‘cuerpos blandos’, la primera exposición individual de la joven creadora Emma Marting, en la que explora cómo la imagen es una potente herramienta de poder.

Esta muestra, que incluye videoinstalación, escultura y creación digital se inaugurará este viernes 20, a partir de las 11.00h horas, en este espacio de exhibición del Gobierno de Canarias  situado en la Casa de la Cultura junto al parque de La Granja, en Santa Cruz de Tenerife.

En 1989, el colectivo feminismo Guerrilla Girls denunciaba cómo posar desnuda ante el lienzo era, prácticamente, la única opción de que las mujeres estuviesen presentes en los muros del Metropolitano de Nueva York. El cuerpo femenino se exhibía y creaba imaginario de qué era una mujer a través de los ojos de los hombres. ¿Qué ocurre en un conexto en el que todas las personas pueden tomar imágenes de sí mismas a través del móvil y ponerlas al alcance del universo digital?

‘cuerpos blandos’ se adentra en la autorepresentación en internet de las mujeres e identidades disidentes para hacerse preguntas: ¿es posible fotografiarse sin pasar por el filtro de quién te mira?  Desde una perspectiva de género y una preocupación respecto de aquellos cuerpos y voces representados de forma distorsionada o escasa, este trabajo expositivo aborda cómo el poder genera la violencia sobre estas representaciones, en un momento en el que todas las personas pueden tomar imágenes de si mismas a través del móvil.

“Este trabajo es la forma que toma mi reflexión en torno a las imágenes y cómo estas se proyectan y replican en quienes las observamos, configurando nuestros modos de ver, ser y hacer. Construyendo mirada y cuerpo. Creando roles, identidades y relaciones de poder.”, explica Marting.

Emma Marting (Gran Canaria, 1999) es graduada en Bellas Artes en el itinerario Proyectos Transdisciplinares por la Universidad de La Laguna (2022), con premio extraordinario en el grado en Bellas Artes y excelencia de grado en la rama de conocimiento de Artes y Humanidades. Su práctica artística transcurre en torno a la construcción del cuerpo y de la imagen propia en relación con el otro observador. Actualmente es una de las artistas en residencia del Espacio de Producción de La Regenta en Las Palmas de Gran Canaria. ‘cuerpos blandos’ es su primera exposición individual.

Etiquetas

• ArteGobCan
• SAC
• Sala de Arte Contemporáneo

La muestra de Pilar Boullosa que se exhibe en la SAC hace referencia a los profundos cambios en el entorno por la presión de los seres humanos

Estará disponible hasta el 6 de septiembre en la Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno, junto al parque de La Granja

La artista invita a reflexionar sobre cómo la inteligencia artificial, internet o la robótica están intensificando la ‘cuarta revolución industrial’

La planta conocida como ‘rabo de gato’, que tanto impacto está ocasionando en los ecosistemas canarios, y las consecuencias que se derivan de la insaciable demanda de recursos por parte de los seres humanos, inspira ‘Invasores’, la nueva exposición de la artista Pilar Boullosa que se exhibe en la SAC, la Sala de Arte Contemporáneo que gestiona Cultura del Gobierno de Canarias junto al parque de La Granja, en Santa Cruz de Tenerife. Una muestra que está integrada por varias piezas de instalación, y una de carácter audiovisual, entre otras, que podrá visitarse hasta el 6 de septiembre.

‘Invasores’ ha sido presentada hoy por la propia artista, en un acto que contó también con la participación del viceconsejero de Cultura del Gobierno, Horacio Umpiérrez. Boulloa indicó que ha utilizado “el rabo de gato y la caña común, dos plantas tremendamente invasoras en Canarias, tanto como instrumento para hacer las diferentes obras, y también de forma metafórica respecto al ser humano y la globalización»

Estas obras que han sido concebidas por una artista con una dilatada trayectoria de exposiciones tanto individuales como colectivas en salas de las islas y también fuera del archipiélago. En esta nueva propuesta explora al sujeto contemporáneo y su relación con el entorno y la naturaleza, concibiendo a esta última como la armonía entre los seres vivos y la materia inerte. Por ello pone su foco en la influencia que la humanidad ejerce sobre este equilibrio vital para reflexionar sobre las consecuencias de la presión que ejercen los seres humanos y los profundos cambios que está provocando en el entorno, “llevado a la Tierra hacia un destino incierto”.

Invasor (del latín invaděre) hace referencia a aquello que ocupa un lugar de forma irregular, irrumpiendo y propagándose, como es el caso de la arundinella, también conocida como caña fina o rabo de gato, considerada una planta invasora en las Islas Canarias al ser introducida fuera de su hábitat, bien de forma accidental o intencionada. Esta situación trae consigo una competencia entre las plantas nativas con las exóticas, persistiendo aquellas con mejores dotes para la supervivencia y promoviendo profundos cambios en el paisaje visual al producirse una lucha por el espacio y sus recursos.

La exposición presenta instalaciones que metafóricamente narran las características del ser humano contemporáneo en el contexto de la globalización: competitivo, destructivo e invasor. Al igual que las plantas invasoras, la globalización ha trascendido fronteras geográficas y políticas, transformando la geopolítica moderna debido a la masificación, la tecnología y las comunicaciones.

Asimismo, plantea que la incontrolable transformación digital a través de la inteligencia artificial, internet, robótica, nanotecnología entre otras cosas, está intensificando el proceso de globalización, alimentando la denominada Cuarta revolución industrial, la cual está alterando las reglas de producción tal y como las conocemos. Todo ello invita a un necesario debate político y social con preguntas sobre el futuro y la responsabilidad individual y colectiva en la preservación del equilibrio vital que está forzando al sistema a revisar su marco normativo. La automatización de tareas realizadas por los seres humanos y el intercambio de datos está replanteando las habilidades que necesitan los individuos para abrirse paso en el mercado laboral, aumentando la desigualdad de recursos en especial en los colectivos más vulnerables, con cambios en las rutas migratorias.

Pillar Boullosa (1987, Vigo) es licenciada en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València (2010), con un Posgrado en Diseño en Comunicación Visual por la University of Arts of London (2013) y un Máster en Formación del Profesorado por la Universidad Internacional de la Rioja (2022). Ha expuesto a título individual en varios espacios de las islas como el Centro Cultural Federico García Lorca o el Museo Agáldar, ambos en Gran Canaria; la Galería Agüita Arte Contemporáneo (Tenerife) y La Casa de los Coroneles (Fuerteventura). Sus obras también han formado parte de exposiciones colectivas en destacados centros de arte de Gran Canaria, La Coruña, Valencia, Santiago de Compostela o Lugo, e incluso en Islandia y Londres.

‘Invasores’ puede visitarse de lunes a viernes en la SAC, en horario de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas, con entrada libre. Esta sala se encuentra situada en el mismo edificio de la Biblioteca Pública del Estado en Santa Cruz de Tenerife, por cuya entrada se accede también al espacio expositivo.

Etiquetas

• ArteGobCan
• Artes Plásticas
• SAC
• Sala de Arte Contemporáneo

La muestra ‘Influencias y creencias [Influencers & Beliefs]’ se inaugurará este viernes 5 a las 12.00 horas, y contará con una performance en directo

Este proyecto instalativo y multimedia podrá disfrutarse hasta el 31 de mayo

¿Nos sentimos más solos que nunca? La artista Paula Ducatenzeiler presenta en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) de Santa Cruz de Tenerife la exposición ‘Influencias y creencias [Influencers & Beliefs]’. Este proyecto, de carácter instalativo, indaga en la soledad colectiva en la era de la comunicación digital, y en defensa de la unión colectiva y artística como únicas herramientas para construir una realidad habitable. El proyecto cuenta con trabajos de videoperformance, instalación y fotografía. La inauguración será este viernes 5, a partir de las 12.00 horas, y contará con una performance en directo relacionada con el contenido de la muestra. Podrá visitarse hasta el 31 de mayo en este espacio expositivo.

Ducatenzeiler apunta como su exposición “es un llamado a la unión de generaciones y colectivos. Una invitación a reflexionar y criticar lo que nos sucede a nivel personal, social y artístico”. Portadas de revistas, stickers… La artista crea un personaje a través de diferentes autoretratos en los que performa a una influencer en torno a una ‘Pieza fundamental’ en la que ironiza sobre las estéticas y poses propias de las redes sociales.

«En la instalación, parodio, con una mirada satírica, las estructuras y políticas del mundo artístico desafiando las normas establecidas en el mercado del arte contemporáneo. Es un constante juego entre la realidad y la ficción. Una representación que se vuelve tan real que se entrelaza con la obra misma, y ahí radica la esencia del juego», apunta.

A través de soportes multimedia, ‘Influencias y creencias [Influencers & Beliefs]’ celebra la creación artística como forma de vida y reflexiona acerca de la relación que establece con la comunicación digital. “La hiperconexión en la que vivimos no siempre sirve para unir sino también para separar, delimitar, diferenciar, excluir o esquivar; produce soledad y nos convierte en una especie de ‘pretenciosos fantasmas con memoria futura’”, explica la artista.

Paula Ducatenzeiler (Las Palmas de Gran Canaria, 1985) estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna. Su eje conductor es la multidisciplinariedad y desarrolla sus proyectos artísticos entre el lenguaje audiovisual y la performance. En los últimos años, ha llevado a cabo sus proyectos de investigación en diversos centros de arte de Berlín, incluido el Alte Münze y GH36 Gallery y ha sido seleccionada como artista en residencia en el Centro de Arte La Regenta. Exhibiendo en algunos de los principales Centros de Arte de Canarias, como el CAAM – Centro Atlántico de Arte Moderno y La Casa de Los Coroneles.

Etiquetas

• arte contemporáneo
• ArteGobCan
• artistas canarias
• Paula Ducatenzeiler
• SAC
• Sala de Arte Contemporáneo

Nayra Martín Reyes exhibe en la SAC ‘Xaxo’, una muestra multidisciplinar en torno a la exhibición de momias aborígenes en museos

Ángela Jiménez Durán presenta en El Tanque ‘Phanton eclipse’, una reflexión sobre el límite entre realidad y trascendencia

Doble apertura este vienes 26 en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) y el Espacio Cultural El Tanque, ambos centros de arte del Gobierno de Canarias en Santa Cruz de Tenerife. Por un lado, ‘Xaxo’, de Nayra Martín Reyes, llena la SAC con una muestra multidisciplinar que reflexiona sobre la relación entre el museo y la identidad canaria, a través de un prisma decolonial. Y en El Tanque, ‘Phanton eclipse’, de Ángela Jiménez Durán, bajo la curaduría de Dalia de la Rosa, transita los lugares tangibles e intangibles haciendo uso de los límites de la escultura.

‘Xaxo’: ¿Qué hacen mis antepasados expuestos en un museo?

¿Es lícito exhibir el cuerpo de seres humanos, como si fuesen curiosidades étnicas? Nayra Martín lanza, sin tapujos, esta pregunta a la ciudadanía canaria. Lo hace en la SAC usando como soportes visuales performance, instalación y vídeoarte. Esta muestra podrá disfrutarse a partir de este viernes 26 de enero y hasta el 14 de marzo, en el horario habitual de la sala (de lunes a viernes de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas).

‘Xaxo’ hace referencia directa a la polémica en torno a la momia guanche exhibida en el Museo Antropológico de Madrid (MAN), lo que conduce al inexorable debate de dónde debe exponerse la historia. “Los museos en Europa y en el mundo son construcción de herencia robada de las colonias. Parte de estas instituciones resultan de la evolución de los gabinetes de curiosidades del siglo XV, de los conquistadores que encontraban ‘cosas raras’ y las exponen. Y todavía tienen ese tipo de relación con lo que muestran”, explica Martín. Asimismo, propone la sala expositiva como una oportunidad para crear nuevos discursos a través del mismo espacio. Por ello, la artista se sumerge en una vitrina y exhibe su propio cuerpo, buscando la incomodidad del público y pregunta: “¿por qué naturalizamos la exhibición del cuerpo canario?”.

El proyecto, de carácter instalativo, aborda el talón de Aquiles de la identidad insular, en tanto a aquellas heridas abiertas resultantes del proceso de colonización del archipiélago. El título de la muestra corresponde al nombre que los indígenas canarios daban a los cuerpos mirlados, en contraposición al término europeo y generalizado de ‘momia’. A juicio de la creadora, “el xaxo del Barranco de Herques, al igual que todos los demás que están fuera, deben de ser restituidos a su isla y su comunidad. La continua negativa del museo y del gobierno español muestran claramente una actitud colonialista para con Canarias y que debe zanjarse”, defiende.

Nayra Martín Reyes (Tenerife, 1979). Es una creadora multidisciplinar canaria residente en Bélgica. Ha expuesto individualmente en el Spazio Maria Carrará de Milán, Gallery Hans and Fritz Contemporary de Barcelona o en KUN(S)T. También ha exhibido arte de acción en el Instituto Cervantes de Bélgica o en la Universidad de La Laguna.

‘Phanton eclipse’: entre lo tangible e intangible habita la poesía

¿Qué tienen en común un eclipse y un fantasma? Con esta pregunta lanzada al aire, Ángela Jiménez Durán nos invita a adentrarnos a un proyecto sobre los límites conceptuales entre la naturaleza y lo desconocido. Esto queda reflejado en los propios soportes que la artista elige y que, lindan en todo momento con los límites de la escultura, en un transitar entre la luz y la oscuridad.

‘Phanton eclipse’ es una exposición comisariada por Dalia de la Rosa, que abre sus puertas hoy, viernes 26, a las 20.00 horas, en el Espacio Cultural El Tanque, donde podrá visitarse hasta el 3 de marzo.  “Es interesante que un proyecto que investiga tanto sobre el agua se exponga en un espacio como El Tanque, que en su día también almacenó líquidos”, comenta la curadora.

La artista Ángela Jiménez Durán propone el espacio como una forma de interpelación al cuerpo, que es sumergido en el contexto del tanque de petróleo en un tiempo suspendido, un tiempo fantasmal que está siempre por aparecer o por reaparecer. De la misma forma que un eclipse revela y oculta, un fantasma -una presencialidad no encarnada pero que es el pasado y el futuro en el ahora- desafía la lógica de lo presente y de la presencia.

Ángela Jiménez Durán  (Madrid, 1996) vive en París y trabaja en la residencia artística POUSH. Graduada en la École d’Arts de Cergy en 2019, sus investigaciones en instalación y escultura mezclan ciencia ficción, poesía, geología y biología, explorando futuros inciertos.

Dalia de la Rosa (Tenerife, 1983). Es historiadora del arte, comisaria y crítica de arte. Una parte importante de su labor se centra en el comisariado, la elaboración de textos críticos, investigaciones en torno a campos como la relación entre arte y colonialidad en procesos de adaptación histórica de los flujos entre Canarias, América y Europa

Etiquetas

• ArteGobCan
• artes performativas
• Artes Plásticas
• artes visuales
• espacio cultural el tanque
• SAC
• Sala de Arte Contemporáneo

Entre el 17 de febrero y el 24 de marzo se celebrará un ciclo de tres exposiciones, bajo el título Metamodernismos. La Generadora

La colaboración entre la Universidad de La Laguna y la SAC del Gobierno permite visibilizar la actividad docente e investigadora, facilitando al público la transferencia de conocimiento

Metamodernismos. La Generadora es un proyecto de la Unidad Departamental de Pensamiento Artístico de Bellas Artes y el Aula Cultural de Pensamiento Artístico de la Universidad de La Laguna para la Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias. Coordinado por Ramón Salas y curado por Adrián Alemán, permite visibilizar en las salas de exhibición la actividad docente e investigadora, además de convertirse en un nexo entre la institución académica y la sociedad con la intención de facilitar la transferencia de conocimiento.

Entre el 17 de febrero y el 24 de marzo de 2023 se celebrará en la SAC un ciclo de tres exposiciones-exprés de acuerdo con el siguiente calendario: En la mente del objeto, del 17 al 24 de febrero, a cargo de los creadores Inés Arencibia, Julen Etxebarria, Adriana González, Narelys Hernández, Eduardo Hodgson, Pablo Lavers, Ana Padilla, Gloria Sánchez. ZeR0 RETENCIÓN¡, del 3 al 10 de marzo, con la intervención de Tony Aguilera, Hugo Amaro, Miu Castro, Miranda Díaz, Sara Díaz, Gaia Fiorina, Marta Sobrino y Yasmina. Finalmente, Políticas de la actuación. el poder de una gota, del 17 al 24 de marzo con Claudia Brito, Flor de África, Aitor Fernández, Noa Gonzáles, Rubén Guedes, Sara Méndez, Alba Peñate, Ziomara Rojas.

Asimismo, y de forma paralela a cada una de estas propuestas, se celebrará como actividad complementaria sendas mesas redondas, en la que participarán en la misma sala aquellos artistas y curadores que intervienen en el proceso creativo de las exposiciones. Estos encuentros serán los días 23 de febrero, y 9 y 23 de marzo, de 17:00 a 19:00 horas.

Sobre el proyecto

Si algo caracteriza al arte universitario es su procesualidad, al desarrollarse en una dinámica vital en la que la producción resulta indisociable del estudio, la interlocución, la investigación, la socialización… en un espacio de crecimiento personal y de modulación de la propia subjetividad. Metamodernismos. La Generadora trata de trasladar a la sala de arte «ese carácter procesual y, al mismo tiempo, reflexionar sobre su puesta en escena –e, incluso, por qué no, sobre su puesta en evidencia–» explica Ramón Salas. No plantea una presentación en sociedad de artistas emergentes, sino un laboratorio de investigación sobre el sentido de la muestra, abierto a la experimentación e incluso al error.

No se pretende mostrar un trabajo acabado, de ahí los cortos espacios de exposición en comparación con los de montaje, sino experimentar el arte como un proceso de aprendizaje y reflexión. Por analogía al “pensar en voz alta”, esta exposición busca crear en voz alta, pensar la pieza en el proceso de su puesta en escena. En el periodo propiamente de montaje, adoptando su forma más “ortodoxa” para, una vez inaugurada, replantearse.

En la semana de exhibición, las obras no permanecerán estáticas, se seguirá trabajando en sala, en abierto, replanteando su display, reubicando y contaminando las piezas, y analizando sus transformaciones.

La autoría de estas obras es de artistas con perfiles muy diferentes. Por ello, a pesar de que no se pretende priorizar discursos curatoriales cerrados, que les obliguen a ilustrar un tema, «nos pareció pertinente ordenar sus propuestas en torno a tres ideas fuerza, que creemos que se corresponden con tres de los principales espacios de posibilidad del arte contemporáneo» explica Salas..

El arte ya apenas representa, ahora ensambla: objetos, documentos, ideas. De ahí la renovada importancia del hecho expositivo que ha cobrado importancia respecto al espacio de taller, convertido en tiempo de estudio: «la sala de arte ya no es el escaparate donde se muestran obras que salen completamente acabadas del estudio del artista, es el tiempo en el que se hace público un proceso de investigación” comentan sus comisarios. De ahí, también, la renovada importancia de la relación entre la universidad, como centro de investigación y producción cultural, y los centros de arte, que ya no tienen la antigua función promocional, «sino la inédita obligación de convertirse en un espacio de interlocución entre la obra y su contexto».

La primera de las exposiciones, En la menta del objeto , es, según Ramón Salas, quizá, “la más clásica, en la medida en que mantiene una relación, aunque crítica, con la tradición del arte moderno y su expresión plástica más característica: la abstracción. Pero la contención formal no cae aquí en el formalismo, todo lo contrario. El aspecto abstracto es solo una cita al propio arte (y al propio “cubo blanco” de la sala) y su proceso de vaciado de los valores y referentes del arte premoderno, un vaciado que sirve aquí como una tabla rasa sobre la que empezar a inscribir nuevos contenidos, cabría decir, posnihilistas”.

Etiquetas

• arte contemporáneo
• bellas artes
• exposición
• SAC
• universidad

Esta instalación de Rafael Arocha fue creada a partir de fotografías tomadas durante un congreso tecnológico

La ciudadanía podrá disfrutar de ella desde este viernes 25 de noviembre hasta el 20 de enero de 2023

La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) acoge la exposición ‘The boss is here’, una instalación fotográfica creada por Rafael Arocha en torno a la jerarquización y alienación laboral y su relación con el lenguaje corporal de los trabajadores. Esta propuesta reflexiona sobre la tensión de estas corporalidades sometidas en una situación y un entorno de presión, donde la desigualdad entre la posición de sometimiento y quien ostenta la autoridad es manifiesta. La muestra podrá disfrutarse desde este viernes 25 de noviembre hasta el 20 de enero de 2023, en la sala que gestiona el Gobierno de Canarias junto al Parque de La Granja de la capital tinerfeña.

Las fotografías que conforman este trabajo fueron tomadas durante el transcurso de uno de los encuentros anuales de comunicación tecnológica más importantes del mundo. El trabajo se centra, concretamente, en las pocas horas en las que una multinacional china líder del sector recibía la visita del director general de su empresa. “Este encuentro, que sucede tan solo en una ocasión a lo largo del año, activa un protocolo que determina el comportamiento de todos los empleados. De boca en boca, como un mensaje en cadena se advierte: ‘el jefe está aquí’”, explica Arocha.

La instalación invita al espectador a sumergirse en toda una experiencia sobre el mundo actual a través de un recorrido que comienza con fotografías de la ciudad para ir acercándose cada vez más a planos detalle de manos o piernas cuyo lenguaje corporal muestra sumisión y espera respecto a la llegada del director general. Este proyecto también trata de interrogar al público acerca de si está siendo manipulado a través de la imposición que el propio espacio expositivo le propone hacer. “Quise que las imágenes usasen cuerpos despersonalizados, para sugerir la posibilidad de que está situacion nos apela a todos”, apunta el creador.

Como soportes, fotografías en tonos grises, ediciones en negativos y el cristal, papel o diversos materiales de oficina. Cada una de las decisiones técnicas tomadas en ‘The boss is here’ responden a la voluntad de coherencia discursiva del autor.

‘The boss is here’ se muestra en la SAC en una renovada propuesta tras ser parte del festival ArtPhoto Bcn en su edición de 2021 en la ciudad de Barcelona y coincidiendo con la inminente presentación del fotolibro del proyecto diseñado por el japonés Kentaro Terajima, producido gracias a ser seleccionado por las ayudas a las artes visuales del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria en 2020.

Rafael Arocha (Las Palmas de Gran Canaria, 1978) Es fotógrafo y artista visual. Actualmente es artista en residencia en el Espacio de Producción del Centro de Arte La Regenta. Ha participado en festivales como la Trienal de Fotografía de Hamburgo, Format Festival UK, Festival Internacional de Valparaiso, el Organ Vida Festival, PhotoEspaña, SCAN Tarragona, la Bienal Fotonoviembre y PalmaFoto.

Etiquetas

• fotografía
• Rafael Arocha
• SAC
• Sala de Arte Contemporáneo

Del 9 septiembre al 11 de noviembre se podrá visitar en este espacio dependiente del área de Cultura del Gobierno de Canarias

Los paisajes de Alejandro Correa (Santa Cruz de Tenerife, 1984) surgen de un recogimiento voluntario, donde la memoria y el recuerdo se materializan en imágenes que irrumpen desde su propia subjetividad. Visiones fragmentadas e instantes sugeridos tejen la narración interna de este artista que nos ofrece, en la Sala de Arte Contemporáneo en Santa Cruz de Tenerife, su palabra camuflada en cada uno de sus cuadros.

Con el título ‘Muestra’, Correa reúne en el espacio expositivo del 9 de septiembre al 11 de noviembre, paisajes abigarrados «líneas de horizontes que reducen la naturaleza a campos de color o cielos cósmicos para desvelar una pintura que, lejos de ser una mera descripción de lo que nos rodea, se constituye como una evocación de un estado de ánimo y de una forma determinada de observar aquello que llamamos realidad», apunta Verónica Farizo en el texto que acompaña esta exposición.

La figura humana aparece en su obra, recuperando «la tensión palpable entre el microcosmos y el macrocosmos, actualizando, desde el presente, la sensibilidad romántica que surge al experimentar la contradicción y el misterio de un entorno en constante cambio». Junto a esta naturaleza sublimada, sus paisajes humanos nos presentan a mujeres y hombres sin contexto ni

relato. La extrañeza y el desarraigo que los define aparecen insinuados por medio de un escenario cuyos fondos están diluidos y en extinción, y casi como personificaciones literarias, «sus protagonistas bien podrían pasearse por las páginas de Poe o Kafka al ser sujetos con identidades fragmentadas que se disuelven en ciudades que los absorben en sus extravíos», explica Farizo.

El recorrido por estos escenarios es para el artista un camino ineludible para mantener la cordura. Consciente de ello, Correa repite sin cesar una obra tras otra manteniendo los mínimos elementos necesarios: el paisaje y el ser humano. Estos elementos hacen que su pintura pueda considerarse un ejercicio ampliamente metafísico a través de paisajes como una ensoñación, como una visión que surge de una contemplación que trasciende la mera mirada empírica de la realidad.

Etiquetas

• exposición
• pintura
• SAC