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La Casa de los Coroneles abre nuevas exposiciones inspiradas en procesos de duelo y de creación artística

Las nuevas exposiciones muestran la obra de Jonay PMatos y Alicia Pardilla

 ‘Visiones desde el páramo’ de Alicia Pardilla y ‘¿A quién le importa un original?’ del artista Jonay PMatos, dos muestras concebidas a partir de soportes como la instalación, la fotografía o el vídeo

Disponibles para el público desde el 5 de marzo al 8 de mayo

El Espacio Cultural Casa de los Coroneles, en Fuerteventura, abre al público mañana, viernes 5, dos nuevas exposiciones integradas por obras de dos artistas grancanarios. Alicia Pardilla presenta ‘Visiones desde el páramo‘, una muestra sobre la muerte y su consecuente duelo, y Jonay PMatos ‘¿A quién le importa un original?’, que   nos sumerge en una instalación que aborda el proceso de creación de los artistas. Ambos trabajos proponen a los espectadores un recorrido interactivo, adaptado a las medidas de prevención del Covid, a través de soportes propios del arte contemporáneo como la instalación, el vídeo o la fotografía, que podrán visitarse hasta el 8 de mayo en este espacio que gestiona el Gobierno de Canarias.

¿A quién le importa un original?’ es exposición individual de Jonay PMatos, quien traslada literalmente su taller de arte a la sala expositiva, a través de una instalación en la que equipara reproducciones de obras con las originales.  Fotografía, vídeo y pintura confluyen en este proyecto en el que el espectador se sumerge en el mundo más íntimo del artista, que declara vivir como un juego tanto la producción de la obra como su resultado.  “Ha sido una creación paulatina de años. De la misma forma que se va conformando un taller a medida que trabajas”, expresa.

” Internet fue el punto de partida. La forma con la que consumimos contenidos y la plasticidad con la que se crea fotografía documental me dio la idea’, señala.  De esta reflexión el artista toma el nombre de la muestra ‘¿A quién le importa un original?’ en una especie de discrepancia alzada sobre la gran importancia del aura artística que aparece en la experiencia directa con la obra de arte que le dio el filósofo Walter Benjamin en el siglo XX con la aparición de la industria cultural. “Me fascina la idea del aprendizaje. ¿Cómo aprendemos a ver las obras de arte?: pues a través de la fotografía, que resulta incluso más importante que la obra en sí. De ahí viene el nombre del proyecto”.

Visiones desde el páramo’ de Alicia Pardilla es una exposición intimista que evoca el delicado momento del duelo por la muerte de un ser querido y la sensación de vacío que este supone. El proyecto se inicia en 2018, después del fallecimiento del padre de la artista. “Una va pasando por distintas fases en las que se hace muchas preguntas. De esas preguntas, que quise transformar en imágenes, nace este proyecto”. Pardilla, que también es pintora, reconoce que eligió realizar las piezas en los soportes de instalación, fotografía y vídeo porque le permitían mayor dinamismo y flexibilidad a la hora de modificar un proyecto que se ideó para irse creando a largo plazo.

‘Relicario’, una de sus piezas, es una instalación conformada por una alacena cuyos cajones y vitrinas están repletos de sal, en la que se invitaba inicialmente a los espectadores a que escribiesen en un papel su respuesta a la pregunta ‘¿Qué creen que la muerte no puede llevarse?’ introduciéndolo, en una metáfora por la conservación del mineral, dentro de la propia obra.  La artista ha propuesto una solución: basta con tomar una foto de la hoja con sus impresiones y compartirla en Instagram con la etiqueta #visiones desde el páramo y mención a @alicia_pardilla. “Así, vamos creando un ‘relicario’ de recuerdos y fortalezas conjuntas’, explica la artista. La creadora reconoce que, gracias al tiempo, el dolor se va transformando y se transforma en parte del legado de la propia vida.

Profundo carácter contemporáneo

Interactivas, inmersivas y de carácter profundamente contemporáneo. Dos muestras de temáticas aparentemente muy distintas que se unen por capacidad de ambas piezas para sumir al público en formatos que son propios del arte de a partir de la segunda mitad del siglo XX, a través de dos trabajos que, debido a su carácter inherente a la vida de sus creadores, sólo serán acabados con el fin de su propia vida.

Alicia Pardilla es artista visual. Estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna, especializándose en pintura, y cursando nuevamente el último curso de la licenciatura en la Universidad de Barcelona para poder hacerlo, nuevamente, en imagen. Posteriormente estudió el máster en Producción Artística Interdisciplinaria por la Universidad de Málaga. En la actualidad, además de trabajo e investigación en su práctica artística, cursa el segundo año de su tesis doctoral a través de la Universidad del País Vasco, dentro del programa de Investigación en Arte Contemporáneo.

Jonay PMatos estudió publicidad y su trayectoria profesional ha estado, principalmente, ligada a la fotografía y la dirección de arte. “Me inicié en la pintura como método para salir de la propia fotografía como método diario de trabajo. Pero cada vez que creaba un trabajo, lo fotografiaba. Me percaté de que podía convertirlo en escultórico a través de la fotografía. Llevándola a este lado más íntimo del estudio”. Su obra se ha expuesto en diferentes lugares como en la Ciudad de México, Barcelona, Londres, Bruselas, El Hierro, Madrid, Estocolmo y Palma de Mallorca.

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‘Antropología de un asesinato’ y ‘Paisaje residual’, dos nuevas exposiciones que plantean preguntas incómodas

Algunas de las obras que se exhiben en las muestras

La Casa de los Coroneles acoge mañana, viernes 18, a las 19.00 horas, un encuentro con sus creadores Pepe Betancort y Marta Torrecilla

Se inspiran en el voyeurismo ante un homicidio y en la pasividad con la que asumimos una posible hecatombe medioambiental

El Espacio Cultural Casa de los Coroneles, en Fuerteventura, abre al público mañana, viernes 18, dos nuevas exposiciones integradas por obras de los artistas canarios Pepe Betancort y Marta Torrecilla. ‘Antropología de un asesinato’, del creador lanzaroteño sitúa al espectador en el escenario de un homicidio, invitándole a cuestionar el espacio en el que se encuentra; mientras que ‘Paisaje residual’, de la arquitecta y artista plástica grancanaria plantea la pasividad con la que asumimos una posible hecatombe medioambiental. Ambas muestras se podrán visitar hasta el 27 de febrero.

El público interesado podrá también asistir mañana, viernes 18, a las 19.00 horas, a un encuentro programado con ambos artistas, que ofrecerán personalmente de los detalles de las obras que se exhiben. Este acto es de libre acceso, si bien es necesario registrarse en la web de la Casa de los Coroneles, en el apartado correspondiente a cada una de estas exposiciones.

‘Antropología de un asesinato’, de Pepe Betancor sumerge al que mira en una atmósfera asfixiante a través de imágenes estéticamente armoniosas, como pueden serlo las fotografías de un bosque o de una casa de color azul cielo. “Hay una espera tensa detrás de estos paisajes verdes. Algo oculto y siniestro que espera ser descubierto. Y esto es lo realmente interesante e inquietante”, comenta la comisaria Amelia Álvarez de Mesa. El autor se aproxima a la idea de cómo determinados lugares e imágenes transmiten un aura de desasosiego e incomodidad cuando el espectador se siente testigo, directo o indirecto, de un asesinato.

De otra parte, ‘Paisaje residual’ de Marta Torrecilla, es un proyecto que nace de la reflexión acerca de los materiales artificiales que, como el plástico, se conforman como contaminantes de nuestro entorno. Fotografías o piezas de videoarte en el que se muestran fábricas de gestión de residuos o envases amontonados, confluyendo en una misma instalación, como un ecosistema formado por la unión de todos sus elementos, en la que la artista plantea el protagonismo del plástico en nuestro hábitat, y la transformación que estos residuos producen en los espacios naturales. “A pesar de ser conscientes y consecuentes de un intento de cambio de hábitos, estamos completamente invadidas. De tal manera, que nos es difícil imaginar otros escenarios, otros paisajes, las formas y colores brillantes nos generan fascinación y nos hipnotizan a pesar del horror que representan” declara la creadora. El objetivo de la muestra: que el espectador se sumerja en la urgente necesidad de tomar medidas contra la destrucción del entorno.

Incomodas, envolventes y bellas: la oscuridad del género humano sale a relucir en ambos proyectos, en los que el asesinato, el rol de voyeur que obtiene quién observa, pero no actúa, o la autodestrucción que conlleva el maltrato ecológico hacia el mundo en el que habitamos, lanza una inquietante reflexión al aire sobre nosotros mismos: ¿Somos culpables activos ante una problemática en la que nos mantenemos como agentes pasivos?

Pepe Bentancor (Arrecife, 1966) ha sido profesor de Crítica Literaria en la Universidad de La Laguna, ha ejercido como investigador y comisario artístico. Actualmente su actividad laboral se desarrolla como técnico cultural en el Cabildo de Lanzarote. Ha combinado su actividad narrativa, con publicaciones como “El año de las cucas volonas y otros relatos” y su papel como artista plástico.

Marta Torrecilla, arquitecta y artista plástica, despunta como una de las jóvenes promesas del arte contemporáneo canario. Su trabajo mantiene un fuerte compromiso con la ecología, centrándose especialmente en el problema de la producción y consumo de plástico. Ha sido artista residente en el espacio de producción del Centro de Arte La Regenta. Ha participado generando intervenciones efímeras en el festival de Arte Urbano Fate Festival en San Potito Sannitico (Caserta, Italia). En 2020 partició en la exposición colectiva ‘Biotopías, sobre compromiso medioambiental, en Las Palmas de Gran Canaria.

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Romina Rivero abraza lo doliente en ‘En Fuga’ de la Sala de Arte Contemporáneo SAC

'En fuga' de Romina Rivero

La exposición estará abierta al público desde el viernes 13 de noviembre hasta el 11 de enero

La Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias (SAC) abre al público este viernes 13 la exposición ‘En Fuga’, de la artista tinerfeña Romina Rivero (1982). Los estudios orientales, la perspectiva de género y la convicción de lo corpóreo como elemento político, que históricamente se ha visto sometido a violencia médica, son los pilares intelectuales de la muestra. A partir de esas ideas, la artista admite su necesidad creativa de ‘embellecer el dolor’..

“Mediante la herida, la cicatriz y el trauma, vinculado a lo corpóreo, trato de definir o mostrar justamente la textura de las mismas”, afirma la artista. “La obra describe y alude ese espacio vacío u olvidado del dolor, del duelo, que se omite en nuestra sociedad contemporánea y neoliberal”. Así mismo, reivindica a las “cuatro minorías que realmente no lo son” que le han otorgado fuerza para clamar dignidad a través de su creación: las mujeres, las personas con diversidad funcional, el colectivo LGTBI y las personas racializadas.

La historia personal de la autora desvela los porqués de estas inquietudes, configurando su marcado estilo artístico: el sueño de ser médica desechado por la angustia a la muerte. Un brutal accidente durante sus estudios, quedando paralítica durante más de un año. Medicina y filosofía oriental como terapia para la lenta recuperación. Lecturas de Michel Foucault o Paul B. Preciado en su motivación de entender su contexto en occidente.

El intimismo de su universo simbólico, la inclinación por el mundo oriental o sus convicciones sociales son algunos elementos que definen esta exposición. Huesos, hilos dorados, dibujos anatómicos o grandes instalaciones en site-specific, en los que la estética médica y lo oriental se entrelazan, en un resultado final fresco y vitalista.

Para la creación de sus obras, la artista utiliza metal, papel, cerámica cromada en color oro y plata, hilo, telas y blondas. Y en lugar de costura o bordado, usa ‘sutura médica’. Su paleta se reduce a dorado, blanco, negro y rojo. En la nueva exposición destacan los acabados en acero inoxidable, tela, blonda, hilo metálico japonés, hilo y agujas.

Romina Rivero estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna, bajo el itinerario en Arte Multidisciplinar. En 2019 realizó una residencia artística en el TEA y de ahí nació la muestra “El espíritu no es un hueso”. Ha expuesto en Madrid ‘Hybrid Art Fair’ (2019) o ‘Resistencias’ en Las Palmas de Gran Canaria. En 2017 exhibe en el Centro de Arte La Regenta ‘Ad Intus, el espacio que habitamos’. Ha participado en exposiciones colectivas como el III Bienal de Arte de Génova (2019).

La nueva exposición está disponible para el público hasta el 11 de enero de 2021, en la sala situada junto al Espacio La Granja, dentro del edificio de la Biblioteca Pública del Estado en Santa Cruz de Tenerife. El horario de visita de lunes a viernes, de 11.00 a 14.00 horas, y los lunes y jueves, de 17.00 a 20.00 horas.

 

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José Herrera exhibe ‘Días deshojados’ en la Sala de Arte del Cabrera Pinto

Una de las obras que integran la exposición de José Herrera

La exposición, que muestra sus singulares estructuras tridimensionales en madera y hierro, se puede visitar hasta el 6 de enero de 2021

La Sala de Arte Cabrera Pinto abre mañana, sábado 24, al público ‘Días deshojados’, el último trabajo del artista lagunero José Herrera (1956), integrado por obras en papel, así como por singulares estructuras tridimensionales en madera y hierro. Un proyecto concebido antes de la aparición de la actual pandemia que invita al espectador a interactuar con la relación entre el espacio y la memoria. La exposición permanecerá abierta al público hasta el 6 de enero de 2021.

El nuevo proyecto de Herrera nace de la reflexión sobre el concepto de espacio y la memoria que este alberga, invitando al espectador a formar parte de dicho diálogo a través de la experiencia presencial en la sala. La austeridad, minimalismo y la limpieza de la muestra sugieren la soledad que el artista declara necesitar a la hora de crear.

La obra resulta indudablemente reconocible: el uso reiterado de formas sencillas en sus estructuras, que evocan una estética común minimalista en donde las ideas neo-conceptuales son fundamentales en el planteamiento de la sala. El propio artista declara la necesidad que tiene de rehuir al ruido del entorno, en búsqueda de una soledad anhelada.

Entre otras piezas, el artista destaca obras como ‘Desvanecimiento’, ‘Habitación para las flores’, ‘Rostro para el paisaje’, ‘autorretrato’, y ‘Lamentar los pájaros’, que hacen referencia a aspectos relacionados con el dolor, la fragilidad, la duda o la vulnerabilidad. A través de su arte, el espectador se sumerge en sensaciones etéreas, alejadas de lo más terrenal del día a día.

José Herrera ha compaginado 35 años dedicados a la docencia universitaria con una prolífica producción artística que ha exhibido diferentes museos y centros de arte como el Reina Sofía, el Art-Forum de Berlín o el Tenerife Espacio Artes, entre otros. También ha participado en colecciones colectivas como Tinnitus, que compartió espacio con Luis Palmero, o El refugio más pequeño, realizado junto con Gonzalo González, Juan Gopar y Luis Palmero.

 

 

 

 

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El interior del Espacio Cultural El Tanque se ‘ilumina’ con una instalación del artista y arquitecto Juan Serrano

La luz y las formas dan vida a la nueva propouesta artística para el Espacio Cultural El Tanque

 ‘D’espacio’ se abre al público el martes 28 de julio para intervenir en su oscuridad mediante forma, luz y tiempo

El interior del Espacio Cultural El Tanque se llenará de formas y de luz gracias a la instalación multidisciplinar ‘D’espacio’, ideada por el veterano artista y arquitecto cordobés Juan Serrano, en la que juega con la oscuridad del antiguo depósito de petróleos para crear una sorprendente propuesta artística.  Se trata de una nueva apuesta con crear obras específicas adaptadas a las especiales características de esta singular sala que gestiona el Gobierno de Canarias en la capital tinerfeña, cuya apertura al público está programada para el martes, 28 de julio. Se podrá visitar hasta el 3 de octubre, con entrada libre, cualquier tarde de martes a viernes, y durante las mañanas de los sábados.

Quien fuera fundador del Equipo 57, distinguido con la Medalla de Oro de Bellas Artes y el Premio Pablo Picasso, el creador Juan Serrano ha recibido además a título individual la Medalla de Plata de la Junta de Andalucía y el Premio de Arquitectura Félix Hernández. Una trayectoria que refleja la importancia de su obra, a la que se incorpora ahora la que ha diseñado a partir de la inspiración que le sugiere el Espacio Cultural El Tanque y su especial singularidad.

Realizada en colaboración con el estudio Amasce y el músico Vanzetti, el equipo diseña esta instalación partiendo de la base de que ‘la oscuridad interior que se experimenta dentro de El Tanque representa, aparte de una circunstancia visual para el visitante del espacio, una metáfora del contenido del recinto histórico, el petróleo, combustible fósil en vías de agotamiento, responsable de una expansión mecánica y económica sin parangón a costa de catastróficos efectos ambientales que están llevando a nuestro planeta a un punto de agotamiento sin posible retorno’.

En este sentido propone ‘interferir el espacio de El Tanque, que es como decir intervenir en su oscuridad, mediante forma, luz y tiempo, que servirán como elementos para jugar con el espacio. El juego propuesto revelará conceptos como la pérdida de unidad o la inexistencia de un centro que polarice la mirada, como ocurre en la manera tradicional de conceptualizar el hecho escultórico’.

Una instalación pensada para disfrutarla con la mirada, pero también con los oídos y escuchar la poética del espacio en las superposiciones sonoras y sutiles que se experimentan en esta visita.

Respecto a la ‘forma’ y ‘El tiempo’

La intervención propone disponer una forma abierta plana, compuesta por una misma figura duplicada. Por medio de su distribución en el espacio y de operar giros y elevaciones, la centralidad y simetría del espacio quedan neutralizados, potenciando una percepción más fragmentada, laberíntica, y por ende, más descentrada.

Las formas son una suerte de arabesco, un dibujo lumínico abstracto trazado en el espacio que no remite a nada salvo a sí mismo y a su carácter ornamental. Estas formas emiten además constantemente luz tenue de tal manera que se insinúa el espacio donde se insertan y permiten su reconocimiento.

De otra parte, la experiencia del tiempo, o de la mutación del espacio, se incorpora a la intervención mediante operaciones de coloreado puntual de algunas de las formas a la vez que aparecen y desaparecen una serie de sonidos concretos, abstractos y distorsionados, que se superponen a una base acústica permanente a modo de pedal. La asociación de colores y ondas sonoras permite generar un nuevo juego de relaciones audiovisuales y de posibilidades de composición.

Más sobre Juan Serrano (Córdoba 1929)

Juan Serrano Muñoz nació en Córdoba, en 1929. Aficionado al dibujo y la pintura, durante los años de su formación en la Escuela de Artes y Oficios entablará amistad con el artista José Duarte, con quien viaja en la década de los 50 a París. Allí se reunirán un grupo de artistas con quienes fundará, en 1957, Equipo 57.

Después de la disolución de Equipo 57, realiza estudios de arquitectura, incorporándose al Ayuntamiento de Córdoba como arquitecto municipal. Su labor fue esencial en la preservación y consolidación de su casco antiguo, habiendo sido merecedor de varios premios de restauración patrimonial.

En su tiempo libre, además, ha seguido desarrollando su faceta artística a través de la pintura, la escultura y el diseño de mobiliario.

Es Premio de Arquitectura Félix Hernández (1987); Medalla de Oro de las Bellas Artes, junto al equipo 57 (1993); Premio Pablo Ruiz Picasso, junto al Equipo 57 (1999) y Medalla de Plata de la Junta de Andalucía (2007).

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Miriam Durango expone ‘Para mí la culpa, para ti la disculpa’ en las salas Cabrera Pinto de La Laguna

Miriam Durango: 'Para mí la culpa, para ti la disculpa'

Se trata de una retrospectiva que abarca gran parte del proceso creativo de la artista tinerfeña. Se inaugura este sábado 21, a las 12:00 horas, y podrá visitarse hasta el 2 de febrero.

Las salas Cabrera Pinto de La Laguna, dependientes del área de Cultura del Gobierno, presentan una retrospectiva dedicada a la artista Miriam Durango, desde el próximo sábado 21 de diciembre, a las 12:00 horas, permaneciendo abierta al público hasta el 2 de febrero. Con el título “Para mí la culpa, para ti la disculpa” recorre gran parte de su proceso creativo, concretamente, el que transcurre desde la década de los 90 hasta la actualidad.

A lo largo de todos estos años, tanto su evolución artística como vivencial han ido íntimamente ligadas. Observando su recorrido y cómo éste se ha ido desgranando a través de diversas series, es fácil reconocer ciertas insistencias que se han ido repitiendo, entre ellas, nociones como la marcada presencia del estereotipo en nuestra sociedad.

La muestra, al tiempo que una alusión a este concepto, “podría decirse que es también una forma  intencionada de involucrar, sugerir, obligar en cierta manera al espectador a una autorreflexión que propicie la salida del circuito cerrado en que se halla todo comportamiento estereotipado.  De ahí la utilización de la forma a modo de pintada callejera, los muros que hablan para todos, están ahí al alcance de la mayoría, te tropiezas con ellos aunque no lo desees, los tienes que leer y ello te obliga a reflexionar” argumenta la creadora.

Miriam Durango (Tenerife, 1958) es una artista de amplia trayectoria que ha compaginado la creación con el comisariado y la gestión cultural. Como comisaria independiente ha realizado numerosos proyectos. De su trabajo inicial realizado con pintura ha ido transitando  hacía la utilización  de las nuevas formas y soportes expresivos que se manifiestan mediante las nuevas tecnologías, el vídeo, el arte sonoro, las instalaciones y el arte electrónico.

Rastreadora, lectora de mapas y observadora errante, en una época en que los espacios virtuales sustituyen a los reales, su mirada se desplaza sin cesar para construir y reconstruir: “Me gusta utilizar la pantalla como espacio donde sucede algo, de ahí que mis piezas tiendan a la abstracción en las que sus personajes existen, están atrapados dentro de un éter electrónico. El loop de las piezas aluden a la condición del eterno retorno, ciclos de principio y fin que se repiten una y otra vez”, concluye.

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La exposición ‘Sacer. Rituales, sacrificios y ofrendas’ exhibe obras realizadas con restos óseos de animales

Cristina Déniz junto a una de sus obras

La propuesta de la artista canaria Cristina Déniz se inaugura este viernes, 12 de julio, en la Sala de Arte Contemporáneo, en Santa Cruz de Tenerife. En su intervención, los restos son transformados para renacer y adquirir una nueva vida

La artista canaria Cristina Déniz presenta en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) la exposición ‘Sacer. Rituales, sacrificios y ofrendas’, integrada por una treintena de obras realizadas con restos óseos de animales encontrados en las islas. La muestra invita a reflexionar sobre la búsqueda de lo sagrado en la vida cotidiana y sobre el culto de los objetos que se convierten en reliquias cuando se les atribuye un valor especial. Esta propuesta nada tiene que ver con la religión, aunque sí se acerca a su estética y su simbología.

La exposición será inaugurada el próximo viernes 12 de julio, a las 20.30 horas, en este espacio que gestiona el Gobierno de Canarias en la capital tinerfeña, situado en el edificio de la Biblioteca Pública del Estado, en el Parque de La Granja. Se podrá visitar hasta el 30 de agosto de 2019.

Cristina Déniz Sosa (Las Palmas de Gran Canaria, 1981) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna. Vive y trabaja en la capital grancanaria y ha participado en más de una decena de exposiciones colectivas celebradas en distintas ciudades de España, Italia y Portugal. La muestra ‘Sacer’, término que hace referencia a lo sagrado, es su cuarta exposición individual en Canarias.

El proyecto expositivo está integrado por una cuidada selección de una treintena obras, creadas, en su mayoría, con restos óseos de animales encontrados en espacios naturales de Canarias, que la artista interviene con una extrema delicadeza hasta convertirlos en piezas de arte de un indudable valor estético y una gran carga simbólica.

En palabras de la artista, cada pieza creada a partir de un hueso animal “tiene implícita una carga simbólica referida a su origen, a su relación con el paisaje y también a su uso cultural como alimento en la dieta de la mayoría de los humanos. Su cambio de significado en otro entorno, su intervención y su uso como objeto de arte lo transforman en sagrado, en una reflexión crítica abierta sobre su uso cotidiano y efímero”.

Los restos óseos que la artista encuentra abandonados en la naturaleza -aves, insectos, mamíferos o frágiles criaturas marinas- son transformados a través de una especie de ritual que da como resultado un conjunto de obras cercanas a la poesía visual; objetos que renacen y adquieren una nueva vida.

El amor a los animales es uno de los puntos de partida del universo creativo de Déniz. La artista protege a los animales, durante la vida y también en la muerte, de manera que al morir sacraliza y expone sus restos materiales en otro contexto, “dotándolos de una inesperada existencia a la manera de reliquia exhibida”, explica la historiadora del arte, Mari Carmen Rodríguez, en el texto del catálogo que acompaña la exposición.

Recopilación e intervención

Este proyecto es el resultado de un trabajo de algo más de dos años de recopilación y posterior intervención de las 29 obras seleccionadas para la muestra. Un trabajo que comienza en los entornos naturales de Canarias, de un especial valor cultural y paisajístico, donde la creadora, desde su admiración y respeto a la naturaleza, encuentra la necesidad de rescatar del olvido esos restos de seres vivos, que, pulidos por el paso del tiempo, merecen una segunda oportunidad.

Mediante un sencillo proceso de maceración, blanqueo y desinfección, cada pieza se va transformando en objeto de una gran pureza y apariencia de porcelana. Este proceso incluye la incorporación de elementos de metal o de madera que abrazan y se funden con la materia prima animal hasta cristalizar en piezas singulares que “mantienen la dualidad entre la naturaleza y el impacto ambiental, el azar del encuentro y el trato delicado, la muerte y lo eterno”, indica Mari Carmen Rodríguez.

Las obras de la exposición se presentan dispuestas sobre atractivos soportes, como marcos de madera, cofres o vitrinas, que otorgan al sencillo hueso – ya sean cráneos, cuernos de cabra o pequeños huesecillos de aves- la dignidad de cualquier material noble. “La predilección por la solemnidad del marco, la dedicación manual a la materia, ya sea metal o animal, tal es el caso de esta exposición”, resume la historiadora.

Entre las 29 obras que componen la exposición se incluyen dos murales site- specific que Déniz presenta bajo los rótulos ‘Sagrada Vértebra de Todos los Huesos Rotos’, 2018-2019, realizado con huesos rotos de animales, pintura dorada y latón, y ‘Exvotos’ 2019, creado en latón.

Publicación

La exposición va acompañada de un catálogo en español e inglés editado por el Gobierno de Canarias, que recogerá variadas colaboraciones desde las que poder abordar diferentes aspectos de su trabajo. El libro incluye textos de Elena Castro Córdoba, Eduvigis Hernández y Mari Carmen Rodríguez Quintana.

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Muyayo’ de Cristóbal Tabares se exhibe en las salas de la Casa de los Coroneles

Una de las obras que integra la exposición 'Muyayo'

Del 5 de julio al 21 de septiembre se podrá visitar esta muestra con pinturas que aportan una visión crítica sobre la identidad y la turisficación

El artista tinerfeño Cristóbal Tabares inaugura en la Casa de los Coroneles, La Oliva, Fuerteventura, una serie de pinturas reunidas bajo el título ‘Muyayo’ en las que se cuestiona qué nos define como sociedad y qué nos distingue de otras regiones, poniendo el acento en como la turisficación ha contribuido a desdibujar estos rasgos hasta hacerlos indistinguibles unos de otros. Se podrá ver desde mañana, viernes 5 de julio, hasta el 21 de septiembre, en este  emblemático espacio que gestiona el Gobierno de Canarias.

“La globalización económica, cuyo cuestionamiento más fuerte en los últimos años pasa por replantearse el modelo de turismo que consumimos, ha generado que el balconing sea propio de Mallorca o de La Orotava, y que la construcción masiva de complejos hoteleros haya condicionado el desarrollo natural de algunas zonas de las islas”, escribe sobre la obra Semiramis González. Como ya hizo en anteriores proyectos suyos, Tabares aporta una perspectiva crítica a través de una técnica que domina a la perfección, la pintura, utilizando el color y la figuración para representar espacios que podrían resultarnos familiares pero que son metáforas de lo que dibujan en palabras a través de vistas aéreas: caos, destrucción…

Se trata de un proyecto estéticamente impecable pero temáticamente crítico, sin abandonar la ironía inteligente que los proyectos de Tabares siempre tienen en común. Una exposición para repensarnos como sociedad, como consumidores y como turistas, y reflexionar sobre nuestra aportación a la conservación de los espacios naturales.

Cristóbal Tabares. (Arafo, Santa Cruz de Tenerife, 1984).

Licenciado en Bellas Artes y Máster en Arte, Territorio y Paisaje por la Universidad de La Laguna. Seleccionado para el II Encuentro de Artistas Novos en la Ciudad de la Cultura de Galicia, y en I Encuentro de Artistas nuevos de Castilla y León. Ha participado en Art Room Fair #2 y #4, en Proyecto Chimenea de La Casa Encendida de Madrid, en Ikas-Art y Getxoarte en Bilbao, en Estudio Aberto de Lugo, en Art Miami con Dillon Gallery de Nueva York.

Ha participado en exposiciones colectivas como Plástico, en 2013, en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife, Movember en 2014, en The VyneStudio de Londres, Breaking News, en 2014, en la Galería Manuel Ojeda en Las Palmas, 25.000/25ft en 2015 en el Instituto Cabrera Pinto, Bad Taste en 2017 en el espacio de la Térmica de Málaga, Contra la piel en 2018 en el Área 60 del TEA,  o Crisis? What Crisis? Capítulo 2. Dibujos (y otros recursos antropológicos) en 2018 en TEA. Este último año ha participado en la exposición Potasio en la galería Mad Is Mad de Madrid.

Entre sus exposiciones individuales destacan XIN XIN en 2014 en la Galería Metro de Santiago de Compostela, Liberté, Egalité, Varieté en 2016 en la sala de arte La Recova de Santa Cruz de Tenerife, Ahora es tarde señora en 2017 en el espacio Alquian de Madrid. Este año ha expuesto DIENTES DIENTES en la Fresh Gallery de Madrid.

Obtuvo el Primer Premio en la Bienal de Pintura de Padru en Cerdeña, el Premio Nacional de Pintura Enrique Lite, el Premio Museo Arte Contemporáneo de Gas Natural Fenosa en la feria Cuarto Público en Santiago de Compostela.

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