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Últimos días para ver en Tenerife la exposición ‘Benito Pérez Galdós. La verdad humana’

Galdós. La verdad humana

Unas 20.000 personas han visitado la muestra desde su inauguración hace casi seis meses.

Estará abierta al público hasta este domingo día 15 de agosto en las salas Cabrera Pinto de la Laguna, donde Galdós se examinó de Bachiller.

‘Benito Pérez Galdós. La verdad humana’, la enorme exposición sobre la vida y obra del insigne escritor, culmina su paso por Tenerife este domingo 15 de agosto. Inaugurada el pasado mes de marzo, durante estos casi seis meses unas 20.000 personas han podido visitarla y explorar el lado más humano de Galdós, así como el contexto que le hizo crecer como un genio renovador de la novela español. Tras su paso por Madrid y Gran Canaria, ha sido el Instituto de Canarias Cabrera Pinto, en La Laguna, cuyas salas de exposiciones gestiona el Gobierno de Canarias, el espacio escogido para la exhibición en la Isla de esta gran muestra.

Precisamente el Cabrera Pinto, a juicio de Germán Gullón, comisario del proyecto, resulta “un escenario único para esta exposición del Centenario, pues el Instituto de Enseñanza Media del que forma parte, fue donde Galdós tomó los exámenes de bachillerato. Curiosamente, aún se conserva su título de Bachiller, porque nunca tuvo oportunidad de venir a recogerlo”. Este hecho constituye el principal hito del paso de la exposición por la Laguna, ya que se pudo incluir toda esta documentación relacionada con su paso por el Instituto.

La exposición forma parte de un programa mayor llamado ‘Canarias, la tierra de Galdós’, que trata de conmemorar el centenario del fallecimiento del emblemático autor. En ella se exhiben más de doscientas piezas de diversas instituciones tanto públicas como privadas. Se recogen desde manuscritos, libros, fotografías y pinturas hasta mobiliario y objetos personales. Todo lo posible para crear una perspectiva amplia y profunda de la vida de Galdós.

Como explicaba en su apertura Germán Gullón, también catedrático emérito de Literatura Española, la muestra propone al público “no solo el retrato de un escritor, sino de un autor distinto, un genio y el hombre más importante hasta 1920 de la cultura española”. Así, diseñada por Enrique Bonet, ofrece la oportunidad de conocer la evolución de Galdós, su contexto, vida y el legado que ha supuesto su obra.

La propuesta abarca desde la infancia del escritor y profundiza en cómo se interesó en el arte, evolucionó como novelista y cultivó su propio y destacado estilo. Llegó a ser considerado un autor universal gracias a su revolucionaria propuesta literaria del ser humano, que abandonó los cánones renacentistas para abordarla con una visión moderna. Sin abandonar la grandeza literaria cervantina y del Siglo de Oro, expuso en sus obras a un ser humano real y verdadero adaptado a la imagen de sus tiempos.

El recorrido incide también en la actualidad a través de carteles de películas que tienen la obra galdosiana como base y el documental de Arancha Aguirre, que aborda la profunda influencia del célebre autor en la obra de seis escritoras y escritores.

En cada una de las sedes, Madrid (donde llegaron a acudir casi 70 000 personas), Gran Canaria y Tenerife, la exposición ha ido cambiando. Según expuso en marzo Germán Gullón, “cada una tiene su razón de ser, pero las tres son una celebración maravillosa de lo que fue la obra y la vida de este ser tan extraordinario que fue don Benito Pérez Galdós”.

‘Benito Pérez Galdós. La verdad humana’ está organizada por el Gobierno de Canarias, Biblioteca Nacional de España y Acción Cultural Española, con la colaboración de la Casa Museo Pérez Galdós (Cabildo de Gran Canaria).

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‘La Regenta escrita’: catálogos de arte contemporáneo nacional e internacional a precio muy reducido

La Regenta Escrita 2021

Del 3 al 7 de agosto podrán adquirirse en este centro de producción artística libros especializados a solo 3 euros

El Centro de Arte La Regenta celebra desde este martes 3 al sábado 7 de agosto la novena edición de ‘La Regenta escrita: catálogos de una época’, que pondrá a disposición de la ciudadanía libros de arte, agotados o con pocos ejemplares en circulación, por el precio reducido de tres euros. Los dieciocho títulos ofertados son catálogos sobre exposiciones que albergaron las salas dependientes del Gobierno de Canarias hasta el año 2011 y abarcan el trabajo de distintos artistas nacionales e internacionales. Los libros podrán adquirirse en el horario habitual de sala de exposiciones (de martes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00 horas, y sábados de 10:00 a 14:00 horas).

Los libros versan sobre la obra de artistas canarias, creadores internacionales, muestras colectivas… En sus portadas se podrá encontrar, por ejemplo, el nombre de relevantes creadoras isleñas como Laura González Cabrera y Hildegard Hahn; o guías didácticas sobre el arte contemporáneo en el archipiélago, como la colectiva ‘Canarias siglo XX: Instrumentos para el análisis del arte de un siglo’.

Con esta acción el Centro de Arte La Regenta quiere facilitar a la ciudadanía amante del arte la posibilidad de aumentar sus bibliotecas, profundizar o descubrir autores y poner en valor la edición de los catálogos de exposiciones. Habrá un máximo de cinco ejemplares por cada uno los catálogos ofertados. La campaña concluirá al agotarse estas obras, sin opción a que sean repuestos.

Hay que tener en cuenta el valor de un catálogo: desde de los derechos de autor de las obras, los textos de los comisarios y críticos de arte o fotógrafos y editores, hasta la distribución… “Con la oportunidad de adquirirlos a este precio queremos aumentar en los lectores el interés por descubrir las claves del arte contemporáneo”, señala el equipo de La Regenta. Del mismo modo, esta campaña también busca avivar la memoria de artistas o críticos de arte que han sido imprescindibles para la historia cultural de Canarias, pero que actualmente son vulnerables a ser olvidados por el paso del tiempo.

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La Casa de los Coroneles abre dos nuevas exposiciones que reflexionan sobre la vida en Fuerteventura

'Uso Común' y 'SHIPpEO', nuevas exposiciones en la Casa Coroneles

‘Uso común’ de Palma Edith Christian Martínez y ‘SHIPpEO’ de Paco Sánchez podrán disfrutarse desde mañana, viernes 23 de julio, hasta el 25 de septiembre

La Casa de los Coroneles abre al público dos nuevas exposiciones creadas por artistas canarios: ‘Uso común’ de Palma Edith Christian Martínez, un proyecto que pretende redignificar el valor de lo inadvertido como lo son las labores agrarias y domésticas, y ‘SHIPpEO’ de Paco Sánchez, una mirada personal sobre la historia de la población de Fuerteventura desde su conquista a la actualidad. Ambas propuestas se componen a través del uso de instalaciones creadas, mayoritariamente, in situ en torno a dos lecturas sobre la forma de vivir en la isla. Las muestras podrán visitarse desde este viernes 23 de julio al 25 de septiembre.

‘Uso común’, de la grancanaria Palma Edith Christian, alberga piezas creadas a través de las series: ‘Pasos perdidos’, instalación que la artista creó recuperando las alpargatas para campesinos que nunca llegaron a venderse, o ‘Seco’, en el que recolectó pastillas de jabón antiguas, en un canto al paso del tiempo y su irremediable deterioro.  ‘Lo común requiere constancia’ apunta la artista.

La artista concibió esta pieza durante el periodo de confinamiento. Describe su proyecto como un ‘registro de apuntes’ situados en algún lugar que podría ser la isla de Fuerteventura, pero que es extrapolable a otros parajes, a través la lucha diaria por la vida que realiza la población de a pie. ‘Quise hacer un homenaje a esa memoria que pasa y se olvida, que pasa desapercibida y es difícil recuperarla’, declara la autora.

El conjunto de instalaciones busca la participación activa del espectador, con su presencia y como depositario y protagonista para remover el recuerdo de imágenes que son comunes para la mayoría a causa del pasado predominantemente agrario de las islas y, del mundo en general. ‘Este trabajo crea un canto a la ética del cuidado que, nace más allá de la esfera privada, buscando una socialización del cuidado como vehículo para la paz’, explica Christian Martínez.

‘SHIPpEO’, instalaciones de Paco Sánchez

De otra parte, el artista grancanario Paco Sánchez muestra en ‘SHIPpEO’ tres instalaciones integradas por sus obras más recientes de formato medio, diseñadas para el espacio expositivo de la Casa de los Coroneles. La muestra es un viaje a través de la mirada personal del artista a la historia de la isla: desde la dominación militar, que representa por el propio edificio de La Casa de los Coroneles, pasando por la precariedad de la vida rural y su preocupación actual por el turismo de impacto como base económica para un territorio que podría ser especialmente vulnerable frente al cambio climático.

‘Shippear define la implicación emocional e intelectual de los seguidores de una obra de ficción en el lenguaje de internet. Sin embargo, creo que el término podría ser aplicable a cualquier implicación de este tipo’, explica Sánchez, ‘Como artista, me adueño del concepto en un diálogo sobre la historia de la isla, desde su precariedad en tiempos pasados hasta el modelo socioeconómico insostenible que debemos replantear en la actualidad’, declara el creador.

Paco Sánchez (Ingenio, 1966), funda en la década de 1980 el taller ‘Almagre’, desarrollando diferentes líneas de piezas de cerámica en producción artesanal. Actualmente trabaja como docente de cerámica para el Cabildo de Gran Canaria. Su obra se crea a través de la reflexión sobre la realidad política, los conflictos sociales o la preocupación por el medio ambiente

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Los jóvenes toman la sala de exposiciones de la Casa de los Coroneles

Nuevas exposiciones en la Casa de los Coroneles

Las nuevas muestras son ‘Ausencia’, de Romina Belda, y la colectiva de alumnos de la Escuela de Arte de Fuerteventura ‘Relaciones de poder’

Los trabajos estarán expuestos al público del 14 de mayo al 10 de julio de 2021

La Casa de los Coroneles se llenará de propuestas de artistas millennials y de la generación Z durante los dos próximos meses. Las muestras que alberga este emblemático espacio del Gobierno de Canarias son ‘Ausencia’, de la alicantina Romina Belda, que constituye una oda a la tierra y a quién la cuida a través de la fotografía; y ‘Relaciones de poder’, exhibición conjunta en la que participan más de cincuenta alumnos de la Escuela de Arte de Fuerteventura, en una reflexión sobre los complejos vínculos de desigualdad que se crean entre las personas de diferentes estratos sociales. Las exposiciones podrán visitarse desde mañana, viernes 14 de mayo, al próximo 10 de julio.

‘Ausencia’, de Romina Belda (1990), es una serie fotográfica que creó la artista los últimos días antes de la venta de las tierras en las que se había criado en Matola, una pedanía de Elche. También retrató la casa de su abuela, que falleció pocos días después de la venta de los terrenos. El trabajo, declaró la artista, ‘es una forma de mostrar la devoción que le debemos a aquellos que cuidan y al sentimiento de pertenencia hacia los lugares y los otros’. Las 16 fotografías fueron tomadas en aquellas duras jornadas de 2018, en las que la autora tuvo que enfrentarse al irremediable cierre de la infancia. ‘De forma inconsciente, en lugar de echarme a llorar, cogí la cámara y planteé un homenaje’, señala Belda. En las fotografías podemos ver escenas propias del universo íntimo de una familia: una madre vestida con un bikini y un pareo mientras se ocupa de sus labores de labranza, tazas de café de una vajilla antigua o los surcos de agua que surgen a través de la tierra a causa del riego, en el ejercicio de unas imágenes repletas de una ternura que nace desde una añoranza anticipada.

‘Relaciones de poder, una construcción colectiva’ es un trabajo elaborado por más de cincuenta alumnos de las disciplinas de animación, fotografía y gráfica publicitaria de la Escuela de Arte de Fuerteventura. La propuesta invita a una reflexión acerca de las relaciones de poder normalizadas dentro de las sociedades. La temática fue incentivada desde del propio centro, con la motivación de fomentar el arte crítico en el alumnado, como apunta Roberto Canedo Balboa, comisario de la muestra. ‘Según Foucault, las relaciones de poder se establecen entre sujetos que pertenecen a un grupo o sociedad. Dicho poder no se posee, sino que se ejerce mediante sistemas de adoctrinamiento, control y dominación. Sírvase como ejemplo un centro educativo’, apunta el Canedo.

En respuesta, el alumnado creó piezas que toman como temáticas la censura, la situación de la mujer en un mundo patriarcal, los privilegios inherentes a las distintas clases sociales o el conductismo agresivo que nace del contacto constante con las redes sociales. Todo ello, en soportes propios del arte contemporáneo como la fotografía, la videoinstalación, la animación o el poema-objeto. Obras individuales y otras en elaboradas por todos los jóvenes alumnos que componen la muestra, como en la pieza ‘Introyectos’.

En ambos trabajos se entrelazan la visión de una juventud que observa el mundo en el que vive desde una visión crítica pero comprometida, a través de un discurso que se construye desde las vivencias colectivas de un mundo precarizado y especialmente difícil para la juventud, que pone en cuestión su propio papel como sujetos activos para ser parte del problema o del cambio.

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La Regenta organiza un curso sobre el diseño del espacio expositivo

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Dirigido a los alumnos de la ULPGC y de la Universidad de Santiago de Compostela, adscritos al máster Gestión del Patrimonio Artístico y Arquitectónico, Museos y Mercado del Arte

Será impartido por Jesús Moreno, arquitecto especializado en el diseño de espacios culturales, exposiciones temporales y museografía, del 11 al 14 de mayo

Proyectar ideas: diseño del espacio expositivo es el título del curso que organiza el Centro de Arte La Regenta, en colaboración con las universidades de Las Palmas de Gran Canaria y Santiago de Compostela, del 11 al 14 de mayo. La iniciativa formativa, que impartirá el arquitecto Jesús Moreno, consolida el compromiso del área de Cultura del Gobierno de Canarias con la formación reglada y su vínculo de la materia curricular con la programación del centro de producción artística.

En los últimos años La Regenta se ha comprometido con la formación reglada de las universidades canarias, tomando consciencia de la trascendencia laboral que tienen los estudios sobre el mercado del arte y sus agentes culturales, ya que estos son uno de los más relevantes a nivel de la demanda laboral.

Bajo esta perspectiva,  en el 2020 se organizó el curso Valor añadido del Arte Contemporáneo que contó con acreditación académica. Con idéntica línea formativa este año se programa el curso Proyectar ideas: diseño del espacio expositivo, con la participación del alumnado del máster oficial interuniversitario e interdisciplinar de Gestión del Patrimonio Artístico y Arquitectónico, Museos y Mercado del Arte, de Las Palmas de Gran Canaria y Santiago de Compostela, organizado por las universidades de estas dos ciudades, a través de los departamentos de Historia del Arte y Arte, Ciudad y Territorio, coordinado por la catedrática María de los Reyes Socorro.

Sus objetivos se concretan en la contribución al desarrollo de las competencias del Máster de forma práctica; en capacitar al participante en la resolución de un diseño expositivo y en entender las variables en la ejecución de un proyecto y tipos de estrategias expositivas. Además, sus contenidos se centran, por una parte, en la conceptualización del espacio y la solución expositiva, y por otra en el diseño espacial y gráfico de la exposición, que incluye desde el origen de la idea expositiva hasta la evaluación final del proyecto, pasando por todas y cada una de las fases que componen el trabajo del gestor o gestora de la exposición.

Se analiza el diseño y la concepción de los espacios expositivos en relación con los objetivos, la obra, la infraestructura y el público. También, propone una descripción de los criterios indispensables en el diseño de una exposición, tales como el estudio de la sala y sus componentes: la accesibilidad física, las condiciones de iluminación, los soportes expositivos, los itinerarios, la interactividad con el visitante, etc. Del mismo modo, se tratarán los recursos textuales y de la gráfica en una exposición. Con todos los elementos analizados se planifican unas estrategias expositivas en función de los contenidos y el discurso expositivo que obviamente incluye los objetivos del comisario o comisaria.

Los talleres

Se realizarán ejercicios prácticos en grupo. De acuerdo con el director del curso, Jesús Moreno, estas agrupaciones deberán tener carácter multidisciplinar con el fin de que exista retroalimentación entre las diferentes especialidades y se optimicen las soluciones presentadas. La parte práctica se plasmará en dos talleres que tomarán como referencia las exposiciones Autoras de utopías (2021) de la canaria Carmela García, recientemente clausurada en la sala de exposiciones del Canal Isabel II en Madrid y Sobre la gravedad, del también canario Juan José Valencia que se exhibe actualmente en el Centro.

Jesús Moreno

Director general de Jesús Moreno & Asociados, Espacio y Comunicación, S.L. Como director de arte y socio fundador, en 1993 crea un estudio de diseño arquitectónico e interiorismo, de carácter multidisciplinar, formado por profesionales de diversos campos, tales como el diseño gráfico, el diseño industrial, el interiorismo, la arquitectura y la historia del arte. Desde sus inicios se ha especializado en el diseño de espacios culturales, exposiciones temporales y museografía, trabajando con las más destacadas instituciones públicas y privadas de nuestro país, entre las que figuran el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, la Biblioteca Nacional o la Fundación Mapfre. El diseño y desarrollo técnico de elementos expositivos individualizados, el estudio de iluminación específico para cada espacio y pieza o el asesoramiento histórico-estético y de conservación para la creación de cada proyecto museográfico, definen las intervenciones permanentes del estudio que lleva su nombre (Jesús Moreno & Asociados). Tienen 25 años de experiencia como empresa, realizando más de 800 proyectos museográficos y expositivos, entre ellos 40 museos. Ostenta la responsabilidad en el diseño del montaje de la muestra Rubens. Pintor de bocetos, actualmente en el Museo del Prado.

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La Regenta abre dos nuevas exposiciones que entrelazan arte y pensamiento

(Izda) Juan José Valencia, Rubén Pérez Castellano, Liliana Zapata y Alejandro Vitaube

‘Sobre la gravedad’ y ‘TENTAYAPE, la última morada’ son los títulos de las nuevas muestras que albergarán las salas del centro

Ambas propuestas, de Juan José Valencia y Liliana Zapata, estarán abiertas al público desde este viernes 30 de abril y hasta el 26 de junio

El Centro de Arte La Regenta abre al público dos nuevas exposiciones: ‘Sobre la Gravedad’ de Juan José Valencia, reúne alrededor de 200 pinturas en una aproximación visual a las problemáticas de la representatividad en el arte y del progreso científico; y ‘TENTAYAPE la última morada’ de Liliana Zapata, con trabajos inspirados en las culturas originarias y populares de Latinoamérica, alrededor del concepto de qué es hogar más allá de cuatro paredes y un techo. En ambos proyectos, tan distantes en sus temáticas, los creadores coinciden en su defensa sobre cómo los artistas a través de las artes visuales generan ideas y pensamiento, del mismo modo que lo hacen los filósofos a través de la escritura de sus ensayos.

Rubén Pérez, director general de Cultura del Gobierno de Canarias, destacó el pensamiento crítico que define a sendas propuestas artísticas, en su cuestionamiento y reescritura de las palabras ‘progreso’ u ‘hogar’.  Puso énfasis en la labor del centro y del departamento de artes plásticas en su apuesta por los jóvenes creadores, cediendo sus espacios expositivos a artistas canarios e internacionales .

Juan José Valencia ha trabajado durante cuatro años en este proyecto que cuenta con casi dos centenares de pinturas, centradas mayoritariamente en el mundo de la astrofísica. Nacido durante la Guerra Fría, pocos años después del final de la carrera espacial, el propio artista señala como ‘La gravedad es tanto una excusa para afrontar la pintura como una forma de pensamiento’. La problemática de una posible privatización del espacio por las potencias hegemónicas, la fascinación primigenia y humana por el cielo, Canarias como un observatorio para los ojos del mundo o la naturaleza como trofeo son las temáticas que el artista tinerfeño aborda a lo largo de su trabajo. Como curiosidad, el artista recuerda cómo durante el confinamiento, mientras se sumergía en lecturas en las que inspirarse para este proyecto, descubrió que Isaac Newton comenzó a teorizar sobre la gravedad durante un periodo de cuarentena por la peste bubónica en 1655.

Trazos poco definidos, en ocasiones, obras aparentemente no finalizadas. ‘Mi proceso de creación es intuitivo. Prácticamente, es una forma de meditación’. De ahí subyace otra de las temáticas de este trabajo: la problemática de la representación de  la reflexión del creador acerca de un mundo sobresaturado de imágenes, en el que cada vez son más consumidas pero menos leídas profundamente.

La artista boliviana Liliana Zapata tomó el nombre de su trabajo de un pueblo aislado de la región del Chaco boliviano. ‘Tentayape’, en lengua guaraní significa ‘la última morada’, para continuar investigando artísticamente sobre el concepto ‘hogar’ y su significado más allá de una casa física. ‘La pandemia supuso un paradigma: en Bolivia, donde una gran parte de la población vive gracias al trabajo informal que realiza en la calle y en el que las relaciones comunitarias se mantienen fuertes, y, de repente, se tuvo que aceptar que la calle y el otro, donde se hacia la vida, eran un peligro’.

Un gran telar de papel que recorre la sala y en el que a través de bordados tradicionales, añade insectos. Sacos de alimentos que sirven como lienzo a pinturas de plantas medicinales, con las que muchos bolivianos tratan de sobrellevar la crisis sanitaria, política y humanitaria que ha azotado al país andino en el último año. Todo ello acompañado por sonidos de la naturaleza que recogió la artista para acompañar el momento íntimo que supone entrar en un lugar casi sacralizado como lo es un centro de arte. ‘A través del hacer de las manos también se genera pensamiento’, apunta Zapata, quién señala que ese hogar que le ha fascinado a la hora de su recorrido como creadora se encuentra ‘en nuestro propio cuerpo. Y en los otros’.

Juan José Valencia (Tenerife, 1980). Estudió Bellas Artes en la Universidad de Castilla La Mancha. Artista, comisario y editor de proyectos en red. Entre las exposiciones colectivas que ha realizado recientemente destacan ‘Escenas de la vida privada’ (Tenerife, 2005); Juego-Jeu-Play-Spel-Spiel, (Bélgica, 2008) y ‘Trickle-down Theory – If I Get 10 Lexus SUVs, You Might Get a Pair of Flip-flops’ en la Galería Korjaamo (Helsinki, Finlandia, 2009)

Liliana Zapata (La Paz, Bolivia, 1985) Cursó la carrera de arte en la Academia de Bellas Artes “Hernando Siles” La Paz, Bolivia egresando en la especialidad de escultura. En 2008, realizó estudios en L’ École Supérieure des Beaux-Arts Le Mans, Francia.Entre sus exposiciones individuales destacan: INCISIONES, en el Museo Nacional de Arte en La Paz (Bolivia, 2013); METAMORFOSIS SILENCIOSAS, en la Sala Mustang Art Gallery (MAG) de Elche (España, 2015).

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La Casa de los Coroneles abre nuevas exposiciones inspiradas en procesos de duelo y de creación artística

Las nuevas exposiciones muestran la obra de Jonay PMatos y Alicia Pardilla

 ‘Visiones desde el páramo’ de Alicia Pardilla y ‘¿A quién le importa un original?’ del artista Jonay PMatos, dos muestras concebidas a partir de soportes como la instalación, la fotografía o el vídeo

Disponibles para el público desde el 5 de marzo al 8 de mayo

El Espacio Cultural Casa de los Coroneles, en Fuerteventura, abre al público mañana, viernes 5, dos nuevas exposiciones integradas por obras de dos artistas grancanarios. Alicia Pardilla presenta ‘Visiones desde el páramo‘, una muestra sobre la muerte y su consecuente duelo, y Jonay PMatos ‘¿A quién le importa un original?’, que   nos sumerge en una instalación que aborda el proceso de creación de los artistas. Ambos trabajos proponen a los espectadores un recorrido interactivo, adaptado a las medidas de prevención del Covid, a través de soportes propios del arte contemporáneo como la instalación, el vídeo o la fotografía, que podrán visitarse hasta el 8 de mayo en este espacio que gestiona el Gobierno de Canarias.

¿A quién le importa un original?’ es exposición individual de Jonay PMatos, quien traslada literalmente su taller de arte a la sala expositiva, a través de una instalación en la que equipara reproducciones de obras con las originales.  Fotografía, vídeo y pintura confluyen en este proyecto en el que el espectador se sumerge en el mundo más íntimo del artista, que declara vivir como un juego tanto la producción de la obra como su resultado.  “Ha sido una creación paulatina de años. De la misma forma que se va conformando un taller a medida que trabajas”, expresa.

” Internet fue el punto de partida. La forma con la que consumimos contenidos y la plasticidad con la que se crea fotografía documental me dio la idea’, señala.  De esta reflexión el artista toma el nombre de la muestra ‘¿A quién le importa un original?’ en una especie de discrepancia alzada sobre la gran importancia del aura artística que aparece en la experiencia directa con la obra de arte que le dio el filósofo Walter Benjamin en el siglo XX con la aparición de la industria cultural. “Me fascina la idea del aprendizaje. ¿Cómo aprendemos a ver las obras de arte?: pues a través de la fotografía, que resulta incluso más importante que la obra en sí. De ahí viene el nombre del proyecto”.

Visiones desde el páramo’ de Alicia Pardilla es una exposición intimista que evoca el delicado momento del duelo por la muerte de un ser querido y la sensación de vacío que este supone. El proyecto se inicia en 2018, después del fallecimiento del padre de la artista. “Una va pasando por distintas fases en las que se hace muchas preguntas. De esas preguntas, que quise transformar en imágenes, nace este proyecto”. Pardilla, que también es pintora, reconoce que eligió realizar las piezas en los soportes de instalación, fotografía y vídeo porque le permitían mayor dinamismo y flexibilidad a la hora de modificar un proyecto que se ideó para irse creando a largo plazo.

‘Relicario’, una de sus piezas, es una instalación conformada por una alacena cuyos cajones y vitrinas están repletos de sal, en la que se invitaba inicialmente a los espectadores a que escribiesen en un papel su respuesta a la pregunta ‘¿Qué creen que la muerte no puede llevarse?’ introduciéndolo, en una metáfora por la conservación del mineral, dentro de la propia obra.  La artista ha propuesto una solución: basta con tomar una foto de la hoja con sus impresiones y compartirla en Instagram con la etiqueta #visiones desde el páramo y mención a @alicia_pardilla. “Así, vamos creando un ‘relicario’ de recuerdos y fortalezas conjuntas’, explica la artista. La creadora reconoce que, gracias al tiempo, el dolor se va transformando y se transforma en parte del legado de la propia vida.

Profundo carácter contemporáneo

Interactivas, inmersivas y de carácter profundamente contemporáneo. Dos muestras de temáticas aparentemente muy distintas que se unen por capacidad de ambas piezas para sumir al público en formatos que son propios del arte de a partir de la segunda mitad del siglo XX, a través de dos trabajos que, debido a su carácter inherente a la vida de sus creadores, sólo serán acabados con el fin de su propia vida.

Alicia Pardilla es artista visual. Estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna, especializándose en pintura, y cursando nuevamente el último curso de la licenciatura en la Universidad de Barcelona para poder hacerlo, nuevamente, en imagen. Posteriormente estudió el máster en Producción Artística Interdisciplinaria por la Universidad de Málaga. En la actualidad, además de trabajo e investigación en su práctica artística, cursa el segundo año de su tesis doctoral a través de la Universidad del País Vasco, dentro del programa de Investigación en Arte Contemporáneo.

Jonay PMatos estudió publicidad y su trayectoria profesional ha estado, principalmente, ligada a la fotografía y la dirección de arte. “Me inicié en la pintura como método para salir de la propia fotografía como método diario de trabajo. Pero cada vez que creaba un trabajo, lo fotografiaba. Me percaté de que podía convertirlo en escultórico a través de la fotografía. Llevándola a este lado más íntimo del estudio”. Su obra se ha expuesto en diferentes lugares como en la Ciudad de México, Barcelona, Londres, Bruselas, El Hierro, Madrid, Estocolmo y Palma de Mallorca.

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‘Antropología de un asesinato’ y ‘Paisaje residual’, dos nuevas exposiciones que plantean preguntas incómodas

Algunas de las obras que se exhiben en las muestras

La Casa de los Coroneles acoge mañana, viernes 18, a las 19.00 horas, un encuentro con sus creadores Pepe Betancort y Marta Torrecilla

Se inspiran en el voyeurismo ante un homicidio y en la pasividad con la que asumimos una posible hecatombe medioambiental

El Espacio Cultural Casa de los Coroneles, en Fuerteventura, abre al público mañana, viernes 18, dos nuevas exposiciones integradas por obras de los artistas canarios Pepe Betancort y Marta Torrecilla. ‘Antropología de un asesinato’, del creador lanzaroteño sitúa al espectador en el escenario de un homicidio, invitándole a cuestionar el espacio en el que se encuentra; mientras que ‘Paisaje residual’, de la arquitecta y artista plástica grancanaria plantea la pasividad con la que asumimos una posible hecatombe medioambiental. Ambas muestras se podrán visitar hasta el 27 de febrero.

El público interesado podrá también asistir mañana, viernes 18, a las 19.00 horas, a un encuentro programado con ambos artistas, que ofrecerán personalmente de los detalles de las obras que se exhiben. Este acto es de libre acceso, si bien es necesario registrarse en la web de la Casa de los Coroneles, en el apartado correspondiente a cada una de estas exposiciones.

‘Antropología de un asesinato’, de Pepe Betancor sumerge al que mira en una atmósfera asfixiante a través de imágenes estéticamente armoniosas, como pueden serlo las fotografías de un bosque o de una casa de color azul cielo. “Hay una espera tensa detrás de estos paisajes verdes. Algo oculto y siniestro que espera ser descubierto. Y esto es lo realmente interesante e inquietante”, comenta la comisaria Amelia Álvarez de Mesa. El autor se aproxima a la idea de cómo determinados lugares e imágenes transmiten un aura de desasosiego e incomodidad cuando el espectador se siente testigo, directo o indirecto, de un asesinato.

De otra parte, ‘Paisaje residual’ de Marta Torrecilla, es un proyecto que nace de la reflexión acerca de los materiales artificiales que, como el plástico, se conforman como contaminantes de nuestro entorno. Fotografías o piezas de videoarte en el que se muestran fábricas de gestión de residuos o envases amontonados, confluyendo en una misma instalación, como un ecosistema formado por la unión de todos sus elementos, en la que la artista plantea el protagonismo del plástico en nuestro hábitat, y la transformación que estos residuos producen en los espacios naturales. “A pesar de ser conscientes y consecuentes de un intento de cambio de hábitos, estamos completamente invadidas. De tal manera, que nos es difícil imaginar otros escenarios, otros paisajes, las formas y colores brillantes nos generan fascinación y nos hipnotizan a pesar del horror que representan” declara la creadora. El objetivo de la muestra: que el espectador se sumerja en la urgente necesidad de tomar medidas contra la destrucción del entorno.

Incomodas, envolventes y bellas: la oscuridad del género humano sale a relucir en ambos proyectos, en los que el asesinato, el rol de voyeur que obtiene quién observa, pero no actúa, o la autodestrucción que conlleva el maltrato ecológico hacia el mundo en el que habitamos, lanza una inquietante reflexión al aire sobre nosotros mismos: ¿Somos culpables activos ante una problemática en la que nos mantenemos como agentes pasivos?

Pepe Bentancor (Arrecife, 1966) ha sido profesor de Crítica Literaria en la Universidad de La Laguna, ha ejercido como investigador y comisario artístico. Actualmente su actividad laboral se desarrolla como técnico cultural en el Cabildo de Lanzarote. Ha combinado su actividad narrativa, con publicaciones como “El año de las cucas volonas y otros relatos” y su papel como artista plástico.

Marta Torrecilla, arquitecta y artista plástica, despunta como una de las jóvenes promesas del arte contemporáneo canario. Su trabajo mantiene un fuerte compromiso con la ecología, centrándose especialmente en el problema de la producción y consumo de plástico. Ha sido artista residente en el espacio de producción del Centro de Arte La Regenta. Ha participado generando intervenciones efímeras en el festival de Arte Urbano Fate Festival en San Potito Sannitico (Caserta, Italia). En 2020 partició en la exposición colectiva ‘Biotopías, sobre compromiso medioambiental, en Las Palmas de Gran Canaria.

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Romina Rivero abraza lo doliente en ‘En Fuga’ de la Sala de Arte Contemporáneo SAC

'En fuga' de Romina Rivero

La exposición estará abierta al público desde el viernes 13 de noviembre hasta el 11 de enero

La Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias (SAC) abre al público este viernes 13 la exposición ‘En Fuga’, de la artista tinerfeña Romina Rivero (1982). Los estudios orientales, la perspectiva de género y la convicción de lo corpóreo como elemento político, que históricamente se ha visto sometido a violencia médica, son los pilares intelectuales de la muestra. A partir de esas ideas, la artista admite su necesidad creativa de ‘embellecer el dolor’..

“Mediante la herida, la cicatriz y el trauma, vinculado a lo corpóreo, trato de definir o mostrar justamente la textura de las mismas”, afirma la artista. “La obra describe y alude ese espacio vacío u olvidado del dolor, del duelo, que se omite en nuestra sociedad contemporánea y neoliberal”. Así mismo, reivindica a las “cuatro minorías que realmente no lo son” que le han otorgado fuerza para clamar dignidad a través de su creación: las mujeres, las personas con diversidad funcional, el colectivo LGTBI y las personas racializadas.

La historia personal de la autora desvela los porqués de estas inquietudes, configurando su marcado estilo artístico: el sueño de ser médica desechado por la angustia a la muerte. Un brutal accidente durante sus estudios, quedando paralítica durante más de un año. Medicina y filosofía oriental como terapia para la lenta recuperación. Lecturas de Michel Foucault o Paul B. Preciado en su motivación de entender su contexto en occidente.

El intimismo de su universo simbólico, la inclinación por el mundo oriental o sus convicciones sociales son algunos elementos que definen esta exposición. Huesos, hilos dorados, dibujos anatómicos o grandes instalaciones en site-specific, en los que la estética médica y lo oriental se entrelazan, en un resultado final fresco y vitalista.

Para la creación de sus obras, la artista utiliza metal, papel, cerámica cromada en color oro y plata, hilo, telas y blondas. Y en lugar de costura o bordado, usa ‘sutura médica’. Su paleta se reduce a dorado, blanco, negro y rojo. En la nueva exposición destacan los acabados en acero inoxidable, tela, blonda, hilo metálico japonés, hilo y agujas.

Romina Rivero estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna, bajo el itinerario en Arte Multidisciplinar. En 2019 realizó una residencia artística en el TEA y de ahí nació la muestra “El espíritu no es un hueso”. Ha expuesto en Madrid ‘Hybrid Art Fair’ (2019) o ‘Resistencias’ en Las Palmas de Gran Canaria. En 2017 exhibe en el Centro de Arte La Regenta ‘Ad Intus, el espacio que habitamos’. Ha participado en exposiciones colectivas como el III Bienal de Arte de Génova (2019).

La nueva exposición está disponible para el público hasta el 11 de enero de 2021, en la sala situada junto al Espacio La Granja, dentro del edificio de la Biblioteca Pública del Estado en Santa Cruz de Tenerife. El horario de visita de lunes a viernes, de 11.00 a 14.00 horas, y los lunes y jueves, de 17.00 a 20.00 horas.

 

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José Herrera exhibe ‘Días deshojados’ en la Sala de Arte del Cabrera Pinto

Una de las obras que integran la exposición de José Herrera

La exposición, que muestra sus singulares estructuras tridimensionales en madera y hierro, se puede visitar hasta el 6 de enero de 2021

La Sala de Arte Cabrera Pinto abre mañana, sábado 24, al público ‘Días deshojados’, el último trabajo del artista lagunero José Herrera (1956), integrado por obras en papel, así como por singulares estructuras tridimensionales en madera y hierro. Un proyecto concebido antes de la aparición de la actual pandemia que invita al espectador a interactuar con la relación entre el espacio y la memoria. La exposición permanecerá abierta al público hasta el 6 de enero de 2021.

El nuevo proyecto de Herrera nace de la reflexión sobre el concepto de espacio y la memoria que este alberga, invitando al espectador a formar parte de dicho diálogo a través de la experiencia presencial en la sala. La austeridad, minimalismo y la limpieza de la muestra sugieren la soledad que el artista declara necesitar a la hora de crear.

La obra resulta indudablemente reconocible: el uso reiterado de formas sencillas en sus estructuras, que evocan una estética común minimalista en donde las ideas neo-conceptuales son fundamentales en el planteamiento de la sala. El propio artista declara la necesidad que tiene de rehuir al ruido del entorno, en búsqueda de una soledad anhelada.

Entre otras piezas, el artista destaca obras como ‘Desvanecimiento’, ‘Habitación para las flores’, ‘Rostro para el paisaje’, ‘autorretrato’, y ‘Lamentar los pájaros’, que hacen referencia a aspectos relacionados con el dolor, la fragilidad, la duda o la vulnerabilidad. A través de su arte, el espectador se sumerge en sensaciones etéreas, alejadas de lo más terrenal del día a día.

José Herrera ha compaginado 35 años dedicados a la docencia universitaria con una prolífica producción artística que ha exhibido diferentes museos y centros de arte como el Reina Sofía, el Art-Forum de Berlín o el Tenerife Espacio Artes, entre otros. También ha participado en colecciones colectivas como Tinnitus, que compartió espacio con Luis Palmero, o El refugio más pequeño, realizado junto con Gonzalo González, Juan Gopar y Luis Palmero.

 

 

 

 

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