La muestra, que abrirá sus puertas el viernes 10 de julio, explora la tensión entre el texto, la materia y el cuerpo

Comisariada por Dalia de la Rosa y Javier Sicilia Rodríguez, permanecerá en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) hasta el 11 de septiembre

La Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife (SAC), gestionada por el Gobierno de Canarias, presenta esta semana la exposición individual de la artista Andrea Allgayer. Bajo el título ‘Sabes que nunca lo haría’, la muestra reúne un conjunto de obras que ahondan en la investigación de la creadora, en torno a los nuevos significados y la lógica matérica de los objetos cotidianos y los materiales industriales. 

La exposición, comisariada por Dalia de la Rosa y Javier Sicilia Rodríguez, estará abierta al público desde el próximo viernes 10 de julio, a las 12:00, cuando tendrá lugar su inauguración abierta a todo el público. A partir de entonces, permanecerá instalada durante los meses de verano, con acceso libre y gratuito hasta el próximo 11 de septiembre.

El proyecto de la muestra se articula a partir de dos espacios interconectados. En el primero, Allgayer reúne una selección de piezas creadas entre 2024 y 2025 que dialogan y resuenan directamente con la gran instalación que da título a la muestra, lo que completa así el cuerpo de trabajo en el que la creadora se encuentra inmersa actualmente. 

El cuerpo y el breakbeat como ejes espaciales

Lejos de proponer un trabajo de contemplación estática, Andrea Allgayer pone al cuerpo en el centro del espacio en ‘Sabes que nunca lo haría’. En la instalación principal, la artista emplea recursos como la traducción visual y espacial de dinámicas propias de la música con circulación social -como el ritmo, la vibración, la repetición o la fragmentación- y despliega en la sala lo que la artista define como “arquitectura vibrante”. 

La propuesta de Allgayer explora el terreno fronterizo donde la poesía se cruza con la energía del breakbeat, conectando al mismo tiempo realidades equidistantes como las metrópolis y las periferias barriales. A su vez, mediante la presencia del texto -que se entiende en la exposición como la inscripción de una materialidad inconcreta-, la obra apela a un cuerpo que se dobla ante las vivencias que las palabras no logran abarcar por sí solas. 

Andrea Allgayer (Santa Cruz de Tenerife, 1999) es Técnica Superior de Artes Plásticas y Diseño en Ilustración por la Escuela Fernando Estévez. En la actualidad compagina su labor como artista con los estudios del grado en Bellas Artes en la Universidad de La Laguna. Su práctica artística se fundamenta en su interés por la poesía y los nuevos materialismos, lo que le lleva a buscar constantemente relaciones formales y lingüísticas entre objetos y metodologías basadas en el ritmo. Durante su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas y certámenes, y ha obtenido galardones destacados como el Best Institutional Proposal 2025, que recibió en la primera edición de la University Art Biennal de Palma de Mallorca. El mismo año, también realizó la residencia ‘Carta de ajuste’ en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife. 

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La exposición, fruto de los talleres organizados por el área de Cultura del Gobierno de Canarias, se inaugura el próximo 27 de mayo en Puerto del Rosario

La presión estética y social, la violencia, la invisibilidad, la falta de tiempo o la excesiva carga de responsabilidades… Todos estos temas forman parte de las preocupaciones de las mujeres y son también los protagonistas de ‘Retratar para resistir’. Esta muestra fotográfica itinerante, resultado de unos talleres sobre perspectiva de género y diversidad organizados por el Gobierno de Canarias, recala en la isla de Fuerteventura, donde estará expuesta durante las próximas semanas.

Tras una primera parada en Gran Canaria, la exposición llega ahora a la Casa de la Cultura de Puerto del Rosario, en Fuerteventura, en colaboración con el Ayuntamiento de la ciudad. Su inauguración está prevista para el miércoles 27 de mayo, a las 19:00, fecha a partir de la cual estará abierta al público con entrada libre. Permanecerá instalada hasta el próximo 26 de junio y a continuación proseguirá su camino hacia su último destino, la isla de Lanzarote.

Género, cuerpo y diversidad tras el objetivo

‘Retratar para resistir’ reúne el trabajo fotográfico de mujeres que formaron parte de los talleres impartidos por iniciativa de la Unidad de Igualdad y Diversidad del Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC). Durante su desarrollo, a finales de 2025 en varias islas del Archipiélago, las participantes tuvieron la oportunidad de reflexionar acerca de cómo se sentían retratadas las mujeres -entre otros colectivos vulnerables- y sobre las narrativas que se perpetúan. Un material que se plasmó más tarde en las sesiones fotográficas formativas y que ha dado fruto a los trabajos que conforman la muestra.

Bajo el título ‘Retratar para resistir: Fotografía participativa con enfoque de género e interculturalidad’, la exposición ofrece una representación del género, de los cuerpos y de la diversidad directamente vinculada a las ideas, reflexiones y emociones de las asistentes a los talleres.

Concebidos como espacios seguros para mujeres y disidencias, estas formaciones fueron impartidas por tres profesionales de la fotografía y el arte: Asiria Álvarez, diseñadora gráfica con perspectiva de género y fotógrafa; Nadia Martín, periodista, fotógrafa y activista social y Adriana Sandec, artista plástica y fotógrafa.

El alumnado, mediante esta acción de fotografía participativa, también ha contribuido con este proyecto al fortalecimiento del tejido cultural de sus territorios. Cada obra se concibe como un diálogo con la comunidad y como un paso hacia una realidad más inclusiva, para habitar espacios que la normatividad ha limitado. Con esto, la muestra permitirá a los visitantes cuestionar lo establecido y acercarse a miradas, inquietudes, historias y visiones tradicionalmente silenciadas.

Manteniendo su carácter itinerante, la exposición permanecerá en la isla de Fuerteventura hasta el próximo 26 de junio. A continuación, se instalará en el Centro Sociocultural de La Vega, en la isla de Lanzarote, donde permanecerá abierta al público desde el 8 de julio hasta el 28 de agosto.

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La exposición exhibe una treintena de obras de reciente creación, en las que el artista entrelaza luz y sombra para obtener equilibrio

“Cuando uno quiere dialogar, y encontrarse, te tienes que despojar de cosas. La única manera de dialogar es, también, ponerte en la posición del otro. Simplificar permite que haya un mejor diálogo”, apunta el artista Gabriel Roca. La Sala de Arte del Instituto de Canarias Cabrera Pinto, en La Laguna, acoge ‘Gabriel Roca, en el umbral’, una exposición que repasa la nueva obra pictórica del creador canario, con sus inherentes tonos grises, desde 2022 hasta la actualidad, comisariada por el curador y escritor Octavio Zaya. Se podrá visitar en el citado espacio que gestiona el Gobierno de Canarias hasta el 20 de abril.

Tinta y pigmentos que se diluyen, mezclan y cohabitan sobre lienzo o papel. Gabriel Roca reúne culturas a través del abrazo de las tonalidades grisáceas en una serie atmosférica. “Cuando hablamos de ‘umbral’ nos referimos a un límite. En este caso, yo lo hago vinculado a Canarias como ultraperiferia y territorio en el que se entrelaza África, Sudamérica y Europa y del que surge una identidad vinculada a todas estas grandes influencias”, explica el creador. “El juego del blanco y negro, con el gris como resultado, tiene que ver con el equilibrio, elemento que siempre ha estado muy presente en mi obra”.

Por su parte, el comisario describe cómo Gabriel Roca “se esfuerza por crear un lenguaje visual reducido que se desarrolla sin ninguna referencia reconocible al mundo objetivo. No le interesa representar la realidad. Sus dibujos no documentan cosas. El mundo visible no es más que un punto de partida que le permite utilizar los medios de que dispone para investigar el propio medio, así como procesos en el espacio, como los cambios de perspectiva o los efectos cambiantes de la luz.”

El interés por los espacios intermedios como puntos de conexión humana: “La dinámica que se establece entre la obra y el espectador, lo interior y lo exterior, como propuestas inseparables, preparadas para el intercambio en la misma puerta del umbral, entre la realidad y la ilusión, entre lo real y la mente”, apunta el curador sobre el hilo conductor de la serie.

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‘Mundo interpretado para piano’, curada por Javier Sicilia, combina música, braille y metáforas visuales en una instalación única

Miles de partituras suspendidas en el aire y, en el centro de la sala, un pianista que las transporta directas a nuestros oídos. El Espacio Cultural El Tanque de Santa Cruz de Tenerife exhibe ‘Mundo Interpretado para piano’, de la artista cubana Glenda León. Bajo el comisariado de Javier Sicilia, esta instalación combina arte sonoro y visual para explorar la conexión entre música, religión y percepción sensorial. La muestra podrá visitarse hasta el 30 de marzo en este centro que el Gobierno de Canarias dedica a las nuevas creaciones contemporáneas.

‘Mundo Interpretado para piano’ tiene su origen en una profunda investigación realizada en 2006 por Glenda León sobre los nombres de dioses de distintas religiones. La artista recopiló 214 deidades y tradujo sus nombres al sistema braille, convirtiéndolos en notas musicales que el compositor Kiki Faxas transformó en una pieza sonora única. Esta obra cobra vida en una instalación inmersiva donde un pianista interpreta la composición bajo una cascada de pentagramas suspendidos que llevan impresos los nombres en braille.

Interpretaciones en directo

La ciudadanía tendrá cuatro oportunidades de disfrutar de la composición en directo, resultado de la investigación conjunta de Glenda León y el compositor Kiki Faxas, interpretadas por el pianista Pablo Pol. Las citas serán el 13 de febrero y 14 y 21 de marzo. Fuera de estas fechas, la música podrá disfrutarse mediante una grabación especialmente realizada para la exposición, que se exhibirá en las paredes de este antiguo depósito de petróleos.

Mensaje unificador

‘Mundo interpretado para piano’ invita al público a sumergirse en un universo de creación sonora y visual, donde los nombres de 214 dioses, traducidos al sistema braille, se transforman en una pieza musical única. Este trabajo se presentará a través de una interpretación en directo en piano, bajo una lluvia de pentagramas suspendidos El resultado no es solo una experiencia sonora, sino una invitación a reflexionar sobre cómo lo sagrado puede llegar a todos de la misma manera, sin importar nuestras creencias. Glenda León convierte los nombres de dioses en música, haciendo que estas palabras trasciendan culturas y religiones. La obra nos anima a dejar atrás prejuicios y a escuchar con otros sentidos, recordándonos que, en el fondo, todos buscamos conectar con lo divino.

Glenda León (La Habana, 1976) es una artista multidisciplinar reconocida internacionalmente. Su obra ha sido expuesta en prestigiosas instituciones como el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) y el MoMA de Nueva York, además de participar en eventos como la Bienal de Venecia y la Bienal de La Habana. La artista, que vive y trabaja entre La Habana y Madrid, ha recibido importantes reconocimientos, entre ellos el Premio Pilar Juncosa y Sotheby’s de Creación Artística.

Horario de visita y acceso

‘Mundo Interpretado para piano’ estará abierta al público desde el 8 de febrero hasta el 30 de marzo de 2025, en el Espacio Cultural El Tanque de Santa Cruz de Tenerife. La exposición podrá visitarse de lunes a viernes, de 11h a 14h y de 17h a 20h, y los fines de semana de 11h a 14 horas. La entrada es libre y gratuita.

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El jueves 4 de julio, en el Espacio Cultural El Tanque, como actividad paralela a la exposición ‘El enfado de las criaturas’, de Tahiche Díaz

El Espacio Cultural el Tanque acoge una propuesta que aúna diálogos y performances bajo la atenta mirada de las criaturas que componen su actual exposición. Con el nombre de ‘Domesticaos’, la actividad es una extensión programada de manera paralela a la muestra ‘El enfado de las criaturas’ del artista Tahiche Díaz. El evento, compuesto por actuaciones y diferentes sesiones de debates artísticos interdisciplinares, contará con la participación de reconocidas personalidades del arte, la filosofía, la ecología o la comunicación. Las jornadas tendrán lugar este jueves 4 de julio a partir de las 17:00 horas.

Durante esta actividad habrá dos mesas de diálogo y diversas actuaciones y performances. Los debates se articularán en torno a una serie de cuestiones propuestas a los expertos y contará con la moderación de Claudio A. Marrero, actual presidente del Ateneo de La Laguna. Estos bloques de análisis y reflexión podrán seguirse también vía streaming a través del canal de YouTube de la Fundación Canarina, organizadora del evento junto a Tahiche Díaz.

Estas jornadas pretenden ser un punto de unión para compartir posturas y crear vínculos entre diferentes disciplinas (arte, filosofía, ciencia, economía, comunicación, psicología y pedagogía). El objetivo, teniendo como matriz la exposición de Tahiche Díaz, es crear conciencia sobre el medio ambiente y la naturaleza, así como sobre las interacciones que existen entre especies y las repercusiones de las acciones humanas en el resto de formas de vida del planeta. A través de la interacción entre los diferentes saberes, se aspira a crear propuestas reales de acción ante las problemáticas existentes.

Programación de la jornada

La jornada ‘Domesticaos’ abrirá con la interpretación de ‘Infrasonido’, pieza de Iraya Noble. Posteriormente se dará paso al primer diálogo con Juan Bordera, periodista y activista centrado en la lucha contra el cambio climático, Nayra Martín, artista canaria residente en Bélgica y centrada en género y ecología, Fernando Prieto, doctor en ecología y coordinador del Observatorio de Sostenibilidad y Heike Freire, filósofa y pedagoga considerada una referente internacional en la educación en contacto con la naturaleza.

El segundo bloque comenzará con la performance ‘Moda muerta sobre piel en blanco’, un proyecto de Ylenia de Luis y Adriana Cortés. La siguiente mesa de diálogo contará con la participación de Juan Gopar, artista multidisciplinar con gran presencia nacional e internacional, Blanca Fajardo, arquitecta especializada en urbanismo, territorio y rehabilitación patrimonial, Federico Aguilera Klink, economista ecológico y Premio Nacional de Economía y Medio Ambiente y Natacha Aguilar, investigadora del Centro Oceanográfico de Canarias y experta a nivel mundial en cetáceos profundos. Finalmente, Paula Quintana interpretará ‘Huerto’, la última propuesta escénica que cerrará las jornadas.

Esta actividad se enmarca dentro de una programación paralela vinculada a la exposición ‘El enfado de las criaturas’ inaugurada el pasado 21 de junio en el Centro Cultural el Tanque. Después de su apertura, estos eventos pretenden potenciar el mensaje de la muestra, que reflexiona sobre la sostenibilidad y el impacto de los seres humanos en el ecosistema. La exposición podrá visitarse hasta el 8 de septiembre, fecha hasta la que se extenderán las diferentes actividades paralelas.

La entrada para participar de manera presencial es gratuita. Las personas interesadas en asistir pueden inscribirse a través de este enlace. El cupo es limitado y se asignarán las plazas por orden de reserva.

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La exposición está integrada por obras que ilustran la naturaleza y lo cotidiano más próximas a lo onírico que a lo real

El artista majorero Rafael Morales exhibe en la Casa de los Coroneles, en La Oliva, Fuerteventura, ‘Aromas de miradas’, una muestra compuesta por veintiún fotografías que ilustran la naturaleza y lo cotidiano, a través de un hermoso juego con la luz, en la que se refleja el mundo interior del autor. El trabajo podrá visitarse desde mañana, viernes 25 de febrero, a partir de las 10.00 horas, hasta el 7 de mayo de 2022, en este emblemático espacio que gestiona el Gobierno de Canarias.

‘Aroma de miradas’ nace inspirada en una cita de Benito Pérez Galdós en la que el escritor afirmaba que ‘la imaginación es lo que ve y no los ojos’. Este proyecto nace con intención de impulsar una mirada crítica en el espectador; quien tendrá que indagar, descubrir o intuir el verdadero significado y la esencia de la composición proyectada. Así, el autor busca que el espectador responda con más imaginación frente a la obra observada.

El conservador L. M Castañeyra apunta a que ‘el autor se salta, con un golpe de pértiga, cualquier tipo de academicismo, para mostrarnos su propia realidad y así lograr imágenes de inquietante belleza, creando a la vez percepciones que maduran en nuestro interior y que producen sensaciones que van más allá de lo palmario, presentándonos imágenes más próximas a lo onírico que a lo real, pero dejándonos a la vez que sea nuestra imaginación quien produzca estas emociones. Las obras están extraídas de elementos comunes, tanto de la propia naturaleza como de aquellos otros realizados en lo material. Tanto en un caso como en el otro, sus obras están procesadas por la psiquis del autor, ya que es el ojo de Morales quien nos las muestra desde su propio interior. Por otra parte, no hay que olvidar que Rafael Morales es de Fuerteventura, cuyos paisajes austeros y místicos han influido, tal vez, sin saberlo él mismo, en la elegancia de sus obras”.

Rafael Morales (Fuerteventura, 1961) Hijo de fotógrafo, se define como ‘Fotógrafo de nacimiento y del momento’. Ha trabajado como fotógrafo comercial, durante los años 80 y 90, y realizado todo tipo de eventos fotográficos. En las últimas décadas ha estado vinculado con la fotografía como aficionado, pudiendo realizar y conservar su propio legado fotográfico, con instantáneas artísticas de Fuerteventura.

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Organiza una visita adaptada a mayores de siete años a la exposición ‘La tierra prometida (y otros dildos)’ de J. Luzardo

El Centro de Arte La Regenta organiza este viernes 25 de febrero, a partir de las 18.00 horas, una visita adaptada al público infantil a la exposición ‘La tierra prometida (y otros dildos)’ de Jose Luis Luzardo. El recorrido está pensado para niños y niñas mayores de 7 años e concluirá la realización de un taller en el que podrán elaborar un trabajo inspirado en la obra del artista. La actividad es gratuita hasta un aforo de 15 personas y requiere inscripción previa.

Durante la visita, los responsables del Departamento de Educación y Acción Cultural (DEAC) procederán a explicar varias de las piezas más relevantes de la muestra, y abordando las distintas temáticas sobre los que habla el artista, tales como la preocupación por el medio ambiente, la solidaridad hacia las personas migrantes o la desigualdad. Durante su celebración, niñas y niños también podrán comentar sus reflexiones sobre las imágenes. De esta forma, con la elaboración de un taller posterior a la visita, podrán aprender una técnica artística, para expresar las inquietudes que han desarrollado durante la visita.

El arte como herramienta pedagógica

Desde el DEAC del centro señala que introducir desde edades tempranas en el arte estimula la capacidad analítica, así como la aparición del pensamiento crítico y el autoconocimiento. Del mismo modo, familiarizarse con estos entornos les anima a conectar con sus emociones y pensamientos, así como a ser espectadores y artistas en el futuro.

La inscripción en este recorrido está disponible en www.laregenta.org

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Los nuevos proyectos artísticos se exhiben bajo el título ‘100 en Aqueronte’ y ‘Llámalo introspección’, respectivamente

Las dos muestras estarán abiertas al público desde mañana, viernes 3 de diciembre hasta el 5 de febrero de 2022

El Espacio Cultural La Casa de los Coroneles exhibe desde mañana, viernes 3, a partir de las 10.00 horas, dos nuevos proyectos expositivos elaborados por creadores canarios: ‘100 años en Aqueronte’, de Israel Jiménez,  y ‘Llámalo introspección’,  de Elisa Pinto Abreu. Ambas muestras hurgan en lugares profundamente íntimos y vulnerables como la autopercepción y relación con el propio cuerpo, en el caso de Pinto Abreu, o la sentimentalidad implícita en ciertos objetos materiales y su relación con trascender al tiempo y la muerte, en las pinturas de Jiménez. Ambas propuestas permanecerán en sala hasta el 5 de febrero del 2022.

¿Qué objeto te llevarías a la tumba?

Una de las prácticas funerarias más comunes en la Antigua Grecia consistía en colocar una moneda en la lengua, o en uno de los ojos, de la persona difunta. Este rito tenía como fin pagarle a Caronte, el barquero encargado de transportar las almas, su viaje hacia un nuevo mundo. De no recibir ningún pago, el fallecido permanecería cien años vagando por la orilla del río Aqueronte. Lejos de una mirada siniestra, y haciendo uso de la naturalidad y la belleza, Israel Jiménez (Las Palmas de Gran Canaria, 1983) ideó este proyecto inspirándose en este mito y creó ‘100 años en Aqueronte’ .

Para el proceso, el artista preguntó a distintos modelos qué objetos llevarían al más allá. Las elecciones, que podemos observar al contemplar cada uno de los retratos que componen la muestra, fueron diversas: desde juguetes de la infancia, a una nota escrita a mano, un gato de la fortuna o una joya regalada por el primer amor. ‘Mi trabajo habla de la historia emocional de los objetos y del amor que tenemos hacía ellos y las personas o momentos que nos evocan’, apunta el artista.

En 2009, durante su etapa universitaria, Israel Jimenez conoció a un profesor que pedía como última voluntad que su alumnado llenase el nicho donde sería enterrado con obras que tuviesen relación con su enseñanza. Desde entonces, su línea temática ha continuado por ese sendero, llegando a un grado tal de naturalidad que podemos encontrar un retrato de su propia hija en la serie. ‘Entiendo la muerte como algo profundamente científico, pero también cultural y folclórico’.

El cuerpo como una casa llena de amabilidad y dudas

De otra parte, después de varias experiencias académicas lejos de casa, Elisa Pinto Abreu (Santa Cruz de Tenerife, 1994) inició un proyecto expositivo en el que, a través de la pintura, plasma la autopercepción del propio cuerpo y de las experiencias corporales. ‘Una de mis principales inspiraciones fue el momento de intimidad en el que nos quitamos la ropa’, apunta la artista. Desde la serie Retorcerse en bucle hasta Homúnculos, nos encontramos una misma figura en la que alterna su materia física, su volumen, morfología y posibilidades, transitando diferentes emociones y reacciones ante una mirada propia y ajena.

Sensorial y armónica, la pincelada de la joven pintora muestra una mirada al cuerpo femenino desde el autoconocimiento y la intuición artística. Imágenes figurativas que, en ocasiones, rozan la abstracción a través de trazos y proporciones alejadas del patrón real. Fotografías que documentan el proceso creativo necesario para la elaboración del proyecto.

‘Para algunos de mis trabajos me sentaba y me abrazaba a mí misma, me sentía cómoda conmigo. En otros, el momento vital era más complicado y de ahí nacen obras cargadas de otra energía’ La obra de Pinto Abreu muestra el cuerpo de la mujer desde una mirada propia, ante un legado artístico y cultural que se adueñó de él desde la otredad y cosificación. ‘Con esta exposición doy por cerrada esta etapa creativa. Me apetece experimentar otras áreas’, apunta esta joven autora cuyo potencial promete seguir sonando y creciendo.

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Se realizarán los martes y viernes en grupos de hasta 30 personas procedentes de colectivos, asociaciones y centros educativos

La Casa de los Coroneles, espacio cultural gestionado por el Gobierno autónomo en Fuerteventura, inicia su programa de visitas comentadas con el fin de acercar a la ciudadanía la historia y valor de este sitio de La Oliva, así como las muestras de arte contemporáneo que alberga durante todo el año. De esta forma, las visitas se suman a la actividad cultural ininterrumpida que desde septiembre de 2020 se desarrolla en la casa y que incluye conciertos, cine, talleres y teatro, entre otras acciones.

Las visitas comentadas son gratuitas y se organizarán en grupos de hasta 30 personas, procedentes de colectivos, asociaciones y centros educativos de la isla. Se realizarán los martes y viernes en horario de mañana, previa reserva a través de info@lacasadeloscoroneles.org.

Esta actividad se plantea como un tour a través de las diferentes estancias de la Casa, y de su exposición permanente “Arte, sociedad y poder”, para así reflexionar sobre su valor histórico y su significado en la sociedad majorera, que llega hasta hoy en día. Además, el edificio alberga diferentes exposiciones temporales de arte actual que también se recorrerán durante la visita, con el fin de acercar la creación contemporánea a la población majorera. Los grupos tendrán la oportunidad de dialogar y cuestionar a los artistas a través de sus obras.

Todo ello con el fin de fomentar el desarrollo de la sensibilidad artística y plástica como enriquecimiento cultural, mediante el examen de ambos mundos: el actual de las exposiciones y el histórico del edificio.

Las visitas, que se podrán realizar tanto en inglés como en español, servirán para implementar estrategias de enseñanza-aprendizaje que promuevan mayor interés y conocimiento del patrimonio histórico y artístico por parte de la sociedad majorera, así como la importancia de su conservación.

Esta actividad se puede adaptar a las necesidades e intereses del grupo, ya que este espacio alberga diferentes muestras y puntos de interés.

Valor patrimonial

Estas visitas se podrán centrar en la citada exposición permanente ‘Arte, sociedad y poder’, que pretende reflejar la importancia que a los largo de los siglos ha tenido la Casa de los Coroneles, también conocida como ‘Casa de la Marquesa’, al tiempo que se la encuadra en su entorno más inmediato: la isla de Fuerteventura.

De este modo, el recorrido por sus salas y paneles permiten comprender mejor la distribución y funcionamiento del edificio, al tiempo que aportan información sobre el contexto socio-económico y cultural en el que se encuadraba dicha vivienda.

Arte contemporáneo

Esta parte de la historia de la isla, la Casa, es un contenedor para el arte contemporáneo. Más de una decena de exposiciones al año se muestran en las salas destinadas para ello. Así, las próximas muestras que podrán conocer quienes se sumen a estas visitas comentadas serán ‘Llámalo introspección’, proyecto expositivo individual de Elisa Pinto; y ‘100 años en Aqueronte’, de Israel Jiménez Medina. Se abrirán en la Casa de los Coroneles el 3 de diciembre y permanecerán abiertas hasta el 5 de febrero.

La de Elisa Pinto reúne una selección de 28 pinturas, realizadas desde 2017 hasta la actualidad, e incluye sesenta y cuatro fotografías que documentan su proceso creativo. Y la de Israel Jiménez nos invita, también a través de la pintura, a replantearnos y cuestionarnos sobre la muerte y la cultura del objeto, actualizando para ello los ritos y mitos funerarios provenientes de la Grecia Clásica.

Respecto a las visitas, si el grupo muestra mayor interés por las nuevas creaciones contemporáneas, el recorrido se podrá se centrar más en estas áreas de la Casa.

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‘Vista de pájara. Retratos’ de Cayetana H. Cuyás y la colectiva ‘La era de la verdad aparente’ son los dos proyectos que alberga actualmente la sala

Las muestras estarán abiertas al público desde hoy, viernes 1 de octubre, hasta el 27 de noviembre

La Casa de los Coroneles en La Oliva, Fuerteventura, abre a la ciudadanía dos nuevas exposiciones creadas por artistas de Canarias, del 1 de octubre al 27 de noviembre. Se trata de ‘Vista de pájara. Retratos’ de Cayetana H. Cuyás un trabajo introspectivo que recrea las distintas miradas emocionales por las que pasó la autora durante la elaboración del trabajo. Por otro lado ‘La era de la verdad aparente’, creada por los nueve residentes del Espacio de Producción del Centro de Arte La Regenta en las Palmas de Gran Canaria, en un discurso conjunto sobre el papel de los artistas en un contexto en el que, tanto gobiernos, como medios de comunicación, han llegado a instrumentalizar en su propio beneficio el relato informativo.

‘Vista de pájara. Retratos’ constituye la primera exposición individual de la grancanaria Cayetana H. Cuyás. Planteada como un juego en el que las obras se encuentran a la altura de la mirada los niños, y en la que los adultos se agachan, la muestra recoge el trabajo de los últimos cinco años de una autora cuyo recorrido ha entrelazado artes plásticas y cinematográficas. La artista sitúa el origen de este proyecto en unos años en los que, por motivos laborales, realizó muchos viajes en avión. ‘Cómo un pájaro, observaba las ciudades desde arriba, en un plano cenital. Poco a poco, mi mirada comenzó a entrar en los edificios y sus casas. Y finalmente, retraté a aquellos que los habitan’, explica. La obra está distribuida en cuatro dependencias de la Casa que la artista ha bautizado como ‘Dormitorio’, ‘Imaginario, ‘Salón’ y ‘Tiempo’, cada una con una temática y estética distinta, que recrean un paseo por diferentes estados emocionales que surgieron a medida que la muestra se iba creando.

‘La era de la verdad aparente’ es una muestra colectiva y multidisciplinar en la que participan los artistas que actualmente ocupan el Espacio de Producción del Centro de Arte La Regenta de Las Palmas de Gran Canaria: Rafael Arocha, Paula Ducatenzeiler, Macarena López, Cristina Millares, Angharad Rojo y el colectivo Mecova teatro, conformado por Niria Ró, Esther Muñoz, Saúl Macías y Eliana Melián. El proyecto exhibe la reflexión acerca de cómo las relaciones del poder político y  los medios de comunicación de masas, la irrupción de internet o la presencia constante de las ‘fake news’, han supuesto la devaluación y suspicacia de la calidad informativa, tomando los artistas un papel esencial a la hora de narrar una realidad compleja y manipulada. La exposición reúne una veintena de piezas de reciente producción, entre las que se pueden encontrar fotografías, pinturas, collages, video-performances e instalaciones.

Así, Mecova Teatro presenta una videocreación, donde se territorializa el cuerpo para proyectarlo como una herramienta comunicativa más efectiva que el lenguaje verbal. Todo es verdad, Rafael Arocha, se pregunta por la veracidad de los hechos y mediante la confrontación de diversas versiones de una misma imagen obliga al espectador a tomar partido en la misma o Paula Ducatenzeiler, que  pone en cuestión el empleo del lenguaje como herramienta de comunicación en el ecosistema del arte contemporáneo en La pieza fundamental.

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