Foto: Fiorella Licandro.

La exposición colectiva de alumnado de Bellas Artes, curada por Ramón Salas puede visitarse hasta el 6 de noviembre en la Sala de Arte Contemporáneo

 “La pregunta es sencilla: por qué, entre jóvenes que aún no tienen edad de atesorar recuerdos, ha cobrado tanta importancia el tema de la historia, la memoria y el archivo; por qué el pasado suscita más interés creativo que el futuro”, plantea Ramón Salas, comisario de ‘Melancolía. El pasado por venir’. La exposición llega a la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) de Santa Cruz de Tenerife para indagar en una cuestión cada vez más presente en la creación joven: su relación con la memoria, el archivo y la nostalgia. Podrá visitarse hasta el 6 de noviembre en este espacio expositivo del Gobierno de Canarias.

Esta muestra es el resultado de la colaboración entre el área de Cultura del Gobierno de Canarias y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna (ULL), que cada año acerca a este espacio el trabajo de estudiantes recién egresados o próximos a finalizar sus estudios a través de la curaduría de Salas, docente en Bellas Artes.

Así, la SAC reúne las propuestas de Alejandra Arbelo, Ana Estrada, Leyla Lázaro, Miguel Martín, Daniel Martínez Montero, Joel Peláez, Irene G. Rossi y Marina Sunyer, junto a la artista invitada Isolina Díaz.

Salas apunta cómo ‘Melancolía. El pasado por venir’ no pretende ofrecer una interpretación definitiva. Propone, en cambio, observar las sensibilidades que atraviesan actualmente la creación emergente y plantear preguntas sobre lo que revelan acerca de nuestro presente y de nuestra manera de imaginar el futuro.

Este interés por el pasado aparece, además, en un contexto marcado por la incertidumbre ante el futuro y la amenaza bélica. Frente a unas expectativas cada vez más difíciles de imaginar, la nostalgia puede funcionar como refugio y explicar, al menos en parte, el regreso de estéticas, símbolos y referencias vinculadas a otros tiempos. Una tendencia que trasciende los revivals de las industrias culturales y que también se manifiesta en la producción artística de las generaciones más jóvenes.

En este sentido, Ramón Salas entiende las aulas y talleres de la Facultad de Bellas Artes como espacios especialmente sensibles a los cambios culturales. Las obras del alumnado permiten observar nuevas formas de aproximarse a la creación, menos interesadas en formular discursos cerrados y más vinculadas a lo emocional, lo cotidiano, la memoria y la búsqueda de espacios de bienestar o reconciliación.

La exposición está abierta de lunes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas. La Sala de Arte Contemporáneo, SAC, se sitúa en la planta inferior del edificio de la Biblioteca Pública del Estado (“Casa de la Cultura”), junto al Parque de La Granja de la capital tinerfeña.

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La muestra, que abrirá sus puertas el viernes 10 de julio, explora la tensión entre el texto, la materia y el cuerpo

Comisariada por Dalia de la Rosa y Javier Sicilia Rodríguez, permanecerá en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) hasta el 11 de septiembre

La Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife (SAC), gestionada por el Gobierno de Canarias, presenta esta semana la exposición individual de la artista Andrea Allgayer. Bajo el título ‘Sabes que nunca lo haría’, la muestra reúne un conjunto de obras que ahondan en la investigación de la creadora, en torno a los nuevos significados y la lógica matérica de los objetos cotidianos y los materiales industriales. 

La exposición, comisariada por Dalia de la Rosa y Javier Sicilia Rodríguez, estará abierta al público desde el próximo viernes 10 de julio, a las 12:00, cuando tendrá lugar su inauguración abierta a todo el público. A partir de entonces, permanecerá instalada durante los meses de verano, con acceso libre y gratuito hasta el próximo 11 de septiembre.

El proyecto de la muestra se articula a partir de dos espacios interconectados. En el primero, Allgayer reúne una selección de piezas creadas entre 2024 y 2025 que dialogan y resuenan directamente con la gran instalación que da título a la muestra, lo que completa así el cuerpo de trabajo en el que la creadora se encuentra inmersa actualmente. 

El cuerpo y el breakbeat como ejes espaciales

Lejos de proponer un trabajo de contemplación estática, Andrea Allgayer pone al cuerpo en el centro del espacio en ‘Sabes que nunca lo haría’. En la instalación principal, la artista emplea recursos como la traducción visual y espacial de dinámicas propias de la música con circulación social -como el ritmo, la vibración, la repetición o la fragmentación- y despliega en la sala lo que la artista define como “arquitectura vibrante”. 

La propuesta de Allgayer explora el terreno fronterizo donde la poesía se cruza con la energía del breakbeat, conectando al mismo tiempo realidades equidistantes como las metrópolis y las periferias barriales. A su vez, mediante la presencia del texto -que se entiende en la exposición como la inscripción de una materialidad inconcreta-, la obra apela a un cuerpo que se dobla ante las vivencias que las palabras no logran abarcar por sí solas. 

Andrea Allgayer (Santa Cruz de Tenerife, 1999) es Técnica Superior de Artes Plásticas y Diseño en Ilustración por la Escuela Fernando Estévez. En la actualidad compagina su labor como artista con los estudios del grado en Bellas Artes en la Universidad de La Laguna. Su práctica artística se fundamenta en su interés por la poesía y los nuevos materialismos, lo que le lleva a buscar constantemente relaciones formales y lingüísticas entre objetos y metodologías basadas en el ritmo. Durante su carrera ha participado en numerosas exposiciones colectivas y certámenes, y ha obtenido galardones destacados como el Best Institutional Proposal 2025, que recibió en la primera edición de la University Art Biennal de Palma de Mallorca. El mismo año, también realizó la residencia ‘Carta de ajuste’ en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife. 

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‘Sobre la carne, en el vacío’ se inaugura en la SAC este viernes 17 y se podrá visitar hasta el 26 de junio

El viernes a las 18.30 horas el artista llevará a cabo una presentación de su trabajo

Para el filósofo belga Constantin Héger, la relación entre cuerpo y la pintura era clara: la creación artística proyecta la capacidad de abstracción del pensamiento. A través de la pintura, el cuerpo no solo representa la realidad, sino que la transforma, convirtiéndose en un lugar donde la experiencia, la sensibilidad y la idea se encuentran.

En esta línea de reflexión, la Sala de Arte de Contemporáneo Santa Cruz de Tenerife (SAC) presenta ‘Sobre la carne, en el vacío’, exposición individual del joven artista Darío Hérguer. La muestra reúne un conjunto de obras que abordan la relación entre cuerpo y pintura desde una aproximación contemporánea, en la que la materia pictórica adquiere un papel central como vehículo de expresión y como espacio de transformación.

La exposición estará abierta al público entre el 17 de abril y el 26 de junio. El día de la apertura, a las 18:30 horas, el artista realizará in situ una presentación de su trabajo y compartirá las claves del proceso creativo, ofreciendo al público una aproximación directa a las ideas que atraviesan su obra.

Un lienzo que sangra

El trabajo de este creador emergente propone entender la pintura no como una superficie estática, sino como un organismo en constante tensión entre lo físico y lo conceptual. En este sentido, la exposición invita a pensar la pintura como un territorio donde lo corporal, lo emocional y lo mental se entrelazan, generando nuevas formas de percepción y experiencia estética.

Hérguer concibe la pintura como una forma de encarnación. La idea de “carne” no se refiere únicamente al cuerpo humano, sino a todo aquello que implica experiencia, sensación y transformación. En este sentido, la obra se convierte en un territorio donde lo visible y lo invisible se mezclan, donde lo racional pierde estabilidad y la materia adquiere protagonismo.

Las piezas que componen la exposición se construyen mediante capas que recuerdan a formaciones geológicas. Esta dimensión material es clave en el trabajo de Hérguer, ya que permite entender la obra como resultado de múltiples procesos y relaciones. Así, la pintura no solo expresa una idea estética, sino también una realidad en la que lo cultural, lo emocional y lo material están profundamente conectados.

En conjunto, la exposición invita a repensar la pintura contemporánea desde su dimensión más física y sensorial, entendiendo la obra como un espacio donde la materia cobra vida y donde la experiencia del espectador se convierte en parte esencial del significado de la obra.

Darío Hérguer (Las Palmas de Gran Canaria, 2001) es un artista multidisciplinar graduado en Filosofía y Ciencias Políticas por la Universidad Complutense de Madrid y Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual por el Centro de Estudios del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad Autónoma de Madrid. Actualmente reside entre Tenerife y Madrid, donde forma parte del Programa de Doctorado en Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura en la Universidad Autónoma de Madrid.

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La artista explora el horizonte y el color como proyección del mundo interior en una muestra que podrá visitarse del 23 de enero al 5 de abril en Santa Cruz de Tenerife

El paisaje nunca es neutro, está cargado de memoria, experiencias y emociones que impregnan los ojos de quien lo observa. Desde esta premisa se articula la investigación artística de Gema López en la muestra ‘Horizontes’, que se puede disfrutar hasta el 5 de abril en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) de Santa Cruz de Tenerife. En ella, la artista invita al público a recorrer una serie de paisajes que, más que representar el mundo, funcionan como mapas sensibles de su propio estado interior.

Gema López construye horizontes que no pertenecen ni al mundo físico ni al mental, sino a un territorio intermedio: el de la emoción. El mar y el cielo dejan de ser escenarios naturales para convertirse en superficies sensibles, cargadas de tensión psicológica, apertura, incertidumbre o calma.

Un recorrido pictórico que surge a partir de la estancia de la artista en Las Palmas de Gran Canaria, donde el horizonte marítimo irrumpió con fuerza en su pintura. En la exposición, el autorretrato psicológico que va desplazando progresivamente hacia lo que puede definirse como paisaje emocional: una geografía simbólica donde el horizonte, el cielo y el color funcionan como proyección del mundo interior.

En obras como ‘Noche y agua’ o ‘En busca del horizonte’, que forman parte de la muestra, la figura de la artista se integra o se disuelve progresivamente en el paisaje. El cuerpo, primero presente, comienza a desaparecer para dejar paso a cielos, nubes y gradaciones cromáticas que actúan como estados del ánimo. El horizonte, tradicionalmente asociado a lo alcanzable o a lo posible, se transforma aquí en un símbolo de búsqueda interior.

Esta transición culmina en series recientes como ‘El cielo es un estado mental’ y ‘Campos de color’, en las que la pintura abandona casi por completo la figuración. El paisaje se vuelve inmaterial y el color asume un papel central como portador de vibraciones emocionales. Ya no se trata de representar un lugar, sino de habitar una experiencia interna: espacios mentales abiertos, amplios, cambiantes, que remiten a la idea de proceso más que a un estado definitivo.

La obra de Gema López dialoga así con la noción de que el paisaje es un autorretrato desplazado: una forma de hacer visible lo invisible, de proyectar hacia el exterior los pliegues íntimos de la identidad. Como plantea Gaston Bachelard en ‘La poética del espacio’, la frontera entre lo de dentro y lo de fuera no es fija. En esta tensión constante se sitúa una pintura que no describe el mundo, sino que lo siente, lo atraviesa y lo convierte en clima emocional.

Gema López. Nacida en Lugo y vinculada vitalmente a los paisajes de Galicia, la obra de López ha estado marcada durante años por una reflexión sobre el cuerpo, el frío y la introspección. Autorretratos como ‘Muerte por congelación’, ‘Peligro de congelación’ o ‘Tiempo congelado’ dan cuenta de una etapa en la que el cuerpo aparece como territorio vulnerable, expuesto a una temperatura emocional extrema. Frente a ello, obras como ‘El sol está en mi casa’ introducen la idea del calor y del refugio, donde el cuerpo se convierte en espacio habitable.

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La exposición, comisariada por Jorge Esda, reúne creaciones que cuentan historias sobre personas fallecidas o desaparecidas

La muerte ha sido una fuente constante de inspiración a lo largo de la historia del arte. En este contexto, la creación no solo emerge como una herramienta para transitar el duelo, sino también como una forma de entablar un vínculo simbólico con la idea de la inmortalidad. Desde esta premisa nace la exposición colectiva ‘Palabreras de la muerte’, que reúne el trabajo de nueve artistas contemporáneos de diferentes procedencias en la Sala de Arte Contemporáneo, junto al parque de La Granja, en Santa Cruz de Tenerife.

Comisariada por Jorge Esda, la muestra propone un ejercicio de memoria y reinvención: una búsqueda de nuevas formas de narrar las historias de quienes ya no están, desde el presente, pese al ritmo acelerado y la presión que el capitalismo impone sobre los procesos de pérdida y duelo. Se podrá visitar hasta el 31 de octubre, de lunes a viernes de 11.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas.

A través de la figura metafórica de las ‘palabreras’, inspirada en referencias literarias y filosóficas, el proyecto plantea que recordar no es solo rememorar, sino también inventar y dar presencia en el presente. Estas palabreras no hablan por los muertos, sino junto a ellos, actuando como mediadoras que proponen nuevos lenguajes de cuidado y escucha hacia lo ausente. La tecnología, lejos de ser neutral, juega un papel crucial en este proceso, ya que determina qué puede recordarse y qué permanece silenciado.

Esda apunta cómo el proyecto surgió de la necesidad de “dar una respuesta en contra de la cultura del Silicon Valley, que pretende emprender una capitalización de la muerte y domesticarla”. Con esta premisa, el comisario canario reflexiona sobre como el sistema está “cambiando la forma de vivir el duelo y apostando por investigar entorno a la inmortalidad, con técnicas como la criogenización”, algo que no es natural.

Equipo artístico y obra

Los participantes el proyecto conforman una voz coral heterogénea y multidisciplinar. Las obras, en su mayoría vinculadas al archipiélago canario, especulan con la memoria y la presencia a raíz de un proyecto que comenzó en 2024 bajo la mentoría del filósofo y comisario Enric Puig Punyet.

Entre los artistas, se encuentra la obra de Miguel Rubio Tapia, que expone una serie de instalaciones escultóricas que indagan en las múltiples relaciones que se establecen entre la muerte, la herencia, el cuerpo y la indiferencia. Por otro lado, en las cartas de Gala Porras-Kim se reflexiona sobre las tecnologías ancestrales, que se confrontan con la forma en que los museos han intervenido esos cuerpos.

En la instalación de Eduardo Hodgson se explora las transformaciones asociadas a la presencia y a la experiencia corporal que tenemos del mundo. Por su parte, Oumaima Manchit Laroussi aborda la tensión entre permanencia y olvido a través del louh, una tabla de madera sobre la que se escribe con tinta lavable.

El arte audiovisual también tiene su lugar en la muestra. En la obra de Javier Estupiñán, los fantasmas de las comunidades esclavizadas del territorio canario emergen, fundiendo las fronteras que existen entre vida y muerte. Por otro lado, las fotografías de David Přilučik parten de fósiles milenarios de pinos canarios hallados en el archipiélago para proponer una especie de resurrección digital. Finalmente, el colectivo coreano ikkibawiKrrr, integrado por tres artistas que documentan una melodía cantada por el coro de haenyeo (mujeres del mar), dirigido a las numerosas generaciones de mujeres que les precedieron.

Para dar continuidad a la muestra, se podrá adquirir un catálogo en la SAC concebido como otro espacio para expandir y explorar los conceptos del propio proyecto. Este recopilatorio está formado por textos inéditos del filósofo Enric Puig Punyet, de la escritora belga Vinciane Despret, que a menudo investiga sobre la manera en que los muertos entran en la vida de los vivos y cómo los hacen actuar y de la artista transdisciplinar, activista e investigadora Larisa Pérez Flores, una de las pensadoras más relevantes del panorama canario contemporáneo, sobre todo en relación a pensamientos feministas decoloniales.

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Integrada por obras pictóricas que exploran este endémico paisaje canario, se abre al público hoy jueves 10 de julio hasta el 31 de agosto

 ‘Habitar la salina’, la nueva exposición individual de la joven artista Patricia Santana, nace desde una premisa clara: observar la naturaleza, especialmente el paisaje de las Islas Canarias, y explorarlo a través de la pintura. Bajo esta mirada, reúne una serie de obras en las que las salinas se convierten en protagonistas, no solo como forma visual, sino como espacio cargado de sentido estético. La muestra se abre al público hoy el jueves 10 de julio y podrá visitarse hasta el 31 de agosto en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC), espacio gestionado por el Gobierno de Canarias en Tenerife, ubicado en la Casa de la Cultura, junto al parque de La Granja.

La muestra constituye una reflexión sobre la belleza y la singularidad de este paisaje, moldeado por sus variaciones cromáticas y su organización geométrica. Como señala la artista, “las salinas no se imponen al medio, sino que se adaptan a él, tanto física como funcionalmente”. Conceptos como paisaje cultural, territorio y la idea de una antropización sostenible atraviesan el sentido profundo de esta exposición.

Una mirada en tres bloques

Está estructurada en tres bloques que representan distintas fases de investigación pictórica: una etapa figurativa, otra casi abstracta y una final inmersiva. Así, la primera parte presenta pinturas de fuerte carácter figurativo, que comienzan a deslizarse hacia lo abstracto mediante fragmentaciones del motivo. Estas obras remiten directamente a la naturaleza fraccionada de las salinas, con una paleta de tonos quebrados y armónicos que aporta una atmósfera delicada. Su autora utiliza técnicas como las reservas y los esgrafiados para generar texturas que dialogan con el propio terreno.

En un segundo apartado, la obra se adentra en una abstracción más pronunciada: se intensifican los colores, se juegan perspectivas, se entrecruzan planos y se experimenta con distintas densidades matéricas. A través de estos recursos, la artista evoca procesos naturales como la sedimentación, el paso del tiempo y la transformación de la materia, fundamentales en la producción de sal.

La última etapa es una invitación a ‘habitar la salina’ desde dentro: no se trata ya de representar el paisaje, sino de sumergirse en él simbólicamente: “nadar” en su vida microscópica, observar la bacteria Dunaliella salina y dejarse llevar por su cromatismo vibrante. Las obras de gran formato buscan crear una experiencia inmersiva, casi onírica. Un gesto cargado de lirismo y paradoja: sumergirse en una salina es físicamente imposible, pero esa imposibilidad abre paso a una narrativa sugerente y poética. ‍

Patricia Santana (Gran Canaria, 1999) es ingeniera en Diseño Industrial y actualmente cursa Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia. Su trabajo pictórico ha sido premiado y reconocido en diferentes convocatorias y certámenes, como Gran Canaria Arte Joven (Cabildo de Gran Canaria), Art i Creativitat Jove (Ayuntamiento de Valencia) o Espacio CV (CAAM). ‘Habitar la salina’ es su segundo proyecto expositivo individual, tras ‘Sumergirse’, que exhibió en 2023-24 en espacios de Gran Canaria. Desde 2017 ha participado en numerosas colectivas en Canarias y Valencia.

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‘Lo liminal: la piel y el acontecimiento’ está abierta al público desde el viernes 4 en la Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno, junto al parque La Granja

Reúne esculturas e instalaciones de mediano y gran formato con materiales que van desde el tejido al bronce

La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) inaugura esta semana una exposición de la artista Itahisa P. Conesa en la que muestra al público los innovadores materiales y técnicas escultóricas que está aplicando a su obra. Bajo el título ‘Lo liminal: la piel y el acontecimiento’, la muestra se inaugura hoy viernes 4 de abril, en este espacio del Gobierno de Canarias situado en la santacrucera Casa de la Cultura, junto al Parque de La Granja de la capital tinerfeña. Estará abierta al público hasta el 20 de junio.

‘Lo liminal: la piel y el acontecimiento’ reúne una serie de esculturas e instalaciones de gran y mediano formato realizadas con materiales como tejidos, resinas, mortero, bronce o elementos vegetales recolectados sin intervención. Estas piezas surgen de procesos de registro superficial -orgánico, textil e industrial- en los que se generan pieles, huellas y capas como superficies sensibles que activan tensiones entre cuerpo, materia y entorno.

En la exposición, la artista explora la piel no como un límite, sino como un espacio de conexión y transformación, invitando a mirar más allá de lo evidente y a descubrir nuevas formas de entender lo que nos rodea. Una muestra que invita a reflexionar sobre nuestra relación con el entorno y con otras formas de vida.

“Las obras no buscan representar algo definido, sino generar una experiencia: ocupar el espacio, convocar al cuerpo del espectador y abrir un campo de relaciones entre lo humano y lo no humano”, afirma la artista.  “La piel, figura central en este trabajo, deja de funcionar como límite y se presenta como un territorio poroso, relacional y geológico, donde se inscriben memorias, afectos y transformaciones. Estas esculturas se entienden como configuraciones materiales que dan testimonio de una red de vínculos entre entidades diversas”.

Lo liminal plantea así una manera de habitar la escultura desde la superficie, el pliegue y la inscripción, donde la materia no es soporte pasivo, sino agente activo en la producción de sentido.

Una forma de mirar y habitar la escultura desde lo táctil, lo procesual y lo relacional. Cada obra es un punto de encuentro entre materiales, cuerpos y contextos, una forma sensible de pensar con la materia.

Itahisa P. Conesa es docente en la Universidad de La Laguna, donde imparte Escultura y coordina el Aula-Taller de Fundición artística. Dedica su trabajo a investigar sobre nuevas maneras y métodos de proceder en la experiencia artística, que se articula en torno a los procesos híbridos, combinando técnicas escultóricas tradicionales con materiales no convencionales y metodologías contemporáneas.

Todo ello en un marco que conjuga experimentación estética, tecnología y materialidad crítica. Su obra investiga la dimensión performativa de la materia, donde lo escultórico no se limita sólo a la forma, sino que se despliega como campo de relaciones entre cuerpos, superficies y entornos.

El horario de visita de la Sala de Arte Contemporáneo es de lunes a viernes, de 11.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas. La entrada es libre.

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La exposición ‘Dientes de canto’ está creada por alumnas de Bellas Artes de la ULL, bajo el comisariado del profesor Ramón Salas

Se podrá visitar hasta 21 de marzo

La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) de Santa Cruz de Tenerife presenta ‘Dientes de canto’, una exposición colectiva creada a partir del trabajo de once alumnas de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna bajo la curaduría de su profesor Ramón Salas. El proyecto exhibe los trabajos de las jóvenes creadoras Ana Domínguez, Cristina García, Yelitza Robles, Malena Martín, Sofía Martín, Martina Marrero, Gabriela Mayato, Abigail Mederos, Eider Oliva, Gema Peña y Elisa Santos. Se podrá visitar hasta el 21 de marzo en este espacio del Gobierno de Canarias.

En palabras de Salas “aquí, la curaduría se limita a tomarse en serio la oportunidad de desplazar el proceso de aprendizaje a la sala. No para mostrar sus resultados. No utilizaremos la sala como un espacio de exhibición sino como estudio, en el sentido que le damos a este concepto en la facultad: no como taller de trabajo sino como espacio-tiempo de conocimiento”.

El comisario también destaca la larga relación entre la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de la Laguna y este espacio. “Durante décadas, el Gobierno de Canarias le ha brindado a varias generaciones de jóvenes artistas del Archipiélago la oportunidad de dar a conocer su trabajo en la SAC. Aunque, en realidad, les ha brindado más la oportunidad de dar a conocer los resultados de su trabajo. En todo caso, esta labor ha sido especialmente generosa con la Facultad de Bellas Artes, con la que siempre se ha tenido especial confianza, no solo por proporcionarles el espacio sino por permitirles ensayar en él formatos que difícilmente se hubieran admitido en otros espacios.”

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‘Cerca No Importa Lejos’ exhibe una veintena de trabajos de este joven artista, en su primera exposición individual

La muestra se inaugurará este viernes 29, a las 11.00 horas

Con solo 27 años, Héctor Mar ha logrado ya hacerse un hueco en el panorama artístico de la isla. Es un artista que se maravilla ante las posibilidades que pueden surgir de la relación entre lienzo y pintura, y así lo plasma en su obra. La Sala de Arte Contemporáneo (SAC), uno de los espacios expositivos del Gobierno de Canarias en la capital tinerfeña, ha elegido su trabajo para una nueva exposición, la primera de carácter individual del creador, que será inaugurada mañana, viernes 29, a las 11.00 horas, bajo el título ‘Cerca No Importa Lejos’.

La exposición está integrada por una veintena de obras en la que el autor demuestra su genuino interés por las propiedades físicas de la pintura. Como un cuerpo latente, explora los propios límites del medio, la bidimensionalidad, la composición, las texturas, estructuras y cuerpos. La muestra se podrá visitar hasta el 31 de enero  en la sala situada en la Casa de la Cultura junto al parque de La Granja, en Santa Cruz de Tenerife.

Tras dos años de investigación, que han servido para dotar de madurez a la obra de este incipiente creador, Mar presenta un trabajo con un título críptico: ‘quise plantear un nombre en el que se entrelazaran presencia y distancia’, apunta. La intersección entre lo abstracto y lo racional, las interacciones que se crean en las propias superficies y sus luminiscencias, son una fuente de sugestión indispensables en la forma de mirar del pintor tinerfeño.

“Si la geometría, entre otras, es también el lenguaje de la clase dirigente (Peter Halley), los elementos urbanos, narran historias sobre el pacto y la movilidad social. Fijándose en columnas y planos de color que señalan la geometría y el orden establecido en las ciudades. Se plantea la necesidad lúdica de reorganizar las normas urbanas, el reflejo de las estructuras en su sociedad moderna”, explica en el texto de sala.

Héctor Mar. Tenerife 1997. A través de la pintura, se aferra a esta disciplina y la convierte en su herramienta para “desnaturalizar” los objetos, elementos, escenas que se encuentra en los itinerarios de su vida y sus experiencias personales.  Llevado al soporte del cuadro muestra sus anotaciones y enmiendas en el amplio sentido del transcurso atemporal.

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La exposición ‘cuerpos blandos’ entrelaza escultura, videoinstalación y multimedia en una reflexión de la imagen como herramienta de poder

La muestra se inaugura este viernes 20, a las 11.00h, y estará abierta hasta el 15 de noviembre en la sala situada junto al parque de La Granja

La cosificación de las mujeres y su relación con su propia imagen confluyen en un debate complejo: las fotografías de los cuerpos, continuamente presentes en redes sociales ¿logran ser un arma de empoderamiento o, por el contrario, perpetúan la mirada patriarcal?. La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) exhibe ‘cuerpos blandos’, la primera exposición individual de la joven creadora Emma Marting, en la que explora cómo la imagen es una potente herramienta de poder.

Esta muestra, que incluye videoinstalación, escultura y creación digital se inaugurará este viernes 20, a partir de las 11.00h horas, en este espacio de exhibición del Gobierno de Canarias  situado en la Casa de la Cultura junto al parque de La Granja, en Santa Cruz de Tenerife.

En 1989, el colectivo feminismo Guerrilla Girls denunciaba cómo posar desnuda ante el lienzo era, prácticamente, la única opción de que las mujeres estuviesen presentes en los muros del Metropolitano de Nueva York. El cuerpo femenino se exhibía y creaba imaginario de qué era una mujer a través de los ojos de los hombres. ¿Qué ocurre en un conexto en el que todas las personas pueden tomar imágenes de sí mismas a través del móvil y ponerlas al alcance del universo digital?

‘cuerpos blandos’ se adentra en la autorepresentación en internet de las mujeres e identidades disidentes para hacerse preguntas: ¿es posible fotografiarse sin pasar por el filtro de quién te mira?  Desde una perspectiva de género y una preocupación respecto de aquellos cuerpos y voces representados de forma distorsionada o escasa, este trabajo expositivo aborda cómo el poder genera la violencia sobre estas representaciones, en un momento en el que todas las personas pueden tomar imágenes de si mismas a través del móvil.

“Este trabajo es la forma que toma mi reflexión en torno a las imágenes y cómo estas se proyectan y replican en quienes las observamos, configurando nuestros modos de ver, ser y hacer. Construyendo mirada y cuerpo. Creando roles, identidades y relaciones de poder.”, explica Marting.

Emma Marting (Gran Canaria, 1999) es graduada en Bellas Artes en el itinerario Proyectos Transdisciplinares por la Universidad de La Laguna (2022), con premio extraordinario en el grado en Bellas Artes y excelencia de grado en la rama de conocimiento de Artes y Humanidades. Su práctica artística transcurre en torno a la construcción del cuerpo y de la imagen propia en relación con el otro observador. Actualmente es una de las artistas en residencia del Espacio de Producción de La Regenta en Las Palmas de Gran Canaria. ‘cuerpos blandos’ es su primera exposición individual.

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