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‘No news, good news’ reúne a siete destacadas firmas de la actual escena plástica canaria en la Sala Cabrera Pinto

Invitación a la exposición No News, Good News

Reúne obra de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Juanjo Valencia y Lena Peñate, y Diego Vites.  Valencia y Peñate actúan también como comisarios de este proyecto, que se inaugura este sábado 20 de julio, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Las salas de arte del Instituto Canarias Cabrera Pinto, en La Laguna (Tenerife) acogen entre el 20 de julio y el 8 de septiembre un nuevo proyecto expositivo: ‘No news, good news’. Se trata de una muestra colectiva que reúne propuestas de siete destacadas firmas del panorama artístico contemporáneo de las Islas y que se abre al público este sábado 20, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Organizada por el CAAM, en ‘No news, good news’ encontraremos intervenciones artística de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Diego Vites y Juanjo Valencia y Lena Peñate Spicer, siendo estos últimos también los comisarios de la exposición, que podrá visitarse en la sala lagunera del Gobierno de Canarias de martes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los fines de semana solo en el horario matinal.

Texto de los comisarios:

‘No news, good news’ da título a un proyecto intersubjetivo que pretende hacer visible los procesos de trazabilidad de las imágenes en las construcciones significantes de los imaginarios.

La capacidad de lectura geográfica de las imágenes de ayer no tiene que ver con las de hoy. Sin duda, los modos de grafía han cambiado. La imagen, devenida como imagen-síntoma, pretende escribir más que inscribirse, no tanto como palabra sino como texto, como parte de un engranaje taxonómico. Para figurar el mundo contemporáneo, se ha vuelto necesario operar en la profundidad: las representaciones comunes ya no corresponden con las experiencias vividas y las imágenes se producen como cálculo de reuniones de información y de construcciones formales.

El acento de este proyecto expositivo radica precisamente en su carácter procesual y cartográfico, en subrayar formas de estudio acerca de la imagen y del diálogo como una construcción mediada por el Otro, tanto para quien la produce como para quien la observa. En su estructura se aborda el trasfondo del archivo, así como el lenguaje historiográfico y procesual. En el estudio de los desplazamientos de la imagen, se pone especial énfasis, incluso de forma utópica, en la deconstrucción del acervo enciclopedista (de hacer figura del síntoma) y de metodologías críticas que ponen en cuestión el proceso de producción de las imágenes. El carácter zetético resulta inherente a sus formas de interrelación.

A la vez que constituyen tentativas de representación, establecen cuestionamientos de cualquier statu quo de representación del mundo y de sus múltiples estados de formalización. Pretenden cuestionar sobre las formas de representación que conforman nuestros imaginarios y gobiernan, por ende, nuestras acciones.

Las obras se transforman en itinerarios que se despliegan en red o superponiendo redes, cuestionando la capacidad de la imagen para representar la realidad o, en cualquier caso, mostrando su opacidad, su imposibilidad irónica de traducir su relación con la representación.

Una manera, como señalaría Georges Didi-Huberman, “de abordar trayectos de pensamiento entre imágenes”.

Juan José Valencia – Lena Peñate Spicer

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La Regenta culmina el ciclo de cine ‘Oriente es Oriente’, con la película homónima ganadora del BAFTA

Fotograma de 'Oriente es Oriente'

El último filme del ciclo se proyectará mañana, viernes 28, a las 18.00 horas, con entrada libre, en paralelo a la exposición ‘¿Oriente es Oriente?’, que puede visitarse hasta este sábado 29 de junio

El Centro de Arte La Regenta ofrece mañana, viernes 28, la reconocida película ‘Oriente es Oriente’ dirigida por Damien O’Donnel, incluida dentro del marco del ciclo del cine que ha organizado vinculado a la exposición colectiva ‘¿Oriente es Oriente?’. Precisamente, hasta este sábado puede visitarse la muestra que ha ocupado la sala gestionada por el Gobierno de Canarias durante los dos últimos meses.

La película cuenta la historia de George Khan, un orgulloso paquistaní, propietario del típico fish and chips inglés. Casado con una británica, gobierna a su familia con mano de hierro para que sus hijos y su hija sean unos paquistaníes respetables, sin tener en cuenta que viven en una localidad británica de Salford en 1971. Pero sus hijos se resisten a caer en la trampa de matrimonios concertados y sólo aspiran a ser ciudadanos de un mundo moderno. El filme fue reconocido por la Seminci (Festival de Cine de Valladolid), así como por los premios de la Academia de Cine Británica y la Academia del Cine Español, entre otros.

‘Oriente es Oriente’ constituye la ópera prima de O’Donnel, algo que destaca el crítico Ángel Fernández Santos: “la sorpresa está más que fundada, porque todo en esta pequeña película coral, hecha con bajísimo presupuesto y altísima autoexigencia, es magistral, desde la escritura hasta la dirección”, matiza, “pasando por la fotografía y por todas y cada una de las composiciones de los 15 o 10 intérpretes, que parecen haber nacido para hacer lo que aquí hacen”.

Damien O’Donnel nació en Dublín (Irlanda) y se graduó en en el Coláiste Dhúlaigh Collage en 1987 en la licenciatura de Comunicación y Producción de Medios. Tras ser cofundador con tres amigos de la compañía discográfica Clingfilms, en 1995 escribió 35 Aparte, un cortometraje que sobre las aventuras y desventuras de unos torpes colegiales en el momento que comienzan en una nueva escuela. Con sólo ese cortometraje. En el 2000 Ayub Khan Din le ofreció la dirección de Oriente es Oriente, la obra que le dará a conocer internacionalmente. Dos años más tarde rodó Heartlands, una película con muy buenas críticas, y Inside I`m dancing en 2004, película que consiguió el Premio del Público en el Festival Internacional de cine de Edimburgo.

Asimismo, O’Donnel ha dirigido numerosos anuncios de televisión galardonados en Irlanda y en el Reino Unido, incluido el programa satírico de televisión The Savage Eye, considerado como el programa de comedia irlandesa más importante de esta época.

Su trabajo se caracteriza debido a sus contantes historias que se entrelazan, con recursos de la comedia, en un contexto dramático y con una temática social que retrata los acontecimientos actuales del Reino Unido y una fotografía naturalista.

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La Regenta ofrece la premiada película india ‘Agua’ en el ciclo de cine de su exposición ‘¿Oriente es Oriente?

La película trata sobre una niña que debe casarse con un viejo moribundo

La sesión será mañana, miércoles 12, a las 18.00 horas, con un debate posterior a cargo de la Asociación Vértigo

Basada en la dura realidad de las mujeres en la India colonial de 1938, en pleno movimiento de emancipación liderado por Gandhi, el Centro de Arte La Regenta ofrece mañana, miércoles 12, la premiada película ‘Agua’, de la reconocida directora Deepa Mehta. Será en el marco del ciclo de cine que ha organizado vinculado a la exposición colectiva ‘¿Oriente es Oriente? ¡’ que exhibe en su sala hasta el 29 de junio. La sesión dará comienzo a las 18.00 horas, con entrada libre, e incluye un debate posterior a cargo de la Asociación Vértigo.

La película cuenta la historia de la pequeña Chuyia, una niña de ocho años, se ve obligada a contraer matrimonio con un anciano moribundo. Cuando este muere, la chica ingresa en una casa para viudas, donde deberá pasar el resto de su vida. La película estuvo nominada a mejor película de habla no inglesa en los Óscar y ha sido reconocida con numerosos premios en festivales de la Academia Canadiense de Cine y Televisión; el Festival Internacional de Cine Asiático Americano de San Francisco; la Seminci de Valladolid o el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.

Sobre esta historia, su directora y guionista Deepa Mehta afirma que “algunas imágenes se graban en la mente de forma indeleble. Hay una imagen que lleva diez años conmigo, la de una viuda en la ciudad santa de Varanasi en India. Doblada, el cuerpo arrugado por los años, el cabello blanco rasurado, iba de un lado a otro a cuatro patas, buscando desesperadamente algo que había perdido en la orilla del Ganges. Su tristeza era obvia mientras buscaba entre la muchedumbre de peregrinos. Nadie le hacía caso, ni siquiera cuando se sentó y empezó a llorar. La imagen de esa viuda, sentada en cuclillas, abrazándose las rodillas, la cabeza inclinada ante su derrota, se me quedó grabada en la mente y me dio la idea para el guion que, diez años más tarde, se convertiría en Agua”.

Deepa Mehta nació en India (Amritsar, 1950) y se licenció en filosofía en la Universidad de Nueva Delhi antes de emigrar a Canadá. En 1991 produjo y dirigió su primer largometraje, ‘Sam & Me’, con el que ganó la primera Mención de la Crítica en la categoría Camera de Oro del Festival de Cannes. Entre 1992 y 1994 dirigió dos episodios de la serie ‘Las aventuras del joven Indiana Jones’, producida por George Lucas. En 1993 dirigió ‘Freda y Camilla’, con Jessica Tandy y Bridget Fonda y en 1996 inicia su ‘Trilogía Elemental (Fuego, Tierra, Agua)’.

Recibió el Governor General’s Performing Arts Award, como reconocimiento a su trayectoria, y en 2013 fue nombrada Oficial de la Orden de Canadá, el más alto honor civil del país, por “desafiar las tradiciones culturales y sacar a la luz las historias de opresión, injusticia y violencia”.

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El artista Alby Álamo explora la memoria del paisaje canario con su instalación ’24/ 7′ en El Tanque

Exposición Alby Álamo en El Tanque

La propuesta audiovisual específica, de gran formato, cuenta con la colaboración del músico Javier Pérez –Resonance-, y el comisariado de Cristina Anglada. Se abre al público mañana jueves, 23 de mayo, a las 20:30 horas, y se podrá visitar hasta el 13 de julio.

El artista Alby Álamo presenta su nuevo proyecto 24/7, una propuesta audiovisual en gran formato, concebida específicamente para el Espacio Cultural El Tanque, que cuenta con la colaboración del músico Javier Pérez Rodríguez, alias Resonance, y el comisariado de Cristina Anglada. La pieza aspira a situar bajo sospecha los principios de la sociedad del rendimiento a partir del paisaje, desvelando la relación 24/7 que exigimos a la naturaleza.

Alby Álamo explora e interviene el imaginario de la naturaleza, en concreto, del paisaje canario, saqueando sus estéticas derivadas de sus usos funcionales, en clara y directa relación con la dinámica del trabajo en el capitalismo avanzado. La visión romántica y tradicional asociada a ciertos paisajes es retada, proponiendo una nueva imagen que dirige el foco a las consecuencias de los movimientos sociales, económicos y políticos.

La silueta de la musa paradisíaca, sus hojas tropicales y su fruto, es protagonistas del recorrido por los escenarios de la obra. La platanera, producto introducido por los comerciantes ingleses en el siglo XIX, junto a la progresiva instauración de los puertos francos, se transforman en uno de los pilares fundamentales de la economía canaria y en clave del crecimiento económico del archipiélago, que impacta sobre el paisaje de las islas. Además, la incorporación de imágenes de la silueta del distrito londinense Canary Warf, antigua zona portuaria que en los 80 se rehabilitó y hoy en día acoge las sedes de los mayores conglomerados financieros de Europa, forma parte de este juego de asociaciones. Su presencia recuerda a La hilandería de algodón de Arkwright durante la noche de Joseph Wright (1782) que es posiblemente la primera pintura que anuncia la iluminación artificial de la fábrica y advierte el desarrollo racionalizado de una relación abstracta entre tiempo y trabajo, desligada del ciclo y los movimientos lunar y solar.

La pieza de Alby nos acompaña por un recorrido sugestivo que entrelaza asociaciones sin establecer demasiados manifiestos. Asume la crisis que sufren conceptos como la historicidad, la verdad o la objetividad y parece seguir las palabras de Erika Balsom cuando comenta que “dar prioridad al registro de la realidad física puede reavivar la atención que prestamos a las texturas de un mundo que sí existe y en el que todos convivimos. Creer en la realidad es afirmar que habitamos un mundo compartido… reafirmar el poder del cine como ventana, por muy sucios que puedan estar sus cristales…”.

La comisaria, Cristina Anglada describe la instalación como “un sueño vigilado, grabado, extraído y compartido. Nos sumergimos en él a través del murmullo constante e irregular del océano y su golpeteo interno, que nos da la bienvenida. Recorremos a ritmo pausado un tiempo suspendido y lejano en el que se suceden varios paisajes acompañados del sonido que refuerza una presencia remota. El espacio va siendo conformado por varias capas visuales y sonoras”.

El sueño que sueña el final del sueño, el final del tiempo de descanso y el fin de lo humano. Un sueño que ha perdido su sujeto. El fin de aquello que obstaculizaba la productividad y consumo incesante: el descanso, la pausa, la paciencia, la experiencia, lo común y la vulnerabilidad de los ciclos humanos. El triunfo de los ritmos neoliberales del capitalismo tecnológico, manifestado en la expresión 24 / 7.  24 horas, 7 días a la semana. Una construcción humana que no obedece a la relación de la tierra con el cosmosl. El triunfo de lo eficaz, lucrativo, aquello que fomenta el consumo y la producción adoptando la forma del progreso contemporáneo: la implacable apropiación y el dominio del tiempo y la experiencia.

Alby Álamo (Las Palmas de Gran Canaria, 1977) Vive y trabaja entre Canarias y Berlín y es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna. En 2003 obtiene el Diploma de Estudios Avanzados programa interdepartamental Teoría de las artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna. Entre 2004 y 2010 fue miembro del Aula de Cultura y Pensamiento Artístico Contemporáneo de la Universidad de La Laguna y desde 2015 codirige el Project Space Urlaub Projects en Berlín.

Datos

Exposición: ’24/7′

Artista: Alby Álamo

Música: Resonance

Comisariado: Cristina Anglada

Lugar: Espacio Cultural El Tanque.  C/ Adán Martín Menis s/n. Sta Cruz de Tenerife

Fecha: del 23 de mayo al 13 de julio 2019

Horario: de martes a viernes de 17:00 horas.- 20:00 horas. Sábados de 11:00 horas. – 14:00 horas.

Entrada libre

Teaser:

https://www.facebook.com/alby.alamo/videos/2300803549958047/

 

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La artista grancanaria Pepa Sosa inaugura Tempo a contratiempo en la SAC

Obra de Pepa Sosa

La exposición se abre al público mañana viernes 17, a las 20:30 horas, y se podrá visitar hasta el 28 de junio

El tiempo como espacio fijo y ámbito estático por el que transitamos en infinitas rutas centra la nueva producción de la creadora Pepa Sosa, reunida bajo el título Tempo a contratiempo, una exposición que se inaugura mañana viernes 17, a las 20:30 horas, en la Sala de Arte Contemporáneo- SAC-, ubicada en el Parque la Granja, en la Casa de Cultura.

Para la artista, el tiempo es territorio de la memoria y de la imaginación. Habitáculo de lo que ocurrió y de lo que creemos que ocurrirá. Almacén que guarda las pruebas de la gloria y los horrores que fuimos capaces de acometer. Y de los sueños y miedos que somos capaces de imaginar.

La artista con sus obras nos adentra en pasajes desconocidos por los que avanzamos casi a ciegas y llenos de curiosidad. Cartografías mutantes que se improvisan a cada paso. “Somos nosotros los que deambulamos por tiempo y cada generación entrega el testigo a la siguiente, del espacio recorrido. Avanzamos en un ansía continua por descubrir sus confines”.

Pepa Sosa ha abordado un ambicioso trabajo de pintura e instalación. utilizando una técnica mixta de acrílicos, óleos y telas sobre soportes de madera y estructuras metálicas de muelles, que nos adentran en lo desconocido, consientes de que no hay vuelta atrás. “El mar no acaba en el horizonte, el tiempo tampoco. El tiempo es territorio de la memoria y de la imaginación. Un habitáculo de lo que ocurrió y de lo que creemos que ocurrirá. Un almacén que guarda las pruebas de la gloria y los horrores que fuimos capaces de acometer. Y de los sueños y miedos que somos capaces de imaginar”, explica como representación y poética de su pintura. Concluye que, “la vida es un único instante…El tiempo es el instante de Quignard y según Berger, la pintura es la permanencia de un instante”.

Así, Tempo a contratiempo, plantea la actitud conflictiva y despectiva del hombre frente al tiempo, una posición que contrasta con la relación que existe con la naturaleza. “El hombre queda fuera del mundo natural por su guerra contra el tiempo. Colocándose en una peligrosa postura, en contra de sí mismo, al considerar al tiempo su enemigo”, concluye.

La artista, con sus texturas y el uso de las telas, recuerda a uno de sus referentes artísticos, Manolo Millares. “Me parece inmenso” comenta Sosa que, en 2017, recibió el premio de artes plásticas que lleva el nombre del pintor canario y que concede CajaCanarias.

El expresionismo abstracto, con figuras como De Kooning, las incisiones de Lucio Fontana o Howard Hodgkin son otras de sus fuentes.

Pepa Sosa vive volcada únicamente en la pintura. Formada en el ámbito del diseño en la Escuela de Diseño IADE de Madrid, y postgrado en diseño y arquitectura interior por la Royal Academy y Central Saint Martins. Además, ha recibido formación en Mahaju y Pleates en la escuela de Janica Jaeger en Malasia y tinturas naturales en Seúl, Corea, siendo alumna de Takumasa Ono, maestro de nihonga sobre seda en Londres.

Desde 1995 participa en exposiciones colectivas e individuales en espacio S/T de Las Palmas, CAAM de Las Palmas de GC, Ateneo de La Laguna, Circulo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife, galería Flow (Londres), Electrum (Londres), Centro de Cultura de Coimbra (Portugal), galeria The Makers (Madrid), galería Mad is Mad (Madrid) galeria Atalante (Madrid).

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Los contextos que habitamos centran la exposición de Abigail Ojeda en la Casa de los Coroneles

Abigail Ojeda expone en la Casa de los Coroneles

I´m not nature se podrá visitar desde el 17 de mayo al 29 de junio en este inmueble, referencia del patrimonio cultural de Fuerteventura

La Casa de los Coroneles abrirá, en sus espacios dedicados a exposiciones temporales, la propuesta de la artista grancanaria Abigail Ojeda, I´m not nature, una muestra que se podrá visitar desde este viernes, 17 de mayo hasta el 29 de junio, en el emblemático inmueble del siglo XVIII ubicado en La Oliva, Fuerteventura, dependiente del área de Cultura del Gobierno de Canarias.

Abigail Ojeda, graduada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna en el año 2013, y con el Máster en Formación del Profesorado en 2015 en la especialidad de dibujo, diseño y artes plásticas, en la misma universidad, presenta una indagación artística en el espacio público, configurando una serie de metáforas sobre nuestro hábitat y el contexto contemporáneo en el que habitamos. En este recorrido se observa el papel que asume la dicotomía naturaleza-desnaturalización del entorno, en que se mantiene lo natural dentro de unos límites impuestos por la conveniencia y la necesidad.

La huella de la civilización desde que aparece hasta que se sumerge en su propio proceso de deterioro hace de la naturaleza un accesorio que aparece como verdes pinceladas en medio de grandes grisallas.

La artista invita al espectador a reflexionar sobre esos entornos compartidos, el uso y la gestión que se hace de ellos y qué significan dichos espacios a nivel colectivo e individual.

Abigail Ojeda. Las Palmas de Gran Canaria, 1990.

En 2015 realiza su primera exposición individual Naturaleza muerta en la Fundación Mapfre Guanarteme, y le seguirán Desecho, en la sala de Exposiciones La Caldereta, y Bodegón no intencionado. Parte II, en el Centro de Arte La Recova, ambas en el 2017. También expuso en la Casa de Saturnina y en el Centro Insular de Turismo de Gran Canaria en 2018.

También ha participado en exposiciones colectivas como Pintura 2013 en el Centro de Arte La Recova, la Summer Exhibition en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife en el verano de 2015 y en Open Studio del Centro de Arte La Regenta en 2016, entre otras.

Ocupó en 2016 uno de los estudios del Espacio de Creación Artística del Centro de Arte La Regenta y también ha sido artista residente en los Espacios de Producción del Centro de Arte La Recova. Ha recibido algunos premios entre los que destacan el 1º premio en el XII Certamen de Pintura Antonio Padrón, el 2º premio en el IX Certamen Crea Joven Bartolomé y el premio Gran Canaria en el XX Concurso de pintura rápida Las Palmas de Gran Canaria.

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La fotografía de Ángel Luis Aldai recrea los escenarios que visitó Galdós en 1876

Fotografía de Ángel Luis Aldai

La exposición ‘Cuarenta leguas por Cantabria’  se inaugura el sábado 30, a las 12:00 horas, en el Cabrera Pinto de La Laguna. De forma simultánea se presenta la muestra ‘Cómo aprendían nuestros abuelos en el Instituto de Canarias’ que destaca el paso de sus alumnos célebres, entre ellos, Benito Pérez Galdós

La salas Cabrera Pinto de La Laguna abren al público el próximo sábado 30, a las 12:00 horas, dos exposiciones cuyo nexo común se encuentra en la figura de Benito Pérez Galdós. El fotógrafo Ángel Luis Aldai ha seguido los pasos que recorrió el escritor en 1876, convirtiendo sus textos en imágenes que conectan el tiempo en ‘Cuarenta leguas por Cantabria’, mientras que en la planta alta se muestra ‘Cómo aprendían nuestros abuelos en el Instituto de Canarias’ que destaca el paso de sus alumnos célebres, entre ellos, el universal escritor grancanario.

En ‘Cuarenta leguas por Cantabria’ Ángel Luis Aldai recrea con su objetivo los pueblos y paisajes que recorrió en 1876 el novelista estableciendo un sugerente diálogo entre la palabra y la imagen. Benito Pérez Galdós fue un gran viajero que visitó buena parte de Europa y que contaba esos viajes desde el detalle, “casi siempre invisible para quienes no miran más allá de lo que tienen delante”, comenta el escritor Santiago Gil respecto a esta exposición.

En una de sus muchas temporadas en Santander, Galdós emprendió una ruta por el interior de las tierras montañesas que luego se convirtió en una crónica titulada Cuarenta leguas por Cantabria. Muchos años después, el fotógrafo Ángel Luis Aldai ha seguido las pistas que dejó el escritor en esas palabras buscando esos mismos paisajes. “Todos podemos visitar esos valles y esas montañas, los cementerios góticos, las fachadas de las iglesias, los claustros o esas playas de una bajamar interminable mientras resuenan las olas de la galerna del Cantábrico. Pero visitar no es lo mismo que fotografiar y convertir en arte lo que tenemos delante”, escribe Gil.

Otra de las imágenes de Aldai en la exposición
Otra de las imágenes de Aldai en la exposición

La muestra, producida por el Cabildo de Gran Canaria, forma parte del programa de actos de centrales del Bienio Galdosiano, con motivo del 175 aniversario del nacimiento del autor el 10 de mayo de 1843, así como de su fallecimiento, que se conmemora en 2020. Ahora, las fotografías de Aldai que podemos ver en la exposición del Cabrera Pinto han sabido captar la belleza y la emoción que también retuvo a Galdós. En ese viaje, el escritor grancanario estuvo acompañado por su amigo José María Pereda y por Ángel Crespo. El periplo les condujo a Santillana del Mar, Alfoz de Laredo, Comillas, San Vicente de la Barquera, Las Tinas, San Pedro de las Varedas, Panes, Las Gargantas, La Hermida, Potes, Treceño, Cabezón de la Sal o Casar de Periedo, entre otros lugares.

Las fotografías de Ángel Luis Aldai también cuentan historias y nos llevan por muchos senderos que terminan conduciendo a nuestros propios adentros. La exposición contribuye a rendir tributo al más internacional de los canarios.

Ángel Luis Aldai, reconocido fotógrafo de Gran Canaria, es autor y editor de más de una veintena de libros de fotografía y ha recorrido los cinco continentes para construir un sólido y reconocible espacio personal en el ámbito de la fotografía de autor.

‘Cómo aprendían nuestros abuelos en el Instituto de Canarias’

Se trata de una propuesta de perfil divulgativo que exhibe el patrimonio cultural del Instituto de Canarias durante los primeros 50 años de su historia, mostrando parte del material didáctico de las materias que se impartían, entre 1846 y 1900, como Agricultura, Historia, Física, Química e Historia Natural.

Además, presenta expedientes académicos, actas y exámenes de algunos de sus alumnos más célebres de ese periodo: Benito Pérez Galdós, Blas Cabrera Felipe, Doctor Manuel Esteban Olivera, dando a conocer su biografía, sus estudios y sus obras.

Horarios: de martes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas
Sábados y domingos de 11:00 a 14:00 horas
Lunes y festivos cerrado.

Dirección: c/ San Agustín, 48
San Cristóbal de La Laguna

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Los artistas Mariana Palomino y Josefran Santana inauguran en la Casa de los Coroneles

Cabezas de Mariana Palomino

Caverna y Cartografía del residuo, respectivamente, se podrán visitar desde el próximo viernes 22 de marzo y hasta el 11 de mayo

La obra reciente de los artistas grancanarios Mariana Palomino y Josefran Santana se muestra a partir del próximo viernes, 22 de marzo, en la Casa de los Coroneles en La Oliva, Fuerteventura. ‘Caverna’ y Cartografía del residuo’, respectivamente, a través del lenguaje artístico y distintos soportes pone el acento en la degradación del paisaje y la pérdida de identidad, así como entre lo verdadero o falso de la imagen que construye nuestro contexto.

Mariana Palomino (Las Palmas de Gran Canaria, 1988) es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, Busca desde sus inicios un arte personal, principalmente a través de la pintura, arte y entorno, relacionando color y espacio público. Produce acciones de intervención urbana y utiliza la ciudad como soporte con un fin constructivo. Es una vía para conectar con las personas, reactivando el sentido de pertenencia y comunidad. También ha participado en numerosas exposiciones colectivas, su obra se puede encontrar en países como Italia, Brasil, Colombia o México.

En su exposición, ‘Caverna’, la inestabilidad de un mundo al revés, está en el borde de lo real y lo imaginario. Lugares de valores abatidos, la inquietud de una sociedad ansiosa por el futuro con preguntas difíciles de responder, que conlleva la destrucción y degradación del paisaje.

Cavernas y yacimientos olvidados, que construyen el paisaje y patrimonio de nuestras islas, a veces ocultados, saqueados y destruidos por falta de sensibilidad, la llevan a exponer la parte vulnerable de la sociedad. Para la artista el significado es incierto, lo que provoca tantas preguntas como respuestas. Una visión del caos, muerte con fragmentos y sensación de horror, el disgusto con una creciente impotencia de un mundo caótico. Con una narrativa “no resuelta” que genera tensión, que coincide con la apuesta desesperada de hoy en el futuro.

Las principales líneas de trabajo de Josefran Santana (Gran Canria, 1978) .se sitúan en la permanencia o incapacidad de permanencia de las cosas, la pérdida, la identidad de la memoria del sujeto u objeto, la clasificación entre verdadero o falso, que construye nuestro contexto y nuestra identidad.

Lo que queda de la huella. Josefran Santana
Lo que queda de la huella. Josefran Santana

Bajo esta última premisa, “me cuestiono hacer un análisis inverso de la imagen. Una imagen negativa, a modo de imagen fallida. La sensación de una materialidad inactiva, vaga, indiferente, un desvanecimiento del contexto, que ilusoriamente se nos presenta oculto, invisible, inmaterial”, apunta Santana.

El artista a modo de huella, cartografía los desperdicios que desde su estudio se generan, las acciones que se van sucediendo en ese espacio minúsculo que lo rodea. Con el convencimiento de creer que la imagen siguiente será mejor, y, por consiguiente, la imagen verdadera estará por llegar. En el proyecto surge la necesidad de momentos visuales rápidos e improntas del contexto, que en algunos casos terminan por la dispersión de la imagen, una copia que se pierde en o se fuga tras su repetición o calco, su desvanecimiento.

La idea en un principio se basa en cartografías de mapas imaginarios, pero tras la persecución en busca de un orden aparentemente visual, este desaparece en pro de un caos metodológico. “Utilizo como proceso de trabajo la impronta, el garabato, la dispersión o vertido de la tinta, así como todo aquel elemento que se genera y se acumula desde el trabajo diario. Lo que me permite crear mapas des-localizados desde el descontrol técnico y conceptual del no hallar una frontera localizada, sino más bien como cartografías sin resultados finales, quedando todo el proceso sin terminar, en un boceto, en una imagen sin codificar, en imagen no válida” explica el artista.

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