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El Instituto Canario de Seguridad Laboral celebra sus 20 años con una exposición itinerante que recorrerá Canarias

20 años del Icasel

La consejera de Economía, Conocimiento y Empleo, Carolina Darias, reconoce el “importante trabajo” del personal del instituto para la mejora de las condiciones laborales en miles de empresas del Archipiélago.

La consejera de Economía, Conocimiento y Empleo, Carolina Darias San Sebastián, y el director general de Trabajo, Alejandro Ramos Guerra, inauguraron este martes, 15 de octubre, la exposición organizada con motivo del vigésimo aniversario del Instituto Canario de Seguridad Laboral (Icasel), una muestra que hace un recorrido por algunas de las publicaciones más relevantes del instituto a lo largo de estas dos décadas, entre ellas carteles, manuales y folletos publicados, así como materiales audiovisuales. La exposición estará abierta al público en el hall del Intercambiador de Transportes de Santa Cruz de Tenerife, de manera ininterrumpida, hasta el próximo 14 de noviembre. A partir del 19 de noviembre se trasladará a Las Palmas de Gran Canaria, donde permanecerá un mes. Para 2020 está previsto que pase por el resto de islas.

En el acto también estuvieron presentes el director del Icasel, Elirerto Galván; el jefe de la Inspección de Trabajo en la provincia de Santa Cruz de Tenerife, José Trasobares, así como representantes del Cabildo de Tenerife y del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, entre otras personas.

En su intervención, la consejera reconoció el “importante trabajo” que lleva a cabo el personal del Icasel, un instituto que en sus años de historia ha asesorado a miles de empresas canarias en la mejora de las condiciones de trabajo, formando a decenas de miles de personas trabajadoras en las diferentes materias relacionadas con la prevención de riesgos laborales. “El Gobierno de Canarias se ha propuesto avanzar en un modelo de crecimiento económico equitativo y sustentado, entre otros aspectos, en unas condiciones de trabajo decentes”, señaló Darias, para lo que resulta fundamental, a su juicio, impulsar “la mejora de la seguridad y salud de las personas trabajadoras, contando en todo momento con la complicidad de los agentes económicos y sociales”.

“Queremos seguir avanzando en la mejora de la calidad de vida de los trabajadores y trabajadoras en el ámbito laboral y los datos positivos de la primera mitad de año son un acicate para seguir trabajando en esta línea, por un trabajo digno y decente”, afirmó.

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Diecisiete artistas responden al interrogante ¿Oriente es Oriente? en las salas Cabrera Pinto de La Laguna

Pura Márquez. La puerta de la India.

La exposición colectiva, comisariada por Gopi Sadarangani, se inaugura este sábado 21, a las 12:00 horas, en el espacio del área de Cultura del Gobierno

Las salas Cabrera Pinto de La Laguna abren su espacio a la participación de 17 artistas, canarios, nacionales e internacionales que responden con sus obras a la pregunta ¿Oriente es Oriente?. Una muestra que se inaugura el sábado 21, a las 12:00 horas, permaneciendo abierta al público hasta el 27 de octubre

¿Oriente es Oriente?, bajo el comisariado de Gopi Sadarangani, invita desde la mirada artística a revisar y situar la antropología de lo imaginario, arquetipos e imágenes en Occidente que describen una geografía, partiendo del principio de la incertidumbre. A juicio de su comisaria, “el pensamiento occidental se ha embelesado con el misticismo oriental y la humanística de occidente se ha visto obligada a recurrir a modelos ajenos como el hinduismo, taoísmo u otros, hasta configurar constelaciones de sentido que posibilitan la aproximación a las ficciones más diversas”.

Los artistas incluidos en la muestra son: Fernando Álamo, Sema Castro, Idaira del Castillo, Naia del Castillo, Jiri Dokoupil, Curro González, Laura González, Magüi González, Hildegardh Hahn, Jesús H. Verano, Pepe Herrera, Juan Hidalgo, Zhang Huahn, Ángel Marcos, Pura Márquez, Shirin Neshat y Santiago Palenzuela, abordando el mestizaje y transculturalidad como prácticas habituales en el arte, además del modo en que se ha construido el imaginario oriental con elementos como el hedonismo erótico, el misticismo, la fuerza del color o la armonía con la fauna y la naturaleza.

La comisaria se propone una indagación sobre la construcción simbólica de un ideal identitario y exótico reuniendo esculturas, vídeos, instalaciones, pinturas y fotografías para “señalar e interrogar a los artistas que, desde nuestro ámbito occidental, responden a ciertas cuestiones y miran al mismo lugar que los creadores orientales”, indica Sadarangani.

El arte indio es producto de una mezcla de manifestaciones culturales, – hinduismo, budismo, islamismo, cristianismo -, que se encuentran asentadas en la Antigüedad y tienden a la sacralización simbólica de todos sus elementos. “Este rasgo es distintivo del arte indio desde sus orígenes en su afán por integrarse con la fauna y la naturaleza como adaptación al orden universal, colándose en el imaginario de artistas de la India actual”, añade la comisaria

La arquitecta Magüi González parte de lo tangible para mostrar la penetración de oriente y exhibe una cartografía de la distribución de bazares de la colonia hindú en la capital grancanaria. Otros artistas prefieren la vía el misticismo religioso, como Dokoupil que expone ocho retratos de buda pintados con humo; Sema Castro, presenta esculturas totémicas y rítmicas; Fernando Álamo, dos polípticos en los que entrelaza la sensibilidad oriental a los símbolos religiosos cristianos; Jesús H. Verano, representa en una instalación lo divino y lo invisible, y el artista chino Zhan Huahn, aparece en una foto pendulando desnudo dentro de una bola humeante en la plaza del Obradoiro a modo botafumeiro humano.

Jiri Dokoupil. Buda con agujeros. Humo de vela sobre madera
Jiri Dokoupil. Buda con agujeros. Humo de vela sobre madera

La religión centra el vídeo de la prestigiosa artista iraní Shirin Neshat. La musicalidad mántrica se cuela en el mural de Laura González. Un tema que también aborda Santiago Palenzuela en una serie de retratos femeninos rotos por el fuego que presenta junto a un elefante hecho de lienzos. La naturaleza invade la fotografía de Pura Márquez, con unas espectadoras vestidas con saris. Prendas que han servido a Idaira del Castillo para indagar sobre la fuerza del color a través de una instalación.

El cromatismo y la intensidad de Oriente están en las obras de José Herrera y Juan Hidalgo, y Hildegard Hahn expone sus grafías orientales pintadas sobre piedras blancas, Curro González explora la fuerza erótica sublimada en el Kama-sutra y Naia del Castillo retrata en a una mujer, cubierta de perlas, atrapada por el arquetipo de la seducción.

 

 

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Raúl Artiles, uno de los jóvenes talentos del arte en Canarias, inaugura en la SAC ‘I was here’

Exposición Raúl Artiles en la SAC

La muestra se abre al público este viernes, 13 de septiembre, a las 20:30 horas, y se podrá visitar hasta el 25 de octubre

Raúl Artiles forma parte de la nueva generación de artistas del Archipiélago, cuya obra se inicia en el ámbito de la pintura y en los últimos años a través del dibujo, una disciplina en la que sobresale por su calidad técnica y por la solidez de sus propuestas estéticas. La Sala de Arte Contemporáneo presenta sus últimos trabajos reunidos bajo el título, ‘I was here’.

Para Raúl Artiles la sociedad está compuesta por fragmentos desorganizados, estériles, violentos, superficiales, improvisados, inestables y no auténticos. En este sentido argumenta que, “la expansión empírica e ideológica de la sociedad moderna está íntimamente relacionada de diferentes modos con el ocio de masas, en especial con el turismo internacional”. Por ello, concibe la atracción turística como estructura representativa de la conducta del mundo contemporáneo y sus variantes. Adopta la estética del souvenir como estrategia y la pintura y el dibujo como medio, perfilando un mapa para orientarse a través de imágenes que pretenden poner en cuestión el tejido de la vida ociosa del individuo y su escenario político. La isla, la identidad, el paradigma del paraíso, lo resbaladizo, la liquidez son los puntos de referencia para el artista en ese mapa.

Posterior a la primera generación de artistas de La Laguna, Artiles rompe la imagen para centrarse en escenas fragmentadas que, al redimensionarlas, toman un valor diferente.

Trabaja generalmente en grandes formatos, presentando instalaciones de papeles al carboncillo con los que pretende desarticular la visión académica y decimonónica que adjudicaba al dibujo el rol de obra menor, dependiente de otras disciplinas. Sus obras se despliegan en el espacio cuestionando el modo en que nos aproximamos a las imágenes en la era digital y sugieren una metáfora de la situación económica y política actual, a la vez que insinúan la posibilidad de una salida y un nuevo renacimiento.

Nacido en 1985 en Las Palmas de Gran Canaria, sus impactantes dibujos hablan de la destrucción y de un nuevo renacer, aunque al mismo tiempo tienen un matiz de divertimento y de placer estético.

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El Espacio Cultural El Tanque presenta la monumental instalación Viaje a Saturno de Amparo Sard

Amparo Sard

La obra de la reconocida artista mallorquina puede visitarse hasta el próximo 29 de septiembre

La artista Amparo Sard (Mallorca, 1976) expone desde hoy, viernes 26, en el Espacio Cultural El Tanque, una instalación que responde al dilema de la mirada contemporánea que aúna memoria y reflexión. La propuesta expositiva, Viaje a Saturno, no utiliza la memoria vinculada a la imagen sino a la materia. Y esa materia es la pantalla sobre la que vemos proyectadas las imágenes que cuestionan nuestra forma de mirar.

El trabajo de Amparo Sard es multidisciplinar y habla de cómo la sociedad es incapaz de reaccionar ante las desgracias que vemos día a día en las pantallas, utilizando como soportes esculturas a gran escala en poliuretano, fotografías, vídeos y dibujos. Sard, “deforma imágenes aparentemente superficiales con el fin de hacer reaccionar al espectador y que sienta la angustia, o tensión, que debería tener”, según explica la comisaria del proyecto, Susana Sanz. A su juicio, las tragedias -niños que mueren de hambre, exilios y familias rotas-, son percibidas como si se tratara de una película de ciencia ficción”.

Obra de Amparo Sard
Obra de Amparo Sard

En Viaje a Saturno, Sard proyecta las imágenes del rescate de una patera intencionadamente deformada. “Ahora la pantalla es un órgano monstruoso, una gran mancha luminosa anaranjada que captura la mirada del espectador como un salvavidas lanzado al océano. Es la siniestra arruga en la que se ha convertido la pantalla, el horror de la deformación transferida a las imágenes que vemos proyectadas sobre sus cráteres y las voces desgarradoras que resuenan en el espacio expositivo, lo que nos quiebra el alma”, apunta la comisaria. Esta fractura matérica conecta con nuestra parte más primitiva y humana para hacernos sentir y reflexionar sobre la imagen.

Las palabras del músico de jazz estadounidense Sun Ra sirven de inspiración a la artista para interrogarse sobre la imagen y su percepción. “Las imágenes son instrumentos de poder. Ese poder de crear lo que ahora llamaríamos fake news se hace más patente si cabe con la “democratización” de las imágenes. Cortar y pegar con photoshop, aplicar filtros al hacernos un selfie o subir una storie retocada indica las múltiples posibilidades de manipulación de la imagen en nuestra vida cotidiana”, argumenta la artista.

Amparo Sard ha mostrado en su trayectoria intereses muy diversos: matemáticas, física, música, filosofía. Su obra es multidisciplinar, delicada, obsesiva, a veces inquietante. La continua experimentación con materiales le permiten la expansión de su propuesta artística a gran escala.

Licenciada, doctorada y profesora de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, Master of Art in Media Studies por la New School University de Nueva York. Ha sido galardonada, entre otros reconocimientos, con el Deutsche Bank Internacional y la Medalla de Oro del Gobierno Italiano a su carrera y seleccionada como una de las mejores artistas del mundo del año 2018 para la LXRY list de Holanda. Vive y trabaja entre Barcelona y Mallorca.

Ha expuesto de manera individual en museos como el MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Roma, TEA Tenerife Espacio de las Artes, Es Baluard de Palma, Museo ABC de Madrid: o colectivas como el Irish Museum of Modern Art, White Box de Nueva York, BOZAR Palacio de las Bellas Artes de Bruselas, MMCA Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Korea, Royal Ontario Museum, entre otros. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas como el MOMA de Nueva York, Guggenheim de Nueva York, la West Collection de Nueva York, el MACRO de Roma, el Taylers Museum (Haarlem, Holanda), Artium de Vitoria, Deutsche Bank de Berlín y Nueva York, colección Patricia Phelps de Cisneros, entre otros.

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El Hospital Dr. Negrín acoge la exposición ‘El compromiso científico de Juan Negrín’

Imagen de la exposición que se puede visitar en el hall de Hospitalización

Se trata de una producción realizada por la fundación que lleva el nombre del científico y estadista canario, con motivo del centenario del Laboratorio de Fisiología de la Junta de Ampliación de Estudios (1916-1936)

El Hospital Universitario de Gran Canaria Dr. Negrín, centro adscrito a la Consejería de Sanidad del Gobierno de Canarias, acoge estos días la exposición ‘El compromiso científico de Juan Negrín’, una producción realizada por la fundación que lleva el nombre del científico y estadista canario, con motivo del centenario del Laboratorio de Fisiología de la Junta de Ampliación de Estudios (1916-1936). La muestra se puede visitar en el hall principal de Hospitalización.

Juan Negrín López (Las Palmas de Gran Canaria, 1892- París, 1956) ha pasado a la historia como el hombre que lideró el gobierno de la 2ª República durante los años más dramáticos de la guerra de España, pero también fue un destacado hombre de ciencia. La exposición ‘El compromiso científico de Negrín’ se inicia con su etapa de formación en Alemania para a continuación explicar lo que supuso su renuncia a una carrera personal por el compromiso de contribuir a crear una nueva ciencia en España.

La portada del periódico ABC de octubre de 1934 con una foto a toda plana de Cajal y Negrín; apuntes manuscritos en un cuaderno donde el científico canario diseña la reforma de la carrera de medicina con ideas aún vigentes; fotogramas de una película sobre un experimento en el laboratorio o el plantel de sus profesores en Alemania entre los que hay varios candidatos al Nobel (Ewald Hering fue nominado 16 veces) son algunos de los elementos de la muestra.

La exposición recoge que Negrín formó a 14 catedráticos de Universidad, de los cuales cinco se quedaron en España tras la guerra y nueve marcharon a México y EEUU; entre sus alumnos, además, estuvo el premio Nobel de Medicina, Severo Ochoa. En la muestra se refleja las investigación de la escuela de científicos que formó su laboratorio, así como determinados instrumentos de laboratorio, medicamentos y vitaminas. La Fundación Juan Negrín custodia el legado documental del científico y estadista compuesto por más de 100.000 documentos y considerado una pieza fundamental para completar el puzle del siglo XX español y europeo.

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‘No news, good news’ reúne a siete destacadas firmas de la actual escena plástica canaria en la Sala Cabrera Pinto

Invitación a la exposición No News, Good News

Reúne obra de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Juanjo Valencia y Lena Peñate, y Diego Vites.  Valencia y Peñate actúan también como comisarios de este proyecto, que se inaugura este sábado 20 de julio, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Las salas de arte del Instituto Canarias Cabrera Pinto, en La Laguna (Tenerife) acogen entre el 20 de julio y el 8 de septiembre un nuevo proyecto expositivo: ‘No news, good news’. Se trata de una muestra colectiva que reúne propuestas de siete destacadas firmas del panorama artístico contemporáneo de las Islas y que se abre al público este sábado 20, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Organizada por el CAAM, en ‘No news, good news’ encontraremos intervenciones artística de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Diego Vites y Juanjo Valencia y Lena Peñate Spicer, siendo estos últimos también los comisarios de la exposición, que podrá visitarse en la sala lagunera del Gobierno de Canarias de martes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los fines de semana solo en el horario matinal.

Texto de los comisarios:

‘No news, good news’ da título a un proyecto intersubjetivo que pretende hacer visible los procesos de trazabilidad de las imágenes en las construcciones significantes de los imaginarios.

La capacidad de lectura geográfica de las imágenes de ayer no tiene que ver con las de hoy. Sin duda, los modos de grafía han cambiado. La imagen, devenida como imagen-síntoma, pretende escribir más que inscribirse, no tanto como palabra sino como texto, como parte de un engranaje taxonómico. Para figurar el mundo contemporáneo, se ha vuelto necesario operar en la profundidad: las representaciones comunes ya no corresponden con las experiencias vividas y las imágenes se producen como cálculo de reuniones de información y de construcciones formales.

El acento de este proyecto expositivo radica precisamente en su carácter procesual y cartográfico, en subrayar formas de estudio acerca de la imagen y del diálogo como una construcción mediada por el Otro, tanto para quien la produce como para quien la observa. En su estructura se aborda el trasfondo del archivo, así como el lenguaje historiográfico y procesual. En el estudio de los desplazamientos de la imagen, se pone especial énfasis, incluso de forma utópica, en la deconstrucción del acervo enciclopedista (de hacer figura del síntoma) y de metodologías críticas que ponen en cuestión el proceso de producción de las imágenes. El carácter zetético resulta inherente a sus formas de interrelación.

A la vez que constituyen tentativas de representación, establecen cuestionamientos de cualquier statu quo de representación del mundo y de sus múltiples estados de formalización. Pretenden cuestionar sobre las formas de representación que conforman nuestros imaginarios y gobiernan, por ende, nuestras acciones.

Las obras se transforman en itinerarios que se despliegan en red o superponiendo redes, cuestionando la capacidad de la imagen para representar la realidad o, en cualquier caso, mostrando su opacidad, su imposibilidad irónica de traducir su relación con la representación.

Una manera, como señalaría Georges Didi-Huberman, “de abordar trayectos de pensamiento entre imágenes”.

Juan José Valencia – Lena Peñate Spicer

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La Regenta culmina el ciclo de cine ‘Oriente es Oriente’, con la película homónima ganadora del BAFTA

Fotograma de 'Oriente es Oriente'

El último filme del ciclo se proyectará mañana, viernes 28, a las 18.00 horas, con entrada libre, en paralelo a la exposición ‘¿Oriente es Oriente?’, que puede visitarse hasta este sábado 29 de junio

El Centro de Arte La Regenta ofrece mañana, viernes 28, la reconocida película ‘Oriente es Oriente’ dirigida por Damien O’Donnel, incluida dentro del marco del ciclo del cine que ha organizado vinculado a la exposición colectiva ‘¿Oriente es Oriente?’. Precisamente, hasta este sábado puede visitarse la muestra que ha ocupado la sala gestionada por el Gobierno de Canarias durante los dos últimos meses.

La película cuenta la historia de George Khan, un orgulloso paquistaní, propietario del típico fish and chips inglés. Casado con una británica, gobierna a su familia con mano de hierro para que sus hijos y su hija sean unos paquistaníes respetables, sin tener en cuenta que viven en una localidad británica de Salford en 1971. Pero sus hijos se resisten a caer en la trampa de matrimonios concertados y sólo aspiran a ser ciudadanos de un mundo moderno. El filme fue reconocido por la Seminci (Festival de Cine de Valladolid), así como por los premios de la Academia de Cine Británica y la Academia del Cine Español, entre otros.

‘Oriente es Oriente’ constituye la ópera prima de O’Donnel, algo que destaca el crítico Ángel Fernández Santos: “la sorpresa está más que fundada, porque todo en esta pequeña película coral, hecha con bajísimo presupuesto y altísima autoexigencia, es magistral, desde la escritura hasta la dirección”, matiza, “pasando por la fotografía y por todas y cada una de las composiciones de los 15 o 10 intérpretes, que parecen haber nacido para hacer lo que aquí hacen”.

Damien O’Donnel nació en Dublín (Irlanda) y se graduó en en el Coláiste Dhúlaigh Collage en 1987 en la licenciatura de Comunicación y Producción de Medios. Tras ser cofundador con tres amigos de la compañía discográfica Clingfilms, en 1995 escribió 35 Aparte, un cortometraje que sobre las aventuras y desventuras de unos torpes colegiales en el momento que comienzan en una nueva escuela. Con sólo ese cortometraje. En el 2000 Ayub Khan Din le ofreció la dirección de Oriente es Oriente, la obra que le dará a conocer internacionalmente. Dos años más tarde rodó Heartlands, una película con muy buenas críticas, y Inside I`m dancing en 2004, película que consiguió el Premio del Público en el Festival Internacional de cine de Edimburgo.

Asimismo, O’Donnel ha dirigido numerosos anuncios de televisión galardonados en Irlanda y en el Reino Unido, incluido el programa satírico de televisión The Savage Eye, considerado como el programa de comedia irlandesa más importante de esta época.

Su trabajo se caracteriza debido a sus contantes historias que se entrelazan, con recursos de la comedia, en un contexto dramático y con una temática social que retrata los acontecimientos actuales del Reino Unido y una fotografía naturalista.

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La Regenta ofrece la premiada película india ‘Agua’ en el ciclo de cine de su exposición ‘¿Oriente es Oriente?

La película trata sobre una niña que debe casarse con un viejo moribundo

La sesión será mañana, miércoles 12, a las 18.00 horas, con un debate posterior a cargo de la Asociación Vértigo

Basada en la dura realidad de las mujeres en la India colonial de 1938, en pleno movimiento de emancipación liderado por Gandhi, el Centro de Arte La Regenta ofrece mañana, miércoles 12, la premiada película ‘Agua’, de la reconocida directora Deepa Mehta. Será en el marco del ciclo de cine que ha organizado vinculado a la exposición colectiva ‘¿Oriente es Oriente? ¡’ que exhibe en su sala hasta el 29 de junio. La sesión dará comienzo a las 18.00 horas, con entrada libre, e incluye un debate posterior a cargo de la Asociación Vértigo.

La película cuenta la historia de la pequeña Chuyia, una niña de ocho años, se ve obligada a contraer matrimonio con un anciano moribundo. Cuando este muere, la chica ingresa en una casa para viudas, donde deberá pasar el resto de su vida. La película estuvo nominada a mejor película de habla no inglesa en los Óscar y ha sido reconocida con numerosos premios en festivales de la Academia Canadiense de Cine y Televisión; el Festival Internacional de Cine Asiático Americano de San Francisco; la Seminci de Valladolid o el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York.

Sobre esta historia, su directora y guionista Deepa Mehta afirma que “algunas imágenes se graban en la mente de forma indeleble. Hay una imagen que lleva diez años conmigo, la de una viuda en la ciudad santa de Varanasi en India. Doblada, el cuerpo arrugado por los años, el cabello blanco rasurado, iba de un lado a otro a cuatro patas, buscando desesperadamente algo que había perdido en la orilla del Ganges. Su tristeza era obvia mientras buscaba entre la muchedumbre de peregrinos. Nadie le hacía caso, ni siquiera cuando se sentó y empezó a llorar. La imagen de esa viuda, sentada en cuclillas, abrazándose las rodillas, la cabeza inclinada ante su derrota, se me quedó grabada en la mente y me dio la idea para el guion que, diez años más tarde, se convertiría en Agua”.

Deepa Mehta nació en India (Amritsar, 1950) y se licenció en filosofía en la Universidad de Nueva Delhi antes de emigrar a Canadá. En 1991 produjo y dirigió su primer largometraje, ‘Sam & Me’, con el que ganó la primera Mención de la Crítica en la categoría Camera de Oro del Festival de Cannes. Entre 1992 y 1994 dirigió dos episodios de la serie ‘Las aventuras del joven Indiana Jones’, producida por George Lucas. En 1993 dirigió ‘Freda y Camilla’, con Jessica Tandy y Bridget Fonda y en 1996 inicia su ‘Trilogía Elemental (Fuego, Tierra, Agua)’.

Recibió el Governor General’s Performing Arts Award, como reconocimiento a su trayectoria, y en 2013 fue nombrada Oficial de la Orden de Canadá, el más alto honor civil del país, por “desafiar las tradiciones culturales y sacar a la luz las historias de opresión, injusticia y violencia”.

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El artista Alby Álamo explora la memoria del paisaje canario con su instalación ’24/ 7′ en El Tanque

Exposición Alby Álamo en El Tanque

La propuesta audiovisual específica, de gran formato, cuenta con la colaboración del músico Javier Pérez –Resonance-, y el comisariado de Cristina Anglada. Se abre al público mañana jueves, 23 de mayo, a las 20:30 horas, y se podrá visitar hasta el 13 de julio.

El artista Alby Álamo presenta su nuevo proyecto 24/7, una propuesta audiovisual en gran formato, concebida específicamente para el Espacio Cultural El Tanque, que cuenta con la colaboración del músico Javier Pérez Rodríguez, alias Resonance, y el comisariado de Cristina Anglada. La pieza aspira a situar bajo sospecha los principios de la sociedad del rendimiento a partir del paisaje, desvelando la relación 24/7 que exigimos a la naturaleza.

Alby Álamo explora e interviene el imaginario de la naturaleza, en concreto, del paisaje canario, saqueando sus estéticas derivadas de sus usos funcionales, en clara y directa relación con la dinámica del trabajo en el capitalismo avanzado. La visión romántica y tradicional asociada a ciertos paisajes es retada, proponiendo una nueva imagen que dirige el foco a las consecuencias de los movimientos sociales, económicos y políticos.

La silueta de la musa paradisíaca, sus hojas tropicales y su fruto, es protagonistas del recorrido por los escenarios de la obra. La platanera, producto introducido por los comerciantes ingleses en el siglo XIX, junto a la progresiva instauración de los puertos francos, se transforman en uno de los pilares fundamentales de la economía canaria y en clave del crecimiento económico del archipiélago, que impacta sobre el paisaje de las islas. Además, la incorporación de imágenes de la silueta del distrito londinense Canary Warf, antigua zona portuaria que en los 80 se rehabilitó y hoy en día acoge las sedes de los mayores conglomerados financieros de Europa, forma parte de este juego de asociaciones. Su presencia recuerda a La hilandería de algodón de Arkwright durante la noche de Joseph Wright (1782) que es posiblemente la primera pintura que anuncia la iluminación artificial de la fábrica y advierte el desarrollo racionalizado de una relación abstracta entre tiempo y trabajo, desligada del ciclo y los movimientos lunar y solar.

La pieza de Alby nos acompaña por un recorrido sugestivo que entrelaza asociaciones sin establecer demasiados manifiestos. Asume la crisis que sufren conceptos como la historicidad, la verdad o la objetividad y parece seguir las palabras de Erika Balsom cuando comenta que “dar prioridad al registro de la realidad física puede reavivar la atención que prestamos a las texturas de un mundo que sí existe y en el que todos convivimos. Creer en la realidad es afirmar que habitamos un mundo compartido… reafirmar el poder del cine como ventana, por muy sucios que puedan estar sus cristales…”.

La comisaria, Cristina Anglada describe la instalación como “un sueño vigilado, grabado, extraído y compartido. Nos sumergimos en él a través del murmullo constante e irregular del océano y su golpeteo interno, que nos da la bienvenida. Recorremos a ritmo pausado un tiempo suspendido y lejano en el que se suceden varios paisajes acompañados del sonido que refuerza una presencia remota. El espacio va siendo conformado por varias capas visuales y sonoras”.

El sueño que sueña el final del sueño, el final del tiempo de descanso y el fin de lo humano. Un sueño que ha perdido su sujeto. El fin de aquello que obstaculizaba la productividad y consumo incesante: el descanso, la pausa, la paciencia, la experiencia, lo común y la vulnerabilidad de los ciclos humanos. El triunfo de los ritmos neoliberales del capitalismo tecnológico, manifestado en la expresión 24 / 7.  24 horas, 7 días a la semana. Una construcción humana que no obedece a la relación de la tierra con el cosmosl. El triunfo de lo eficaz, lucrativo, aquello que fomenta el consumo y la producción adoptando la forma del progreso contemporáneo: la implacable apropiación y el dominio del tiempo y la experiencia.

Alby Álamo (Las Palmas de Gran Canaria, 1977) Vive y trabaja entre Canarias y Berlín y es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna. En 2003 obtiene el Diploma de Estudios Avanzados programa interdepartamental Teoría de las artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna. Entre 2004 y 2010 fue miembro del Aula de Cultura y Pensamiento Artístico Contemporáneo de la Universidad de La Laguna y desde 2015 codirige el Project Space Urlaub Projects en Berlín.

Datos

Exposición: ’24/7′

Artista: Alby Álamo

Música: Resonance

Comisariado: Cristina Anglada

Lugar: Espacio Cultural El Tanque.  C/ Adán Martín Menis s/n. Sta Cruz de Tenerife

Fecha: del 23 de mayo al 13 de julio 2019

Horario: de martes a viernes de 17:00 horas.- 20:00 horas. Sábados de 11:00 horas. – 14:00 horas.

Entrada libre

Teaser:

https://www.facebook.com/alby.alamo/videos/2300803549958047/

 

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La artista grancanaria Pepa Sosa inaugura Tempo a contratiempo en la SAC

Obra de Pepa Sosa

La exposición se abre al público mañana viernes 17, a las 20:30 horas, y se podrá visitar hasta el 28 de junio

El tiempo como espacio fijo y ámbito estático por el que transitamos en infinitas rutas centra la nueva producción de la creadora Pepa Sosa, reunida bajo el título Tempo a contratiempo, una exposición que se inaugura mañana viernes 17, a las 20:30 horas, en la Sala de Arte Contemporáneo- SAC-, ubicada en el Parque la Granja, en la Casa de Cultura.

Para la artista, el tiempo es territorio de la memoria y de la imaginación. Habitáculo de lo que ocurrió y de lo que creemos que ocurrirá. Almacén que guarda las pruebas de la gloria y los horrores que fuimos capaces de acometer. Y de los sueños y miedos que somos capaces de imaginar.

La artista con sus obras nos adentra en pasajes desconocidos por los que avanzamos casi a ciegas y llenos de curiosidad. Cartografías mutantes que se improvisan a cada paso. “Somos nosotros los que deambulamos por tiempo y cada generación entrega el testigo a la siguiente, del espacio recorrido. Avanzamos en un ansía continua por descubrir sus confines”.

Pepa Sosa ha abordado un ambicioso trabajo de pintura e instalación. utilizando una técnica mixta de acrílicos, óleos y telas sobre soportes de madera y estructuras metálicas de muelles, que nos adentran en lo desconocido, consientes de que no hay vuelta atrás. “El mar no acaba en el horizonte, el tiempo tampoco. El tiempo es territorio de la memoria y de la imaginación. Un habitáculo de lo que ocurrió y de lo que creemos que ocurrirá. Un almacén que guarda las pruebas de la gloria y los horrores que fuimos capaces de acometer. Y de los sueños y miedos que somos capaces de imaginar”, explica como representación y poética de su pintura. Concluye que, “la vida es un único instante…El tiempo es el instante de Quignard y según Berger, la pintura es la permanencia de un instante”.

Así, Tempo a contratiempo, plantea la actitud conflictiva y despectiva del hombre frente al tiempo, una posición que contrasta con la relación que existe con la naturaleza. “El hombre queda fuera del mundo natural por su guerra contra el tiempo. Colocándose en una peligrosa postura, en contra de sí mismo, al considerar al tiempo su enemigo”, concluye.

La artista, con sus texturas y el uso de las telas, recuerda a uno de sus referentes artísticos, Manolo Millares. “Me parece inmenso” comenta Sosa que, en 2017, recibió el premio de artes plásticas que lleva el nombre del pintor canario y que concede CajaCanarias.

El expresionismo abstracto, con figuras como De Kooning, las incisiones de Lucio Fontana o Howard Hodgkin son otras de sus fuentes.

Pepa Sosa vive volcada únicamente en la pintura. Formada en el ámbito del diseño en la Escuela de Diseño IADE de Madrid, y postgrado en diseño y arquitectura interior por la Royal Academy y Central Saint Martins. Además, ha recibido formación en Mahaju y Pleates en la escuela de Janica Jaeger en Malasia y tinturas naturales en Seúl, Corea, siendo alumna de Takumasa Ono, maestro de nihonga sobre seda en Londres.

Desde 1995 participa en exposiciones colectivas e individuales en espacio S/T de Las Palmas, CAAM de Las Palmas de GC, Ateneo de La Laguna, Circulo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife, galería Flow (Londres), Electrum (Londres), Centro de Cultura de Coimbra (Portugal), galeria The Makers (Madrid), galería Mad is Mad (Madrid) galeria Atalante (Madrid).

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