Logo del Gobierno de Canarias

‘Armonía abstracta’ de Luisa Urréjola: el triunfo del color llega a las salas Cabrera Pinto de La Laguna

210122_Cultura

Se trata de un itinerario expositivo sobre su trabajo en las dos últimas décadas que podrá visitarse del 23 de enero al 14 de marzo

El Gobierno de Canarias presenta en las salas de arte del Instituto de Canarias Cabrera Pinto la exposición ‘Armonía abstracta’, de la artista Luisa Urréjola, que podrá visitarse desde el sábado 23 de enero hasta el 14 de marzo. Muestra el trabajo pictórico en la línea de la abstracción con piezas que corresponden a distintas etapas, realizadas sobre diferentes soportes no tradicionales. En ellas conviven formas orgánicas y geométricas, en una constante búsqueda de recreación de espacios irreales, de superación de los límites de la propia forma, donde el color se convierte en eje principal de la obra.

Urréjola explica que esta retrospectiva ofrece las claves de su trayectoria en los últimos años, trabajados en diferentes materiales como metacrilato, metales e incluso formica. “El color es muy importante en mis piezas y les invito a experimentar esa emoción cromática”.

Luisa Urréjola (Las Palmas de Gran Canaria, 1965) nace en la década en la que se desarrolla la tendencia pictórica de la Nueva Abstracción, cuyo origen se conecta con las experiencias abstractas de las vanguardias y las corrientes no representativas que siguen al informalismo y el expresionismo abstracto.

Luisa Urréjola
Luisa Urréjola

Es ahí, en el espacio no referencial de la pintura, según escribe la comisaria Mª Carmen Rodríguez, “donde la creadora encuentra su modo de expresión. Una necesidad agridulce que le brinda hallazgos en el color, las formas y la materia, y que articulan una suerte de intriga visual que sobrepasa los límites de la bidimensionalidad y la contención de los rígidos márgenes del soporte. Su riguroso trabajo formal, sus sutiles soluciones estéticas, coexisten con el alcance poético y conceptual de su representación de la abstracción”.

La selección de piezas que se muestran en el Cabrera Pinto supone una reflexión activa sobre su proceso plástico desde 2003 hasta la actualidad. Luisa Urréjola explora la pintura abstracta con una variedad de tonos y temperaturas y el vocabulario de un lenguaje visual propio. “Un camino sinuoso de derivas y reencuentros de formas geométricas irregulares, planos, superposiciones, transparencias y ocultamientos” describe Hernández. Espacios cromáticos de diferente trama y saturación, que se ordenan y gravitan en obras de pequeño formato y que, en los últimos tiempos, se unen para conformar amplios murales que aumentan su dimensión o incluso intervienen en los espacios arquitectónicos propuestos.

A juicio de M.ª Carmen Rodríguez, la obra de Luisa Urréjola “cautiva y tienta a renunciar a esa primera impresión plana. Una vez crucemos el umbral, nos daremos cuenta de que nos hallamos ante un cálido abismo conformado por capas cromáticas diversas, asimétricas y superpuestas, que nos invitan a mirar desde arriba, y que nos trasladarán hasta donde queramos llegar”.

‘Armonía abstracta’ llega al espacio expositivo lagunero después de haber sido expuesta en el Centro de Arte la Regenta. La artista reconoce el ‘diálogo’ de la obra en el nuevo espacio’. ‘Resulta una experiencia interesante comprobar esta interacción, por un lado las pinturas fueron creadas a partir de materiales no convencionales y eso crea un contraste con la arquitectura del Cabrera Pinto. Aporta otro carácter a la obra’.

Licenciada en Bellas Artes, comienza sus estudios en la Universidad de La Laguna en 1983, finalizándolos en la Universidad Politécnica de Valencia en 1988, donde además realiza los cursos de doctorado en la especialidad de Grabado y Estampación. Cuenta que se siente ‘agradecida’ porque su obra pueda llegar a otras islas, y en este caso, a la ciudad donde comenzó como una joven estudiante de arte.

Su pintura se sitúa desde siempre en el campo de la abstracción. La búsqueda de soportes no habituales es una constante que le dirige a reforzar la intención creativa en sus proyectos. En sus obras, se conjugan geometría y formas orgánicas, componiendo un orden espacial en el que el color conduce al espectador, llevándolo a superar los límites de la propia obra.

Su trabajo está presente en la colección del CAAM. Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria). Entre sus exposiciones individuales destacan: ‘Mirada al interior’. Sala de Arte del Gabinete literario (Las Palmas de Gran Canaria, 2011); ‘EX petra in gravitas’. Fundación Mapfre Guanarteme (Las Palmas de Gran Canaria, 2007); ‘Globe art Praxis’. Europáische produzenten galerie (Göttingen. Alemania, 2006). Forma parte del primer “Circuito Insular de Artes Plásticas” (Las Palmas de Gran Canaria, 2005), ‘Naturaleza Líquida’, San Antonio Abad (Las Palmas de Gran Canaria, 1993). Además, ha participado en numerosas exposiciones colectivas siendo las más recientes: ‘Visiones del Arte Contemporáneo en Canarias’, Casa de la Cultura de Lanzarote (2017) y ‘Boliches – Marbles’. Centro Atlántico de Arte Moderno-CAAM (Las Palmas de Gran Canaria, 2018).

 

Etiquetas

Yosi Negrín muestra en el Espacio Cultural El Tanque ‘Zona Cero, Cenotafio Digital’

Obra de Yosi Negrín

La instalación inmersiva e interactiva se podrá visitar desde el sábado 23 de enero al 27 de marzo.

En Zona Cero, la idea del cenotafio dialoga con el edificio que un día fue depósito de petróleo, huella del patrimonio histórico industrial de la ciudad. Incluye la instalación sonora creada por Pedro D. Sáiz, una pieza atmosférica inédita que enfatiza el carácter post apocalíptico de este paisaje.

Yosi Negrín (Santa Cruz de Tenerife, 1994) es un artista, arquitecto y comisario cuyo trabajo se centra en la relación existente entre lo virtual y lo real, investigando sobre la construcción de la realidad física en relación con la tecnología y lo digital. En su propuesta artística inmersiva e interactiva, Zona Cero, Cenotafio Digital, que se podrá ver en el Espacio Cultural El Tanque a partir de este sábado 23, construye una arquitectura de excepción por medio de la búsqueda y conmemoración de la muerte digital de la imagen y del paisaje.

El artista señala que, “la construcción de la Zona Cero surge de la idea de conmemorar a los desaparecidos virtuales: las imágenes pasadas, aquellas dejadas atrás, enterradas y olvidadas en el e-archivo. Con este monumento de muerte, este cenotafio, se conmemora y honra la ausencia de la imagen digital. Una ausencia generada por su propia superproducción y abundancia. El “cenotafio” es una tipología arquitectónica simbólica de voto o promesa en honor de ilustres difuntos, cuyos cadáveres están demasiado lejos como para enterrarlos o, directamente, se han perdido. En este caso, los cuerpos muertos son aquellas imágenes de infinidad de paisajes que se han desmaterializado en internet y que se almacenan físicamente en desiertos o glaciares, bajo arquitecturas robotizadas, oscuras y refrigeradas”, indica.

En Zona Cero, la idea del cenotafio conversa directamente con el edificio, que un día fue depósito de petróleo. El Tanque es una huella del patrimonio histórico industrial de la ciudad, un esqueleto superviviente y reconvertido, de lo que sería un espacio estriado y degradado de la costa de la capital tinerfeña. La Zona Cero nos ofrece la posibilidad de repensar la relación que tienen los espacios dedicados al arte con los restos de nuestro pasado, así como con los restos que generamos para el futuro, ya sean digitales o físicos. “El museo, los espacios que consagramos al recuerdo mediante el afán de recolección, se convierten en una especie de cementerio mediante la acumulación. Las piezas del pasado son pequeños gestos, ya muertos, que se conservan con la esperanza de obtener un recuerdo de lo que fue en el futuro”, a juicio de Negrín.

La estructura principal de Zona Cero es una gran esfera a la que pueden acceder los espectadores, colocada encima de un coche en ruinas. En esta esfera, una cámara 360º graba su imagen en tiempo real para incluirla dentro de la proyección presente en la enorme pantalla de la sala. Esta proyección es el otro gran elemento de la instalación, en la que vemos canteras de piedra, embalses, tanques; naturalezas que surgen de la propia conversión geológica del territorio canario hecha por el humano. Es en este gran panorama donde se almacenarán, de manera secuencial y continuada, el rastro de todos los visitantes que entren en el cenotafio digital. Así, la imagen de cada persona habitará estos paisajes deshumanizados, haciendo que la instalación varíe a lo largo de las semanas, fluctuando y registrando en la pantalla todos los visitantes que pasen por allí.

Además, toda la Zona Cero se encuentra acompañada por la instalación sonora creada por Pedro D. Sáiz, una pieza atmosférica inédita que enfatiza el carácter post apocalíptico de este paisaje. Como adición a esta experiencia inmersiva instalativa, el día de la apertura, la instalación se activará con una performance continuada, a través de varios cuerpos anónimos y foráneos que pasean desorientados por el espacio. La exposición será también visitable en red a través de la plataforma Twitch, ofreciendo la oportunidad de seguir el camino que tome el proyecto hasta su clausura, ampliando la manera de entender la experiencia artística más allá del espacio expositivo.

En Zona Cero, Cenotafio Digital, naturalezas vivas y muertas conviven con maquinarias, automóviles, pantallas, restos agrícolas e imágenes producidas por inteligencia artificial tratando de recrear nuestras ruinas del futuro. El Tanque se convierte así en un cementerio cuyo recorrido inmersivo e interactivo a través de arquitecturas de carácter funerario y mitológico pretende despertar estas mismas sensaciones desoladoras: un paisaje abandonado del futuro, un archivo físico y digital de lo muerto. Mediante los distintos elementos que componen la instalación, vegetales y maquinarios, se reconstruye este paisaje apocalíptico del futuro.

DJI_0010_Moment7b
DJI_0010_Moment7b

Yosi Negrín (Santa Cruz de Tenerife, 1994) es un artista, arquitecto y comisario cuyo trabajo se centra en la relación existente entre lo virtual y lo real. Su obra investiga la construcción de la realidad física mediante nuestra relación con la tecnología y lo digital. Ya sea mediante el vídeo, la instalación o la creación de imágenes artificiales generadas por él mismo, Negrín emplea diversos medios artísticos para construir paisajes que ponen en cuestión lo real. Su trabajo se centra en el estudio del mapa digital y físico, así como en las meta-narraciones creadas por los mismos que damos por válidas en nuestro día a día. En su trabajo más reciente, el artista pone en cuestión cómo la tecnología moldea no solo nuestra visión de lo real en el presente sino también de lo que creemos posible en el futuro. Entre las exposiciones más recientes en las que ha participado destacan Aragon Park, Madrid (2020); 10 segundos, 20 artistas, Madrid (2020) o Swatch Cities Madrid, Madrid (2018). Asimismo, Negrín es uno de los creadores del proyecto de exposición itinerante Casa Antillón, entre cuyas exposiciones cabe resaltar Casa Antillón, Madrid (2018) y Solo show. casaantillón x casabanchel, Madrid (2019).

 

Etiquetas

‘La permanencia del objeto’ o el diálogo de los materiales como obra de arte

201126_Cultura

El Centro de Arte La Regenta abre la exposición de la artista en residencia María León, que se podrá visitar hasta el 16 de enero

La escultura y la fotografía son los soportes principales de esta enigmática y selecta muestra de arte contemporáneo

El Centro de Arte La Regenta abre este viernes 27 de noviembre ‘La permanencia del objeto’, de la artista en residencia María León. La creadora extremeña, actualmente residente en Berlín, fue seleccionada por este espacio para desarrollar un proyecto propio a través del Programa Internacional de Residencias Artísticas. La presente muestra es el resultado de la inmersión creativa experimentada en el centro a lo largo del último mes, en la que utiliza la escultura y la fotografía como principales soportes de esta enigmática y selecta propuesta de arte contemporáneo.

La exposición se podrá visitar hasta el 16 de enero, si bien La Regenta ofrece la posibilidad de hacer un recorrido guiado en compañía de la propia artista. Será el propio viernes 27, entre las 19.00 y 21.40 horas, en un total de 8 grupos y con una duración de 20 minutos cada uno, para lo cual es necesaria la inscripción previa a través de la web del Centro de Arte La Regenta: www.la regenta.org

Hoy, la artista ha presentado su proyecto a los medios de comunicación y ha dado algunas de las claves sobre el planteamiento intelectual del mismo: ‘me inspiré en el concepto de permanencia del objeto de Jean Piaget —psicólogo constructivista suizo— para crear una serie de obras que plantean cuestiones en torno a la materialidad y temporalidad de los objetos’, comenta la artista. La ‘permanencia del objeto’ en cuestión es la habilidad que adquieren los bebés a partir de los 6 meses de comprender que los objetos siguen existiendo, aunque no sean vistos, oídos o tocados por ellos.

Obra de María León
Obra de María León

El uso del diálogo entre objetos como representación artística es constante en la obra de la artista visual. “Suelo trabajar con materiales con una temporalidad muy concreta: materiales muy efímeros o muy duraderos” declara León. La artista califica su estancia y proyecto en el Espacio de Producción como “muy fructífero”, dado que ha logrado establecer en este mes una línea de investigación que, confiesa, le dará pie a futuras producciones.

Escultura y fotografía son los formatos principales de esta muestra de arte contemporáneo. Cada una de las fotografías lleva por título el número de segundos que tardaron las velas que aparecen en ellas en derretirse. “Elegí el segundo porque es la unidad mínima de tiempo, parece que corresponde más a un tiempo geológico que a un tiempo humano”. La escultura ‘Sublimación inversa’, nace de la idea del paso de lo sólido a gaseoso y fue creada a partir de los cables naranjas que generalmente conectan con las botellas del gas butano, y alambres” explica.

La apertura de la exposición estará acompañada de un encuentro con la artista, quien explicará cada una de las obras exhibidas. Dicho encuentro se realizará a través de diez pases y con un aforo no superior a nueve personas en cada uno de ellos.

Etiquetas

La artista Silvana Solivella expone Nusquam en el Centro de Arte La Regenta

Una de las obras que integran la exposición

Incluye su obra reciente con múltiples soportes y técnicas, desde el 2 de octubre al 7 de noviembre. El ingrediente salino marca una inflexión en su producción actual por su valor simbólico y plasticidad

El Centro de Arte La Regenta acoge, entre el 2 de octubre y el 7 de noviembre, la primera exposición individual en Canarias de la artista Silvana Solivella, Nusquam. De origen español y afincada en Suiza, su trabajo explora la riqueza intrínseca de su doble pertenencia cultural en sus estudios de Alicante y Lausana, lugares de investigación y encuentro. Su trabajo se articula en torno al origen, el tiempo y la identidad, nociones universales que atraviesan toda su obra.

NUSQUAM, incluye sus obras más recientes, con múltiples soportes y técnicas: instalación, escultura, vídeo, dibujo y pintura. La evocación de la naturaleza es un elemento fundamental, tanto en sus composiciones pictóricas como en los ensamblajes que produce a partir de la petrificación de cristales de sal. A lo largo del recorrido la artista nos invita a reflexionar sobre los orígenes, la memoria y la identidad, y su incidencia en un entorno transmutado, un no lugar, NUSQUAM. “Uno de los aspectos esenciales de mi obra reciente es la elaboración en torno a los materiales y la posibilidad de transmutación de los mismos. Mis objetivos y búsquedas conceptuales se adentran en el tema de las raíces y la transmisión de éstas a un entorno transmutado, tal vez irrecuperable”, comenta.

El ingrediente salino marca un punto fundamental de inflexión en su producción actual, al mismo nivel que otros componentes de su obra: “me interesa tanto por su valor simbólico como por su plasticidad. En este sentido la petrificación salina es clave pues captura precisamente esta materialidad del tiempo, comprimido en el proceso de cristalización”.

Las piedras de sal, injertadas en burbujas de cristal soplado y las estructuras construidas con tutores de rosales salinizados, evocan un jardín marino de rasgos gráficos recurrentes. En él germinan plantas acuáticas que se expanden; malezas, algas o corales en ramificaciones que se engarzan con corchos circulares, marañas de redes o enredaderas.

En esta muestra presenta también SAL, un libro de artista, que se alimenta tanto del presente y de la memoria como del tempo del mar y la larga espera de la salificación. La costra de sal viva que lo recubre da cuenta de esas dos cronologías, tan dispares, y embalsama, en su brillo níveo e imperturbable, la fugacidad de la experiencia. En las páginas selladas del libro están sus propias imágenes y una serie de textos inéditos de la poeta canaria Verónica García.

Sobre SAL, Soliviella explica que, “estamos ante un libro que ya no puede leerse, que ya ha sido sellado por el mar y cuyos contenidos sólo pueden ser adivinados, intuidos, como un oráculo. Lo mismo ocurre con la costa levantina de mi infancia, en cuyas aguas se ha forjado este libro, transmutada por la especulación inmobiliaria, de la que solo quedan hoy las imágenes selladas de la dicha”.

SAL, el libro, presencia que trasciende su propio contenido, se presenta al público dentro de una vitrina. Distancia que responde no solo a su propia preservación a largo plazo, sino también, a su inevitable soledad en cuanto objeto que se alimenta más del olvido y de la nada que del recuerdo. “Nada hay más perdurable que el olvido, y este libro es, en cierto modo, su forma y su metáfora”.

Silvana Solivella (Ginebra, Suiza, 1964)

De origen español y afincada en Suiza desde los años noventa, Silvana Solivella es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia. Su trabajo se articula en torno al origen, el tiempo y la identidad, nociones universales que atraviesan toda su obra. Lejos de cualquier demarcación, la artista explora distintos campos, que van desde la poesía hasta la antropología, pasando por la historia del arte y su propia historia personal, con la finalidad inequívoca de evitar cualquier atavismo que pudiera entorpecer su práctica y su búsqueda.

A lo largo de su carrera artística, su compromiso con las relaciones humanas es evidente; sus éxitos profesionales van a la par de sus encuentros personales. En este sentido, el proyecto de mecenazgo cultural que emprende con la manufactura relojera Vacheron Constantin Le Temps miroitant, El tiempo iridiscente, los proyectos de carte blanche que desarrolla con el estudio Interior Design Philosophy (IDP) de Jorge Cañete y sus colaboraciones con Atelier Abanico son algunas de las fructíferas relaciones que han favorecido la materialización de proyectos a los que se siente profundamente ligada.

Solivella ha presentado su trabajo en numerosos museos, galerías y fundaciones de arte. Entre sus exposiciones individuales destacamos Lisboa crepuscular, en Espace Culturel Assens (2005, Assens, Suiza); Le temps miroitant, en Manufactura de Vacheron Constantin (2007, Ginebra, Suiza); El ala de la sombra, en Château d’Hauteville, comisariada por J. Cañete Saint-Légier (2012, Suiza); Apariciones,en Fundación José Saramago, Casa dos Bicos (2014, Lisboa, Portugal); Courants d’eau, courants d’air, en Espace Culturel Assens (2015, Assens, Suiza); El Gabinete del silencio, en ChArt-reuse, La Cartuja de la Lance (2016, Concise, Suiza); De la sal a la mar, en Museo de Arte de Pully (2017, Vaud, Suiza) y Flots, en Galeríe Cdac (2019, Lausanne, Suiza).

Actualmente presenta el proyecto expositivo Myosotis, comisariado por la curadora uruguaya Patricia Bentancur, en la Galería Katapult de Basel en Suiza, cuyo objetivo fundamental es la promoción y difusión del arte contemporáneo latinoamericano en Suiza a través de un programa expositivo e intercambios entre creadores de ambas culturas. También participa en los diálogos entre Daniel Orson Ybarra-Silvana Solivella y la curadora Patricia Bentancur recogidos en el libro Allegra publicado por Pre-textos y que construye a partir de revisar la experiencia de la Fundación Abanico y develar parte de los procesos creativos de los artistas.

A lo largo de su trayectoria ha recibido premios y becas como reconocimiento a su trabajo: Beca de la Fundación de Arte IrèneReymond (1994, Suiza), Primer Premio de la Fundación de grabado Marc Jurt (2001, Suiza), Primer Premio en el certamen de Artes plásticas de Divonne-les Bains (2001, Francia), Beca de pintura de la Fundación de Arte Alice Bailly (2004, Suiza), Mecenazgo cultural de Vacheron Constantin (branch of Richemont Int.SA) (2007), Finalista ddel Premio de Pintura FEMS (2015 y 2020, Lausanne, Suiza).

 

Etiquetas

Habitat para el Espacio Profundo, de la artista Tania García, se exhibe en la Casa de los Coroneles

2200924_Cultura

En paralelo, se muestra Mujeres Nobel de Literatura, un homenaje a las galardonadas con el prestigioso premio en el ámbito de literario

Ambas exposiciones se podrán visitar, entre el 25 de septiembre y el 12 de diciembre, en las salas de este espacio, en La Oliva, Fuerteventura

La Casa de los Coroneles abre al público dos nuevas propuestas expositivas, Hábitat para el Espacio Profundo, individual de la artista Tania García, comisariada por Sonia Cabrera, en la que encontramos su trabajo más reciente, con instalaciones, vídeos y fotografías. En paralelo, se presenta el proyecto Mujeres Nobel de Literatura, un homenaje a la trayectoria vital y profesional de cinco escritoras, de las cuales cuatro de ellas recibieron el Premio Nobel por su obra.

Tania García nos sumerge en un viaje conducido por las reflexiones acerca del sujeto, de cómo construye su identidad y de los múltiples elementos que interfieren tanto en su construcción como en la realidad en la que vive. Las obras de esta exposición presentan el equipaje personal de la artista, invitando al visitante a cuestionarse su equipaje, a plantear los requisitos y necesidades de un mundo nuevo.

La idea de “otros mundos posibles”, apunta la comisaria de la exposición Sonia Cabrera, “ha impulsado la creación de un imaginario que articule la construcción de la vida en un planeta distinto; planteamientos mágicos, científicos y las imágenes más futuristas que rayan lo distópico nos acercan a mundos (im)posibles que abrirán la puerta a vidas futuras”. Esta exposición plantea la necesidad de preparar el hábitat propio, aquel que configura la esencia misma del individuo, aquella que no queremos transformar: ¿cómo afrontamos el viaje exterior desde el espacio interior?

Hábitat para el Espacio Profundo convierte la Casa de Los Coroneles en uno de esos hábitats en los que vamos a depositar lo que llevamos a Marte; objetos que materializan no solo necesidades básicas, también recuerdos, experiencias, símbolos de lo que somos, tratando de empacar la vivencia que queremos perpetuar.

Mujeres Nobel de Literatura, es un proyecto comisariado por Belén Yuste y Sonnia L. Rivas-Caballero, que supone un homenaje de la trayectoria vital y profesional de una serie de mujeres galardonadas con el prestigioso Premio Nobel en el ámbito literario. Supone una oportunidad de despertar conciencias, y conocer la vida de algunas de las mejores escritoras de todos los tiempos.

La exposición presenta un recorrido por la vida de cinco escritoras, de las cuales cuatro de ellas recibieron el Premio Nobel por su trabajo. Además, ofrece información sobre Benito Pérez Galdós con motivo de la celebración del centenario.

Mujeres Nobel de Literatura
Mujeres Nobel de Literatura

Mujeres Nobel de Literatura ha seleccionado para su presentación en la Casa de los Coroneles a Selma Lagerlöf (Suecia), Premio Nobel en 1909; Gabriela Mistral (Chile), Premio Nobel en 1945; Nelly Sachs (Alemania/ Suecia), Premio Nobel en 1966; y Wislawa Syzmborska (Polonia), Premio Nobel en 1996. También, reconoce la trayectoria de Concha Espina, eterna candidata al Nobel, escritora cántabra que estuvo nominada hasta en nueve ocasiones entre 1926 y 1954 por veinticinco nominadores de reconocido prestigio como Gerardo Diego, Jacinto Benavente o José María Pemán, pero nunca logró el ansiado premio. La labor literaria de todas ellas, como estableció Alfred Nobel al instaurar el premio, ha contribuido al bien de la humanidad.

La exposición incluye la recreación del rincón de trabajo de Nelly Sachs y se complementa con material inédito: filatelia y numismática internacional, fotografías, libros, cartas y documentos.

Tania García (Caracas, 1984)

Se crio entre España, Portugal y Estados Unidos, y reside en Santa Cruz de Tenerife desde 2003. Licenciada en Bellas Artes y Máster en Filosofía Cultural y Sociedad por la Universidad de La Laguna, su actividad se ha desarrollado en dos campos interconectados: por un lado su trayectoria como artista, vinculando su obra con lo relacional y por otro su trabajo en la gestión cultural.

Tania García, artista visual
Tania García, artista visual

Entre sus muestras de performance más destacadas encontramos ADA, Festival de Acciones (2008, Oporto); Desórdenes, en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife (2009, Tenerife); 6 Cuerpos, 1º Encuentro Internacional de Performance (2009, Murcia); Arte de Acción, en Octubre Centro de Cultura Contemporánea (2010, Valencia); Festival PAO Performance Art (2016, Oslo); y 5º Encuentro de Performance, Música y Vídeo, Cuerpo a Cuerpo, en el Centro de Arte La Regenta (2019, Las Palmas de Gran Canaria).

Entre sus exposiciones individuales encontramos Inefable, en el C.N. Metropole (2018, Las Palmas de Gran Canaria); Relatos (in)visibles, en la Fundación Mapfre Guanarteme (2016, Las Palmas de Gran Canaria); Tradición forzada, en el Museo Cristóbal Gabarrón (2016, Mula, Murcia); Head in the clouds, en Mary Ward Centre (2011, Londres).

Sonnia L. Rivas-Caballero

Mezzosoprano, musicóloga, pianista, escritora y empresaria, fundó la empresa Rocaviva Eventos S.L.U. en septiembre de 2013, con el deseo de difundir por vías presenciales y digitales figuras relevantes de la historia, y contribuir así al mejor conocimiento de hombres y mujeres que han sido y siguen siendo referentes en diversos campos artísticos, literarios, humanitarios o de investigación. Sus proyectos, de larga trayectoria, han incluido, hasta el momento, a Teresa de Jesus, Maria Skłodowska-Curie y Mujeres Nobel, sobre las que han creado, dirigido y organizado homenajes globales que incluyen exposiciones, conferencias, recitales, lecturas dramatizadas y menús temáticos. Para todo ello ha contado con la colaboración de Belén Yuste, como cocomisaria de las muestras.

Por todos estos trabajos, Sonnia L. Rivas-Caballero ha recibido numerosos galardones. Entre ellos destacan: Medalla al Mérito de la Cultura por el gobierno de Polonia, Orden de las Palmas. Académicas por el gobierno de Francia, Dama de Honor de santa Teresa del Cuerpo de Intendencia del Ejército Español, Medalla a la Excelencia concedida por el Pentágono americano y Premio Adobe de Oro por su aportación al mundo de la Cultura y del Arte.

Belén Yuste

Responsable de Ciencia y Cultura del Hospital Universitario 12 de Octubre de Madrid, ha realizado numerosas investigaciones y modificaciones de técnicas histológicas. Desde 2011 es coordinadora del homenaje español a María Sklodowska-Curie, iniciado con motivo de la conmemoración de su segundo Premio Nobel de Química en 1911. En 2013 organizó con el Consejo Superior de Investigaciones Científicas la exposición Maria Sklodowska-Curie. Una polaca en Paris, basada en su biografía del mismo título, que fue inaugurada en el Museo Nacional de Ciencias Naturales de Madrid.

Es autora de los homenajes teatrales Pierre y Marie Curie: Ellos mismos y Concha Espina. Luz y tiniebla. Ha sido asesora histórica del documental de TVE sobre Santa Teresa de Jesús realizado en 2015 con motivo del V centenario de su nacimiento, así como comisaria de las exposiciones Tras la huella de Teresa de Jesus (2015, Ávila) y Teresa de Jesus. Corazon en Espana, alma en America inaugurada en Casa de América (Madrid, abril 2016).

Ha recibido numerosos galardones, entre ellos destacan: Dama de Honor de Santa Teresa del Cuerpo de Intendencia del Ejército Español (2004), Premio Adobe de Oro (2012), por su aportación al mundo de la cultura y el arte, Medalla al Mérito de la Cultura de la República de Polonia (2013), Cruz del Centenario de Santa Teresa (2015), otorgada por el Cuerpo de Intendencia del Ejército Español, y Orden de las Palmas Académicas por el gobierno de Francia (2016).

 

Etiquetas

Se inaugura la gran exposición del año, ‘Benito Pérez Galdós. La verdad humana’

20200923_Cultura

La muestra sobre el escritor que inventó la imagen moderna del ser humano, se podrá visitar en la Casa-Museo Pérez Galdós desde el 24 de septiembre al 15 de diciembre.

La revista Archiletras Científica se une a la conmemoración del centenario dedicando su nuevo monográfico al escritor canario bajo el título “Galdós, genio innovador”

La gran exposición ‘Benito Pérez Galdós. La verdad humana’ persigue mostrar el mundo en transformación que va forjando la polifacética personalidad del escritor canario (Las Palmas de Gran Canaria, 1843- Madrid, 1920). La muestra, organizada por el Gobierno de Canarias, la Biblioteca Nacional de España, Acción Cultural Española y Cabildo de Gran Canaria, llega a la capital grancanaria tras ser disfrutada en la madrileña Biblioteca Nacional por más de 70.000 personas, para luego desplazarse a las salas Cabrera Pinto de La Laguna, en donde será exhibida en enero de 2021.

La exposición que se abre al público el día 24 de septiembre y se clausura el 15 de diciembre, se encuentra enmarcada dentro de las actividades del amplio programa denominado ‘Canarias, la tierra de Galdós’, dedicado a conmemorar el centenario del fallecimiento del escritor Benito Pérez Galdós, organizado por el Gobierno de Canarias, Cabildo de Gran Canaria y Ayuntamiento capitalino.

El horario de la exposición es de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas y podrá visitarse de manera gratuita, únicamente con reserva previa y guiada. Las personas interesadas en acudir a la misma deben reservar su plaza a través de los teléfonos 928 36 69 76 y 928 37 37 45, de martes a domingo de 10:00 a 12:00 horas y de 16:00 a 18:00 horas.

En la exposición, comisariada por Germán Gullón, catedrático emérito de Literatura Española y Marta Sanz, escritora y Doctora de Literatura Contemporánea, se exhiben cerca de un centenar de obras, entre manuscritos, esculturas, libros impresos, fotografías, primeras ediciones y lienzos, procedentes de los fondos de la Biblioteca Nacional y de las colecciones particulares del propio comisario y del bisnieto del escritor, Luis Verde Muntán.

Distintas autoridades asistieron a la inauguración de la citada muestra, entre ellas Antonio Morales, presidente del Cabildo y Guacimara Medina, su consejera de Cultura; Juan Márquez, viceconsejero de Cultura del Gobierno de Canarias y Rubén Pérez, director general de dicha área; Ángel Martínez, director de Actividades de la Biblioteca Nacional de España; Arsenio Escolar, director de la revista Archiletras; la galdosista Yolanda Arencibia, la directora de la Casa-Museo Pérez Galdós, María Victoria Galván, y el viznieto de Galdós, Luis Verde.

Galdós, hijo predilecto

Antonio Morales, presidente del Cabildo grancanario, adelantó que el último pleno de la Corporación decidió nombrar Hijo Predilecto de Gran Canaria a Galdós, coincidiendo con el Centenario de su fallecimiento (paradójicamente nunca antes se había planteado). Morales señaló que Galdós, al que definió como “el escritor más trascendental de la literatura hispana después de Cervantes”, marca un antes y un después en el discurso de las letras españolas “formulando la regeneración de la España moderna, denunciando las desigualdades y defendiendo las voluntades de la mujer desde los ámbitos de la búsqueda de la igualdad con su escritura luminosa y realista. Galdós fue comprometido con su tiempo y todo ello está recogido en esta magnífica exposición”, advirtió el presidente.

Para la consejera de Cultura del Cabildo, Guacimara Medina, la citada muestra “marcará un antes y un después en la trayectoria de la Casa-Museo Pérez Galdós. Encierra en esencia la filosofía de lo que significó la vida y la obra de este autor universal con múltiples facetas aún por descubrir”, avanzó Medina.

Por su parte, Juan Márquez, viceconsejero de Cultura del Gobierno de Canarias, institución que organiza la muestra, señaló que esta muestra “tiene por objetivo difundir el copioso legado de Galdós dentro y fuera de Canarias, explicando su vida y su pensamiento, así como su aportación al mundo de las letras y de la cultura”. Márquez puso en valor la conjunción de voluntades institucionales que han tenido lugar en la organización de este evento que devuelve a Galdós a la actualidad.

Exposición Benito Pérez Galdós. La verdad humana
Exposición Benito Pérez Galdós. La verdad humana

La muestra, además, se enriquece con la aportación de casi 70 piezas pertenecientes a los fondos documentales de la Casa-Museo Pérez Galdós, entre los que destacan los manuscritos de ‘Marianela’ (1878), ‘Gloria’ (1877), galeradas como las de ‘El Caballero Encantado’ (1909) y objetos personales del escritor, como el gramófono que regaló a Teodosia Gandarias o la pandereta pintada con una marina por él mismo y su paleta de pintor.

Se trata de una exposición ambiciosa, cuya esencia persigue mostrar todas las caras de Galdós y que se centra en su vida y obra, pero, sobre todo, en el contexto que le hizo ser lo que fue, un genio, asegura Germán Gullón. “Todo el mundo ve al escritor en blanco y negro, pero él veía en color y eso he pretendido mostrar, poner a Galdós en color”, comenta el comisario, para quien la muestra propone al público “no solo el retrato de un escritor, sino de un autor distinto, un genio y el hombre más importante hasta 1920 de la cultura española”.

‘Benito Pérez Galdós. La verdad humana’ pretende divulgar la vida y la compleja obra de este insigne canario, considerado unánimemente como el principal renovador de la novela española del siglo XIX, presentando el contexto cultural, histórico y político de la época y ofreciendo diversos trayectos temáticos para trazar un recorrido biográfico y literario del mencionado personaje.

‘Benito Pérez Galdós. La verdad humana’, diseñada por Enrique Bonet, ocupa cerca de la totalidad del espacio del museo dependiente de la Consejería de Cultura del Cabildo grancanario, y ofrece la oportunidad de conocer la evolución del escritor, su contexto y su vida, así como el de las obras y las aportaciones públicas que influirán en una nueva manera de entender la realidad moderna.

Espacios de exhibición

El recorrido comienza en la biblioteca, situada en la segunda planta del citado museo, cuyos contenidos están dedicados a la infancia del escritor vivida en Las Palmas de Gran Canaria; sus tanteos en el arte de narrar; su consagración como novelista y su relación con el arte. En la sala Fortunata y Jacinta nos encontramos con un escritor que evoluciona hacia estilos cada vez más personales y versátiles; con su papel como renovador del teatro español; su familia y sus amores; y con la gran despedida nacional que se le dispensó tras su muerte. El patio nos conecta con la actualidad y la impronta que Galdós ha dejado en la cultura, a través de la exhibición de diferentes carteles de películas basadas en obras del literato universal; y del documental de la directora Arancha Aguirre, en el que podremos escuchar la influencia que el escritor grancanario ha tenido y tiene sobre la obra de seis escritoras y escritores contemporáneos.

La muestra contempla también una selección de obras de diferentes especialistas dedicadas al estudio de Benito Pérez Galdós, como Alfonso Armas Ayala, José Pérez Vidal o Ricardo Gullón; así como las traducciones de títulos como ‘Fortunata y Jacinta’ en chino y japonés, o la versión rusa de ‘Doña Perfecta’.

La principal aportación de Benito Pérez Galdós a la cultura española fue inventar una imagen moderna del ser humano, que superaba la forjada a base de los arquetipos mentales y dualidades predominantes impuestas desde el Renacimiento: razón y corazón, mente y emociones, espíritu y cuerpo.

Estos contrastes habían determinado los vaivenes de un campo intelectual colonizado por esa ideología que hizo prevalecer la superioridad del espíritu (lo noble) sobre el cuerpo (lo innoble) y contribuyó al desequilibrio, personal y colectivo, de la sociedad española.

Pérez Galdós ofreció en sus obras literarias un modelo de ser humano real, verdadero, en sintonía con su contemporaneidad, que a la vez no renunció a la herencia literaria del Siglo de Oro y, muy especialmente, a la del universal personaje cervantino, don Quijote de la Mancha, cuyo poder de imaginación podía doblegar las preocupaciones materiales. Sus quijotes decimonónicos ya no serán hidalgos, sino abogados, empleados, médicos, comerciantes, profesores, maestros, y mujeres admirables.

“Galdós, genio innovador”, el nuevo monográfico de Archiletras Científica

La revista semestral impresa de investigación sobre lengua y literatura, dirigida por Arsenio Escolar y editada por Prensa y Servicios de la Lengua, dedica su número IV a Benito Pérez Galdós. La citada edición se centra especialmente en los aspectos de vanguardia, pionero, experimentador y adelantado a su tiempo del escritor canario. El volumen, titulado ‘Galdós genio innovador’, que estos días llega a quioscos y librerías, ha sido dirigido por Ángel Gómez Moreno (Universidad Complutense) y coordinado por María Ángeles Varela Olea (Universidad CEU San Pablo) y cuenta con los trabajos de muchos de los más competentes galdosianos actuales. El monográfico se ha realizado con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E), el Gobierno de Canarias y el Cabildo de Gran Canaria.

En sus páginas encontramos las firmas de Yolanda Arencibia, Juan Antonio Yeves, Andrés, María Ángeles Varela, Stephen Miller, Julio Peñate, José Luis Mora, Francisco Estévez, Fermín Ezpeleta, Pablo Sánchez Garrido, María Aboal, Dolores Troncoso, Rosa Amor del Olmo, Pilar García Pinacho, Germán Gullón y Luis García Montero.

El conjunto de los trabajos de estos expertos recogidos en el volumen supone una reivindicación profusamente documentada que sitúa a Galdós como un clásico universal de primer orden, al nivel de Tolstoy, Dickens o Balzac. Un clásico atemporal, que continúa dialogando con el lector actual de cualquier lugar del mundo y que sigue influyendo en creadores contemporáneos nacionales e internacionales. Un clásico al que algunos le reprocharon su falta de estilo propio sin reparar en que el suyo, como apuntó Rafael Chirbes, consiste en ocultar su voz de narrador para dar voz a todos los españoles de su tiempo. “Tan genial y modesto es Galdós que nos deja hablar a todos”, escribe Varela Olea en la presentación del volumen.

Etiquetas

El artista zimbabuense, Dion Blake, expone ‘Leave no stone unturned’ en la Sala de Arte Contemporáneo

Escultura de Dion Blake

Alrededor de 50 piezas, en su mayoría esculturas realizadas en los últimos tres años, se reúnen en esta propuesta desde hoy, lunes 14 al 30 de octubre

Nacido en Zimbabwe, Dion Blake trabaja y vive en Tenerife, donde se licenció en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, doctorándose en 2003. Con alrededor de veinte años de trayectoria, Blake presenta en la Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife -SAC- el trabajo de los últimos tres años, así como algunas obras y piezas anteriores que han sido rescatadas y reelaboradas para esta exposición, en la sala dependiente del área de Cultura del Gobierno.

Han sido seleccionadas alrededor de cincuenta piezas, principalmente esculturas, esculturas de pared y pinturas, cuyas técnicas y formatos son variados, aunque la madera reciclada y el cemento predominan. Blake indica que tiene “predilección por el material y por los objetos sencillos y humildes donde lo natural, lo doméstico y lo industrial dialogan para abordar cuestiones relacionados con el espacio y la memoria, y donde conceptos como la frontera y el hogar suelen filtrarse”.

Box (escultura), Dion Blake
Box (escultura), Dion Blake

Durante los últimos años, el artista se ha cuestionado, modificado y repetido como metodología su propio trabajo y su obra como un ejercicio de libertad, como un editor de su propio trabajo y el de otros. “Trabajo de forma seriada e intuitiva, por lo que me resulta de lo más natural volver sobre mis propios pasos para seguir avanzando. Necesito buscar diferentes maneras de plantear o de tratar de abordar una misma cuestión, idea o problema. En este sentido el bilingüismo ha marcado el proceso creativo de una manera más consciente”.

Nacido y criado en el sur de África, pero educado formalmente en Europa, su trabajo está situado entre las fronteras físicas y culturales. “Pinto, fabrico y ensamblo con material variado desechado y recuperado, principalmente madera y cartón. Conceptos como lo lúdico, lo doméstico o la idea de maqueta son una constante en mi trabajo. Cuando jugamos con objetos y palabras hallamos nuevas perspectivas para el mundo y para nosotros mismos; nuevas maneras de enfrentarnos a los problemas y creando quizás nuevas relaciones entre los objetos. Se trata de la habilidad humana para salir de los significados establecidos de las palabras y del orden establecido de las cosas”.

Con alrededor de veinte años de trayectoria, Blake cuenta en su haber con exposiciones colectivas e individuales, entre las que destacan la exposición Poco antes, Poco después, presentada en el Centro de Arte La Regenta (Las Palmas G.C, 1999) y La Granja (S/C Tenerife, 1999) y en Sala Cruce (Madrid, 2000). Ha presentado obra suya en la Feria ARCO, de la mano de la Sala Conca, y en el Foro Atlántico de Pontevedra. Sus exposiciones individuales se han presentado en la Sala Conca (La Laguna), Los Lavaderos (Santa Cruz de Tenerife) y el Ateneo de La Laguna.

 

Etiquetas

Un centenar de esculturas, pinturas y grabados de Alfonso Crujera llena de arte las salas del Cabrera Pinto

'Esfera', una de las piezas que integra la exposición

‘Mundos paralelos 1974-2020’ se abre este sábado 25 en La Laguna con una muestra que reflexiona sobre el territorio

Un centenar de esculturas, pinturas y grabados del artista multidisciplinar Alfonso Crujera llenarán de arte las dos salas del lagunero Canarias Cabrera Pinto. Será a partir del sábado 25 de julio, a las 12.00 horas, cuando este espacio del Gobierno de Canarias abrirá sus puertas al público para mostrar algunas de las obras más significativas de la trayectoria artística de este destacado pintor, escultor y grabador, considerado uno de los integrantes de la llamada ‘Generación 70’ del Archipiélago.

Bajo el título ‘Mundos paralelos 1974-2020’, el artista muestra una obra que continúa su reflexión sobre el territorio, un aspecto esencial en sus creaciones. El proyecto expositivo, comisariado por Antonio P. Martín, se podrá visitar hasta el 4 de octubre en el horario habitual de estas salas siguiendo los protocolos de seguridad y medidas de prevención recomendadas por Sanidad Pública.

Con más de 40 años de experiencia en diferentes disciplinas como el teatro, performance, video, instalaciones, escultura y grabado, Alfonso Crujera ha dedicado toda su vida al arte. En esta nueva exposición, reúne por primera vez un centenar de esas esculturas, pinturas y estampas que ha realizado durante toda su trayectoria artística.   Con esta estructura expositiva se hace un recorrido por su vida como artista, su aportación al mundo del arte y “se brindan algunas de las claves que han marcado su trabajo”, señala el crítico e historiador del Arte Franck González.

La muestra se inicia con la serie ‘Desde el hombre para el hombre’ (1974), una primera reinterpretación del paisaje humano en clave política. Una serie que debe leerse en el marco de los estertores del Franquismo. Su ‘Tríptico de iniciación’ (1978) apunta a lo que serán sus primeras aproximaciones al género del paisaje en 1980. Poco después surgirá su primera propuesta sobre lo sagrado, dando pie a la serie ‘Betilos’ (1988-1998). Ambas líneas de trabajo se encontrarán un año más tarde en la serie ‘Tools’, prólogo de una serie de pinturas -‘Strand’ (1990)- que acabarán tomando cuerpo en estructuras tridimensionales de terracota: ‘Obra solar’ (1992).

A lo largo de estas dos primeras décadas Crujera se adentra en el mundo de la estampa, realizando sus primeros grabados electrolíticos en 2001. En 2002 comienza a realizar grabados electrolíticos cuyo objeto será la Punta del Caletón, dando paso así a la serie de grabados y pinturas que presentará en 2007: ‘LPGC’ Supone ésta una nueva reinterpretación del territorio y del vacío –otra de las claves- de su trabajo- en el que la ciudad y el espacio sobre el que se asienta se convierten en una maqueta sobre la que proyectar luces y sombras. Un año más tarde publica su ‘Manual del grabado electrolítico no tóxico’ (2008), volumen que se publica en inglés -‘Electro-etching handbook’- en 2013 y que se ha convertido en una referencia global. De la impronta de esta técnica hay cumplida cuenta en la muestra con series como ‘Galvanografías”’(2007- 2008) y ‘Grabatos para pasar las horas’ (2008-2019). Cierra esta exposición su más reciente reflexión sobre el territorio y lo sagrado: la serie de lienzos ‘Sacred Place’ (2020)”, adelanta Franck González en la hoja de sala.

Alfonso Crujera (Sevilla, 1951) es pintor, escultor, grabador y ha sido profesor de grabado calcográfico en la Escuela Luján Pérez (1999-2010). Además, ha participado como colaborador en proyectos con arquitectos, músicos, escritores y artistas visuales. También ha expuesto individualmente en las principales galerías e instituciones de Canarias.

Desde 1968 reside en la isla de Gran Canaria, donde tiene su taller, el cual comparte como residencia–taller con artistas visuales que desean iniciarse en el grabado electrolítico en un entorno natural propicio para la creación, al que han asistido artistas de Argentina, Brasil, Canadá, Corea del Sur, Costa Rica, Cuba, España, Estados Unidos, Estonia, Italia, México, Paraguay, Polonia y Reino Unido. De hecho, es reconocido internacionalmente como investigador y difusor del grabado electrolítico (más seguro para los grabadores y el medio ambiente) sobre el que ha publicado el ‘Manual del Gra-bado Electrolítico No-tóxico’ (2008) y una versión ampliada en inglés ‘Electro-etcning handbook. A safe, non-toxic approach’ (2013) que se han convertido en una referencia global. Ha impartido seminarios, conferencias y cursos, y publicado numerosos artículos sobre los procesos electrolíticos en el grabado, entre otros proyectos.

Horario de las salas de arte del Instituto de Canarias Cabrera Pinto: Lunes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los fines de semana solo en el horario matinal.

Etiquetas

La Casa de los Coroneles se llena de color en su reapertura con las propuestas de 19 creadoras

200707_Cultura

El colectivo Tejedoras Subversivas en Fuerteventura presenta la exposición, comisariada por Verónica Silva, Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirada al arte textil. Adela Picón muestra la individual, Still – Life , conjunto de 14 fotografías que reflejan la mirada intimista de la artista

La Casa de los Coroneles, La Oliva, Fuerteventura, retoma su actividad con la apertura de sus salas al público, manteniendo la programación de las exposiciones previstas hasta la declaración del estado de alarma. La reapertura de estos espacios se ha llevado a cabo con plenas garantías para la seguridad de trabajadores y usuarios, aplicando los protocolos que marca Salud Pública.

Este emblemático espacio presenta las propuestas de 19 creadoras. Se trata de dos muestras, la colectiva Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirada al arte textil, comisariada por Verónica Silva, en la que participan 18 firmas; y Still -Life, individual de Adela Picón, con 14 fotografías que reflejan la mirada intimista de la autora, en diálogo con proyecciones en las que los motivos florales y coloridos dominan el escenario. Las exposiciones se podrán visitar del 7 de julio al 18 de septiembre.

La apertura de la Casa de los Coroneles, tras el estado de alarma y la puesta en marcha de las máximas medidas de prevención recomendadas. contó con la presencia del viceconsejero de Cultura y del director general del área, Juan Márquez y Rubén Pérez Castellano, respectivamente, quienes completaron su presencia en la isla con diversas reuniones que tienen como punto de mira la potenciación de este inmueble, como dinamizador cultural de La Oliva y de la isla de Fuerteventura.

Programación de las salas de exposiciones

La colectiva Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirada al arte textil nos adentra en un recorrido dividido en cuatro espacios: Vaginas-feminismo, Placer- Dolor, Ecofeminismo y Feminismo Decolonial, planteando una reflexión sobre la voz femenina y su empoderamiento a través de tejidos, bordados, instalaciones, vídeos y pinturas realizados por este colectivo, reuniendo un total de 31 piezas.

Según su comisaria, Verónica Silva, “el mito de Progne y Filomela ha pasado a la historia como el estandarte revelador de la fuerza comunicativa del bordado. Mientras bordan en colectividad, las mujeres hablan, sus diálogos van quedando entre puntada y puntada; construyendo un reclamo de equidad en una sociedad patriarcal”. Como ya lo hizo Judy Chicago al reivindicar el tejido, bordado y costura, como técnicas artísticas, el colectivo Tejedoras Subversivas en Fuerteventura recupera éstas prácticas y materiales de lo doméstico para trasladarlo a lo público, permitiendo su visibilidad. El colectivo, enfundado en agujas, hilos y telas, aborda la fina línea que reivindica una nueva lectura a los actuales sistemas de valores patriarcales en contextos sociales, políticos y económicos.

Laura Negrín. Sin título. Barbies madera, cristal, lana, hilos
Laura Negrín. Sin título. Barbies madera, cristal, lana, hilos

El espacio artístico de esta propuesta pretende que sus participantes se piensen a nivel grupal, en voz de mujer, para favorecer así el empoderamiento colectivo. Al compartir poco a poco, las mujeres unen lo individual con lo grupal; permitiendo de este modo el fluir de pensamientos, palabras y emociones. Este acto de verse reflejada en otras mujeres es en gran medida terapéutico y empoderador. “Podemos afirmar sin temor a equivocarnos que tejer, coser y bordar no son meras ocurrencias. Tanto en las manifestaciones de mujeres alrededor del mundo como en las piezas de Chicago y Amer, la técnica pasó de femenina a feminista, de lo privado a lo público, de un quehacer decorativo a una práctica artística”, comenta la comisaria.

El bordado y el tejido están revestidos de una utilidad trascendente: provocan placer cuando todo indica que deberíamos sufrir al realizarlos, ahí su potencia. “Lo mismo con el feminismo, cuando deberíamos ser funcionales al patriarcado y al mercado, las mujeres nos organizamos para disfrutar y dar un vuelco epistémico a éstas técnicas ancestrales”, concluye Silva.

Still – Life es el nombre que recibe el conjunto de 14 fotografías realizadas por la artista Adela Picón, que reflejan la mirada intimista de la autora a través de retratos en estudio donde los protagonistas, muestran un diálogo con proyecciones en las que los motivos florales y coloridos dominan el escenario. “Miles de plantas y paisajes, formas y colores inmortalizados en diapositivas dormían en el voluminoso archivo de una vecina suya hasta que, tras heredar esa materia prima, Adela Picón decidió “reciclarlas“, darles una nueva vida, ponerlas en escena.

Proyectándolas en la pared de su estudio fotográfico – o de cualquier otro lugar – estas ilustraciones se convierten en fondos esperpénticos, rocambolescos y poéticos a la vez. Solo queda desear retratarse en esta escena fantástica y participar con la propia artista en un proceso de creación que resulta lúdico además de enriquecedor. La fotografía final propone una composición en que el paisaje dominador acoge y abraza los relieves de los personajes retratados que pueden ser cualquiera de nosotros: individuo, pareja, familia, clase de alumnos o, por qué no, asociaciones enteras. Detrás de estas escenificaciones, la motivación de Adela se centra en integrar personajes dispares por sus orígenes, intereses, oficios, edades, permitiéndoles formar parte de la producción artística, independientemente de lo cerca que estén del mundo del arte. Se trata de un intercambio que quiere ir más allá de la mera presencia en una fotografía, proponiendo una reflexión sobre lo privado y lo publico en el arte.

Fotografía. Adela Picón
Fotografía. Adela Picón

Adela lo explica con sus palabras: “A través de la combinación de diferentes realidades, tiempos y medios surge un palimpsesto en la imagen. Los cuerpos y las proyecciones se superponen, creando visualmente cierta confusión óptica sobre lo real y lo proyectado, acercándose a la imagen manipulada digitalmente. Pero, en realidad, son instantáneas: el registro de un acontecimiento plástico, de una instalación-acción”.

 

Fecha: 7 julio – 18 de septiembre 2020

Lugar: Casa de los Coroneles, Fuerteventura

Still Life

Artista: Adela Picón

Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirado al arte textil. Exposición colectiva

Comisaria: Verónica Silva / Artistas: Lidia Chacón, Greta Chicherri, Rosi Cruz, Laura Gariglio, Naomi Giusti, María de la Peña Gutiérrez, Natalia Maciel, Montse Melián, Laura Negrín, Adelina Padrón, Yasmina Sánchez, Verónica Silva, Laura Squinobal, Mónica Turconi, Sarah Thomas, Penélope Vázquez, Llina Velázquez y Karishma Wadhawani

 

Etiquetas

La exposición ‘El tiempo perdido’ recupera el relato arqueológico de la Tirajana indígena

200630_Cultura

Se inaugura este jueves, 2 de julio, a las 10:30 horas, en el Centro de Interpretación de La Fortaleza de Santa Lucía.

Junto a diez módulos temáticos que explican la ocupación histórica, se presentan cincuenta materiales arqueológicos, algunos expuestos por primera vez.  El proyecto se acompaña de una publicación sobre la evolución histórica y territorial de Tirajana en la que intervienen diferentes profesionales de la arqueología

El Centro de Interpretación de La Fortaleza de Santa Lucía presenta la exposición, ‘El tiempo perdido. Un relato arqueológico de la Tirajana indígena’, que propone una aproximación evolutiva a la ocupación de la zona de La Caldera, apoyándose en los trabajos realizados en el yacimiento de esta zona arqueológica de la isla de Gran Canaria. El proyecto divulgativo se acompaña de una publicación que, en conjunto, revela el significado de espacios y geografías casi olvidadas como los “Riscos sagrados de Umiaya”, Udera o Ansite.

La estructura expositiva se vertebra en diez módulos temáticos que explican la ocupación histórica desde los primeros registros documentados entre los siglos III-IV, a la conquista y colonización de la zona en el siglo XVI. Para ello, recupera el significado de espacios y geografías casi olvidadas como los “Riscos sagrados de Umiaya”, Udera o Ansite. Estos módulos están conformados a partir de dibujos y fotografías, así como de infografías didácticas que permiten conocer de primera mano los trabajos de investigación arqueológica realizados.

Además, la exposición reúne cincuenta piezas de materiales arqueológicos procedentes de los fondos de la colección Sánchez Araña, El Museo Canario, así como aquellos registros recuperados en las diferentes campañas. Muchos de estos materiales serán expuestos por primera vez al público.

La publicación

Por otra parte, la publicación que acompaña a la muestra desarrolla los diferentes módulos temáticos que la componen presentando, por primera vez, una narrativa sobre la evolución histórica y territorial de Tirajana que, por otro lado, permite entender el devenir del resto de la isla de Gran Canaria. Este volumen cuenta con la colaboración de diferentes profesionales de la arqueología como Javier Velasco, Verónica Alberto, Rosa Fregel, Teresa Delgado, Antonio Tejera, Paloma Vidal, Jacob Morales, Pedro Henríquez y Germán Santana.

Contiene en sus páginas un variado repertorio de opciones gráficas, algunas de ellas empleadas por primera vez en la difusión de la arqueología canaria como el renderizado 3D, el generar una imagen digital a partir de un modelo o escenario en tres dimensiones utilizando diversas profundidades, iluminación y texturas, con el objetivo de disponer de una imagen realista desde cualquier perspectiva del modelo.

El conocimiento alcanzado con las intervenciones arqueológicas, dataciones, estudios documentales, análisis entomológicos, antracológicos y genéticos, entre otros, nos conecta con el pasado. En este sentido, la directora general de Patrimonio Cultural, Nona Perera, indica que los “procedimientos de investigación como la prospección, la excavación, el análisis de materiales, el estudio documental y las dataciones aportan, cada vez más, antecedentes de extrema relevancia” y añade que, “se ha progresado más en los últimos cuatro años de estudios sobre el pasado canario que a lo largo de un siglo. Los planteamientos, tanto del libro como los expuestos, permiten correlacionar una historia evolutiva de la que carecíamos. Esto va a facilitar la comprensión de nuestra historia”.

Las investigaciones realizadas, que han contado con el firme apoyo del Gobierno de Canarias, han supuesto un salto en los conocimientos que se tenían, puesto que permiten relacionar elementos hasta ahora inconexos, reconstruir su modelo de sociedad e incluso extrapolarlo a otros núcleos. Tanto es así, que reúne los elementos necesarios para considerarlo un lugar sagrado con estructuras que parecen configurar gran parte de los yacimientos de la Caldera de Tirajana, un gran vértice sobre el que pivotarían yacimientos vinculados al mundo de los rituales. Esto otorga mucho más peso a la hipótesis que habla de La Fortaleza como causa y efecto de un gran paisaje sagrado y ritualizado.

Varios proyectos de investigación impulsados por Patrimonio Cultural se han conectado para arrojar un primer conocimiento de su historia primitiva, entre ellos, la reconstrucción genética, la evolución cronológica del territorio de la Caldera de Tirajana con las dataciones de los yacimientos, además de la investigación en los archivos, documentando que la zona fue una de las de mayor densidad de ocupación de la isla, hace unos 1.500 años, situando su largo desarrollo temporal hasta el siglo XVI. Estos datos transforman a La Fortaleza en una pieza clave para el estudio de la ocupación del territorio por la variabilidad de su registro, así como por el estado de conservación.

Esta iniciativa, financiada por la Dirección General de Patrimonio Cultural del Gobierno de Canarias, cuenta con la colaboración del Cabildo de Gran Canaria, y los ayuntamientos de Santa Lucía y San Bartolomé de Tirajana.

Etiquetas