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Yosi Negrín muestra en el Espacio Cultural El Tanque ‘Zona Cero, Cenotafio Digital’

Obra de Yosi Negrín

La instalación inmersiva e interactiva se podrá visitar desde el sábado 23 de enero al 27 de marzo.

En Zona Cero, la idea del cenotafio dialoga con el edificio que un día fue depósito de petróleo, huella del patrimonio histórico industrial de la ciudad. Incluye la instalación sonora creada por Pedro D. Sáiz, una pieza atmosférica inédita que enfatiza el carácter post apocalíptico de este paisaje.

Yosi Negrín (Santa Cruz de Tenerife, 1994) es un artista, arquitecto y comisario cuyo trabajo se centra en la relación existente entre lo virtual y lo real, investigando sobre la construcción de la realidad física en relación con la tecnología y lo digital. En su propuesta artística inmersiva e interactiva, Zona Cero, Cenotafio Digital, que se podrá ver en el Espacio Cultural El Tanque a partir de este sábado 23, construye una arquitectura de excepción por medio de la búsqueda y conmemoración de la muerte digital de la imagen y del paisaje.

El artista señala que, “la construcción de la Zona Cero surge de la idea de conmemorar a los desaparecidos virtuales: las imágenes pasadas, aquellas dejadas atrás, enterradas y olvidadas en el e-archivo. Con este monumento de muerte, este cenotafio, se conmemora y honra la ausencia de la imagen digital. Una ausencia generada por su propia superproducción y abundancia. El “cenotafio” es una tipología arquitectónica simbólica de voto o promesa en honor de ilustres difuntos, cuyos cadáveres están demasiado lejos como para enterrarlos o, directamente, se han perdido. En este caso, los cuerpos muertos son aquellas imágenes de infinidad de paisajes que se han desmaterializado en internet y que se almacenan físicamente en desiertos o glaciares, bajo arquitecturas robotizadas, oscuras y refrigeradas”, indica.

En Zona Cero, la idea del cenotafio conversa directamente con el edificio, que un día fue depósito de petróleo. El Tanque es una huella del patrimonio histórico industrial de la ciudad, un esqueleto superviviente y reconvertido, de lo que sería un espacio estriado y degradado de la costa de la capital tinerfeña. La Zona Cero nos ofrece la posibilidad de repensar la relación que tienen los espacios dedicados al arte con los restos de nuestro pasado, así como con los restos que generamos para el futuro, ya sean digitales o físicos. “El museo, los espacios que consagramos al recuerdo mediante el afán de recolección, se convierten en una especie de cementerio mediante la acumulación. Las piezas del pasado son pequeños gestos, ya muertos, que se conservan con la esperanza de obtener un recuerdo de lo que fue en el futuro”, a juicio de Negrín.

La estructura principal de Zona Cero es una gran esfera a la que pueden acceder los espectadores, colocada encima de un coche en ruinas. En esta esfera, una cámara 360º graba su imagen en tiempo real para incluirla dentro de la proyección presente en la enorme pantalla de la sala. Esta proyección es el otro gran elemento de la instalación, en la que vemos canteras de piedra, embalses, tanques; naturalezas que surgen de la propia conversión geológica del territorio canario hecha por el humano. Es en este gran panorama donde se almacenarán, de manera secuencial y continuada, el rastro de todos los visitantes que entren en el cenotafio digital. Así, la imagen de cada persona habitará estos paisajes deshumanizados, haciendo que la instalación varíe a lo largo de las semanas, fluctuando y registrando en la pantalla todos los visitantes que pasen por allí.

Además, toda la Zona Cero se encuentra acompañada por la instalación sonora creada por Pedro D. Sáiz, una pieza atmosférica inédita que enfatiza el carácter post apocalíptico de este paisaje. Como adición a esta experiencia inmersiva instalativa, el día de la apertura, la instalación se activará con una performance continuada, a través de varios cuerpos anónimos y foráneos que pasean desorientados por el espacio. La exposición será también visitable en red a través de la plataforma Twitch, ofreciendo la oportunidad de seguir el camino que tome el proyecto hasta su clausura, ampliando la manera de entender la experiencia artística más allá del espacio expositivo.

En Zona Cero, Cenotafio Digital, naturalezas vivas y muertas conviven con maquinarias, automóviles, pantallas, restos agrícolas e imágenes producidas por inteligencia artificial tratando de recrear nuestras ruinas del futuro. El Tanque se convierte así en un cementerio cuyo recorrido inmersivo e interactivo a través de arquitecturas de carácter funerario y mitológico pretende despertar estas mismas sensaciones desoladoras: un paisaje abandonado del futuro, un archivo físico y digital de lo muerto. Mediante los distintos elementos que componen la instalación, vegetales y maquinarios, se reconstruye este paisaje apocalíptico del futuro.

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Yosi Negrín (Santa Cruz de Tenerife, 1994) es un artista, arquitecto y comisario cuyo trabajo se centra en la relación existente entre lo virtual y lo real. Su obra investiga la construcción de la realidad física mediante nuestra relación con la tecnología y lo digital. Ya sea mediante el vídeo, la instalación o la creación de imágenes artificiales generadas por él mismo, Negrín emplea diversos medios artísticos para construir paisajes que ponen en cuestión lo real. Su trabajo se centra en el estudio del mapa digital y físico, así como en las meta-narraciones creadas por los mismos que damos por válidas en nuestro día a día. En su trabajo más reciente, el artista pone en cuestión cómo la tecnología moldea no solo nuestra visión de lo real en el presente sino también de lo que creemos posible en el futuro. Entre las exposiciones más recientes en las que ha participado destacan Aragon Park, Madrid (2020); 10 segundos, 20 artistas, Madrid (2020) o Swatch Cities Madrid, Madrid (2018). Asimismo, Negrín es uno de los creadores del proyecto de exposición itinerante Casa Antillón, entre cuyas exposiciones cabe resaltar Casa Antillón, Madrid (2018) y Solo show. casaantillón x casabanchel, Madrid (2019).

 

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Cultura firma un convenio con el Instituto de Arte Contemporáneo para fomentar buenas prácticas

Sala de arte del Gobierno

El Gobierno se compromete a seguir incorporando medidas que mejoren la gestión de sus espacios de exhibición e impulsar la promoción del arte contemporáneo.

La Viceconsejería de Cultura y Patrimonio Cultural del Gobierno de Canarias ha suscrito un protocolo de colaboración con el Instituto de Arte Contemporáneo (IAC), que asesorará para implementar políticas de buenas prácticas en la gestión de sus salas y espacios de producción artística en las islas. De esta manera, el Gobierno promoverá que se sigan incorporando en las salas expositivas los principios rectores del Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte.

El IAC es una asociación independiente de profesionales dedicados al arte actual que desarrolla iniciativas con el fin de favorecer la mejora y el perfeccionamiento de la red institucional dedicada al arte contemporáneo, para velar por la progresiva implantación de buenas prácticas e impulsar una nueva percepción social del arte actual.

Las líneas principales de actuación del IAC no solo pasan por este objetivo, que vela por la mayor transparencia en la contratación de personal o tareas de gestión, sino también en potenciar el diálogo con las autoridades políticas locales, autonómicas y estatales, en materia de arte contemporáneo, para  trabajar conjuntamente en nuevas iniciativas o denunciar incumplimientos de sus obligaciones en esta materia. Además de estos compromisos, tanto el  área de Cultura  como el IAC comparten su intención de impulsar la promoción del arte  contemporáneo y  la mejora de los derechos de los creadores/as .

Juan Márquez, viceconsejero de Cultura, indica el compromiso del Gobierno canario “con las buenas prácticas en la gestión pública. En el área de Cultura y Patrimonio Cultural vamos a seguir incorporando mejoras, buscando una gestión transparente y de apertura a la sociedad. Esta voluntad se materializa, concretamente, en el proyecto de  “Desarrollo de las Artes Plásticas y Visuales de Canarias”, que tiene entre sus fines mejorar las condiciones del sector de las artes plásticas, proporcionando herramientas que permitan la optimización de las condiciones de trabajo de los agentes artísticos, la internacionalización de las propuestas  realizadas en Canarias, así como la autonomía de los creadores en el desarrollo de su actividad”. El viceconsejero de Cultura añade que Desde que asumimos  la Viceconsejería en 2019 teníamos clara la necesidad de reforzar las políticas y recursos para las artes plásticas y visuales, por eso, hemos duplicado esta partida en año y medio. Esto nos ha permitido abrir nuevas líneas de apoyo, como las ayudas a la investigación artística”.

Por su parte, la presidenta del IAC Marta Pérez Ibáñez, indica que “uno de los objetivos fundamentales del IAC es fortalecer las relaciones entre los distintos agentes del sistema del arte contemporáneo con propuestas e impulsos como el apoyo a las buenas prácticas, la transparencia, el código deontológico, la optimización del trabajo de artistas y profesionales y el diálogo constante y fluido con las administraciones públicas. Por ello, este acuerdo que suscribimos con la Viceconsejería de Cultura y Patrimonio Cultural del Gobierno de Canarias gracias al compromiso y al esfuerzo de la delegación del IAC en Canarias supone un hito en la consolidación e implantación del Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte, que esperamos sea un modelo para actuaciones similares en el resto del Estado español”.

Los espacios de arte del Gobierno de Canarias ejercen acciones formativas y de divulgación del arte contemporáneo que inciden directamente sobre la sociedad al proporcionar espacios donde potenciar los derechos culturales de la ciudadanía, generando un sentido de comunidad y de valor social al propio hecho artístico. En este sentido, las líneas estratégicas son la gestión, producción, exhibición, investigación, formación y divulgación de las prácticas artísticas contemporáneas.

Es objeto del presente convenio es impulsar el desarrollo y la profesionalización del tejido industrial y creativo de Canarias, estableciendo vías de comunicación continúas con las asociaciones representantes del sector, entre las que se encuentra el Instituto de Arte Contemporáneo (IAC). Se establece, por tanto, como objetivos fomentar la creatividad artística, el estudio, difusión protección de las artes, del patrimonio cultural, particularmente la pintura, la escultura, la arquitectura, la obra gráfica, performance-art o arte de acción y   las nuevas artes de la imagen.

A través de este convenio, el Gobierno de Canarias facilitará gratuitamente las instalaciones de los centros adscritos al acuerdo para la realización de sus actividades, siempre que la programación de los espacios así lo permita. Además, se ofrecerá a los socios del IAC la participación en las actividades que organicen los centros en condiciones especiales, y podrán organizar actividades conjuntas que contribuyan al cumplimiento de objetivos comunes.

Para el seguimiento del desarrollo de este convenio y a instancias de cualquiera de las partes, se constituirá una comisión paritaria mixta, integrada por representantes de cada una de las partes firmantes, que establecerá de común acuerdo las normas relativas a su funcionamiento.

El Gobierno de Canarias, por tanto, impulsa la realización de este tipo de relaciones con el tejido asociativo representante de los creadores canarios, en la medida en que cada una pueda aportar mejoras al sector de las Artes Plásticas y Visuales en Canarias.

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La artista Julia Mª Martín inaugura En el traspatio de los quehaceres en la SAC

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La exposición se abre al público este viernes 17, a las 20:30 horas, y se podrá visitar hasta el 20 de marzo

La artista tinerfeña Julia Mª Martín (La Orotava, Tenerife, 1979), en los últimos años, ha centrado su trabajo en el textil como medio plástico por sus cualidades, características, variedad de técnicas y la diversidad de materiales que puede emplear para conformar su obra. Así lo expone, En el traspatio de los quehaceres, título de la muestra que inaugura este viernes 17, a partir de las 20:30 horas, en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) de Santa Cruz de Tenerife.

“Asumo la práctica artística como un proceso de investigación y experimentación de diversos materiales”. Así, el trabajo de Julia Mº Martín muestra un terreno plástico en el que se mezcla el tema de la mujer y el textil como medio de expresión y comunicación, investigando cómo se condicionan los modos de relación entre arte-artesanía, al introducir la tela en el arte como objeto de discusión, “ya que, durante mucho tiempo, ha sido considerada como material de las artes menores o decorativas, siendo uno de los factores de esa valoración, su relación con la mujer”, explica.

En el traspatio de los quehaceres, es un espacio que hace alusión “al tiempo que desempeño en hacer lo que me reconforta y al momento en el que lo puedo hacer; normalmente al final del día, cuando ya he terminado con todas las tareas diarias”. El proyecto es concebido como una muestra de técnicas y modos de expresión tradicionalmente mal llamados femeninos y generalmente minusvalorados, pero que aportan y enriquecen, a su juicio, el arte contemporáneo.

Escultura. Julia Mª Martín
Escultura. Julia Mª Martín

La muestra está compuesta por una selección de 52 piezas, realizadas entre el 2015-2019, que aluden a “la acción”, al propio proceso de explorar y experimentar con técnicas, procedimientos y modos de ejecución repetitivos y laboriosos; al paso del tiempo, al cuerpo y el espacio, y a la naturaleza. Entre ellas aparecen una serie de lienzos o telas a modo de tapices, fotografías, bordados y costura sobre papel, esculturas blandas e instalaciones. Las técnicas que utiliza son el punto, el bordado, el crochet o la costura; recursos que no están exentos de neutralidad o connotación, no obstante, lo que más le interesa es la experimentación con el material en sí mismo.

El significado de la obra reside en el propio proceso de ejecución, en una suma de gestos, en envolver, coser, atar, anudar…, en acciones que se van sumando y uniendo hasta convertirse en un medio en sí mismo. En este proceso, prima la paciencia, la delicadeza y como no, el transcurso del tiempo. Un proceso totalmente contrario a la rapidez magnificada en la actualidad.

Sala de Arte Contemporáneo (SAC)

C/ Comodoro Rolín, 1 38007 Santa Cruz de Tenerife – España

Exposición

En el traspatio de los quehaceres

Julia Mª Martín

Del 17 de enero al 20 de marzo

Horario

De lunes a viernes de 11:00 a 14:00 h. y de 17:00 a 20:00h.

Entrada libre

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La artista Susana Aleixo Lopes abre al público las puertas de su estudio

Susana Aleixo

La creadora portuguesa se encuentra en residencia en La Regenta, en el marco del Programa Internacional de Intercambios Artísticos. Se podrá visitar su espacio de producción mañana miércoles 4 de diciembre a partir de las 19:00 horas

La artista azoreña Susana Aleixo Lopes abrirá las puertas de su taller en el Centro de Arte La Regenta, mañana miércoles 4 de diciembre, a las 19:00 horas, en el marco del Programa Internacional de Intercambios Artísticos del espacio de producción grancanario. La creadora portuguesa se encuentra actualmente en residencia, fruto del acuerdo entre La Regenta y Arquipélago-Centro de Artes Contemporânea (San Miguel, Azores), impulsado por el área de Cultura del Gobierno de Canarias.

Susana Aleixo Lopes, graduada en Bellas Artes y Escultura por la Universidad de Oporto, es una artista que desarrolla y enfoca su trabajo en el área de la escultura y las instalaciones, aunque su carrera se expresa en diferentes materiales, soportes, formas y conceptos, navegando así a través de varias disciplinas artísticas. Susana utiliza diversos medios para representar su obra, capaz de recurrir a métodos como el dibujo, la pintura, la fotografía, el vídeo, el modelado y el moldeo, la construcción y los procesos sustractivos, la fundición, la cerámica, las vidrieras y los textiles, entre otros.

La temática general de su trabajo gira en torno a la dicotomía entre lo orgánico y lo artificial y los límites existentes entre los dos términos, así como también analiza la relación entre lo natural y lo industrial, creando no solo una paradoja conceptual, sino también visual. De esta manera, Susana intenta ampliar la comprensión de lo que significa estar vivo y explorar el papel del cambio como individuos. Su objetivo es proporcionar una experiencia de reflexión e introspección a través de realidades emocionales tan comunes para todos.

Para ahondar en su universo artístico, Susana Aleixo recibirá el miércoles en su estudio a las personas que deseen conocer de primera mano su lugar de trabajo. La artista presentará algunas de sus creaciones anteriores y hablará sobre la experiencia de su residencia artística en la capital grancanaria. Esto servirá de antesala para la presentación de su futuro proyecto, que anda forjándose en este espacio. Una vez concluido, el resultado de la obra de la artista portuguesa será expuesto en el Centro de producción artística de La Regenta entre el 14 de febrero y el 11 de abril de 2020.

Jornada de visita al estudio de Susana Aleixo
Centro de Arte La Regenta, arte contemporáneo, espacio de producción

 

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La Regenta analiza las singularidades de la generación de los 90 con motivo de la muestra Después de todo

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Este viernes 29 de noviembre, a las 19:00 horas, con la participación de artistas, críticos e historiadores de arte

El Centro de Arte La Regenta abre un espacio de reflexión y análisis sobre las singularidades del arte en Canarias en la década de los 90 como actividad complementaria a la exposición en curso, Después de todo. Aproximación a una década: los 90 en Canarias. El encuentro será este viernes 29, a partir de las 19:00 horas, con la participación de artistas, críticos e historiadores de arte.

La comisaria de la exposición, Dalia de la Rosa, expone el objetivo de este encuentro de profesionales con el argumento de que aún quedan abiertas distintas cuestiones, “dentro de la premisa de la imposibilidad de hablar de una década como una entidad cerrada, debido a la multiplicidad de prácticas que conviven, a la introducción de nuevas formas estéticas o a la eclosión y asentamiento de centros y de arte”. Después de todo: diálogos en torno a la idea de una década trata de pensar en cuáles fueron las singularidad de esos años.

La actividad se inicia a las 19:00 horas con la conferencia Aspectos generales de la década de los 90 en el marco estatal, que impartirá el artista y activista político Marcelo Expósito, quien afirma que este periodo “supuso en todo el mundo la exacerbación de un pulso. La hegemonía del neoliberalismo comenzó su crisis sin perder su capacidad extractiva y depredadora. Y desde el interior de esas crisis, comenzaron a articularse nuevas formas de contestación social a escala global” .

Marcelo Expósito (1966) es artista y activista político español, diputado al Congreso de los Diputados por En Comú Podem en la XI y la XII legislatura. Fue secretario tercero de la mesa del Congreso de los Diputados. Su práctica se extiende habitualmente a los campos de la teoría crítica, la investigación militante, la docencia, la edición y la traducción. Imparte frecuentemente docencia bajo el formato de seminarios, cursos y conferencias en universidades e instituciones culturales y artísticas de Europa y América Latina.

Tras la finalización de la conferencia, la sesión continuará con una mesa de debate, a las 20:00 horas, con la participación de las/os artistas: José Ruiz, Guenda Herrera y José Arturo Martín, de Martín y Sicilia, y el crítico e historiador del arte, Franck González. En ella se tratará de profundizar en temas claves de este periodo en Canarias, como la incorporación de nuevos lenguajes plásticos, la mayor presencia de las mujeres en el arte y la eclosión de espacios, influencias y recorridos

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Canarias y Azores, arte contemporáneo de ida y vuelta

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La Regenta, a través de un acuerdo firmado con Arquipélago Centro de Artes Contemporâneas, refuerza su programa internacional de residencias.Las artistas Alicia Pardilla y Susana Aleixo intercambian sus espacios de trabajo

El Centro de Arte La Regenta, a través de un acuerdo firmado con Arquipélago. Centro de Artes Contemporâneas de Azores, continúa su programa internacional de intercambios artísticos, sumando a esta iniciativa el tránsito de las artistas Alicia Pardilla y Susana Aleixo entre ambos archipiélagos.

El área de Cultura del Gobierno de Canarias impulsa su programa de residencias con la voluntad de contribuir a la visibilidad de la creación de las artes visuales canarias, potenciando el intercambio de experiencias y la producción artística en diferentes contextos sociales y económicos, así como incentivar la profesionalización en el sector artístico.

En 2018, en virtud de la firma de un convenio de colaboración, los dos centros de arte acordaron intercambiar artistas para que, durante un mes, desarrollaran un proyecto artístico que se mostrará en formato expositivo en los respectivos espacios. Con esta experiencia se pretende facilitar la movilidad y visibilidad de los artistas así como la posibilidad de desarrollar el trabajo creativo en otros contextos.

Así, La Regenta acoge en residencia artística a la creadora Susana Aleixo, mientras que Arquipelago. Centro de Artes Contemporáneas de San Miguel (Azores), recibe a la creadora canaria Alicia Pardilla durante este mes de noviembre.

Susana Aleixo propone un trabajo que abraza el lenguaje poético, profundizando en aquello que la sociedad actual muchas veces nos induce a esconder o camuflar. Sus piezas se configuran como fronteras entre lo orgánico y lo artificial, lo natural y lo industrial creando paradojas visuales. El proyecto de la artista portuguesa se mostrará en el Centro de producción artística, entre el 14 de febrero y el 11 de abril de 2020.

Por su parte, Alicia Pardilla propone para su estancia en Azores el proyecto El principio de la incertidumbre, con el que procura hacer visible y materializar este estado a través de piezas y situaciones que son propuestas al espectador. Procura tomar la situación de incertidumbre como lugar para la reflexión, la adquisición de conocimiento y la creación, ofreciendo la oportunidad al espectador de construir su propia lectura o solución a partir de la experiencia de creación. Esta propuesta expositiva se lleva a cabo hasta el 29 de noviembre de este año.

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Raúl Artiles, uno de los jóvenes talentos del arte en Canarias, inaugura en la SAC ‘I was here’

Exposición Raúl Artiles en la SAC

La muestra se abre al público este viernes, 13 de septiembre, a las 20:30 horas, y se podrá visitar hasta el 25 de octubre

Raúl Artiles forma parte de la nueva generación de artistas del Archipiélago, cuya obra se inicia en el ámbito de la pintura y en los últimos años a través del dibujo, una disciplina en la que sobresale por su calidad técnica y por la solidez de sus propuestas estéticas. La Sala de Arte Contemporáneo presenta sus últimos trabajos reunidos bajo el título, ‘I was here’.

Para Raúl Artiles la sociedad está compuesta por fragmentos desorganizados, estériles, violentos, superficiales, improvisados, inestables y no auténticos. En este sentido argumenta que, “la expansión empírica e ideológica de la sociedad moderna está íntimamente relacionada de diferentes modos con el ocio de masas, en especial con el turismo internacional”. Por ello, concibe la atracción turística como estructura representativa de la conducta del mundo contemporáneo y sus variantes. Adopta la estética del souvenir como estrategia y la pintura y el dibujo como medio, perfilando un mapa para orientarse a través de imágenes que pretenden poner en cuestión el tejido de la vida ociosa del individuo y su escenario político. La isla, la identidad, el paradigma del paraíso, lo resbaladizo, la liquidez son los puntos de referencia para el artista en ese mapa.

Posterior a la primera generación de artistas de La Laguna, Artiles rompe la imagen para centrarse en escenas fragmentadas que, al redimensionarlas, toman un valor diferente.

Trabaja generalmente en grandes formatos, presentando instalaciones de papeles al carboncillo con los que pretende desarticular la visión académica y decimonónica que adjudicaba al dibujo el rol de obra menor, dependiente de otras disciplinas. Sus obras se despliegan en el espacio cuestionando el modo en que nos aproximamos a las imágenes en la era digital y sugieren una metáfora de la situación económica y política actual, a la vez que insinúan la posibilidad de una salida y un nuevo renacimiento.

Nacido en 1985 en Las Palmas de Gran Canaria, sus impactantes dibujos hablan de la destrucción y de un nuevo renacer, aunque al mismo tiempo tienen un matiz de divertimento y de placer estético.

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‘No news, good news’ reúne a siete destacadas firmas de la actual escena plástica canaria en la Sala Cabrera Pinto

Invitación a la exposición No News, Good News

Reúne obra de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Juanjo Valencia y Lena Peñate, y Diego Vites.  Valencia y Peñate actúan también como comisarios de este proyecto, que se inaugura este sábado 20 de julio, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Las salas de arte del Instituto Canarias Cabrera Pinto, en La Laguna (Tenerife) acogen entre el 20 de julio y el 8 de septiembre un nuevo proyecto expositivo: ‘No news, good news’. Se trata de una muestra colectiva que reúne propuestas de siete destacadas firmas del panorama artístico contemporáneo de las Islas y que se abre al público este sábado 20, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Organizada por el CAAM, en ‘No news, good news’ encontraremos intervenciones artística de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Diego Vites y Juanjo Valencia y Lena Peñate Spicer, siendo estos últimos también los comisarios de la exposición, que podrá visitarse en la sala lagunera del Gobierno de Canarias de martes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los fines de semana solo en el horario matinal.

Texto de los comisarios:

‘No news, good news’ da título a un proyecto intersubjetivo que pretende hacer visible los procesos de trazabilidad de las imágenes en las construcciones significantes de los imaginarios.

La capacidad de lectura geográfica de las imágenes de ayer no tiene que ver con las de hoy. Sin duda, los modos de grafía han cambiado. La imagen, devenida como imagen-síntoma, pretende escribir más que inscribirse, no tanto como palabra sino como texto, como parte de un engranaje taxonómico. Para figurar el mundo contemporáneo, se ha vuelto necesario operar en la profundidad: las representaciones comunes ya no corresponden con las experiencias vividas y las imágenes se producen como cálculo de reuniones de información y de construcciones formales.

El acento de este proyecto expositivo radica precisamente en su carácter procesual y cartográfico, en subrayar formas de estudio acerca de la imagen y del diálogo como una construcción mediada por el Otro, tanto para quien la produce como para quien la observa. En su estructura se aborda el trasfondo del archivo, así como el lenguaje historiográfico y procesual. En el estudio de los desplazamientos de la imagen, se pone especial énfasis, incluso de forma utópica, en la deconstrucción del acervo enciclopedista (de hacer figura del síntoma) y de metodologías críticas que ponen en cuestión el proceso de producción de las imágenes. El carácter zetético resulta inherente a sus formas de interrelación.

A la vez que constituyen tentativas de representación, establecen cuestionamientos de cualquier statu quo de representación del mundo y de sus múltiples estados de formalización. Pretenden cuestionar sobre las formas de representación que conforman nuestros imaginarios y gobiernan, por ende, nuestras acciones.

Las obras se transforman en itinerarios que se despliegan en red o superponiendo redes, cuestionando la capacidad de la imagen para representar la realidad o, en cualquier caso, mostrando su opacidad, su imposibilidad irónica de traducir su relación con la representación.

Una manera, como señalaría Georges Didi-Huberman, “de abordar trayectos de pensamiento entre imágenes”.

Juan José Valencia – Lena Peñate Spicer

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El artista Alby Álamo explora la memoria del paisaje canario con su instalación ’24/ 7′ en El Tanque

Exposición Alby Álamo en El Tanque

La propuesta audiovisual específica, de gran formato, cuenta con la colaboración del músico Javier Pérez –Resonance-, y el comisariado de Cristina Anglada. Se abre al público mañana jueves, 23 de mayo, a las 20:30 horas, y se podrá visitar hasta el 13 de julio.

El artista Alby Álamo presenta su nuevo proyecto 24/7, una propuesta audiovisual en gran formato, concebida específicamente para el Espacio Cultural El Tanque, que cuenta con la colaboración del músico Javier Pérez Rodríguez, alias Resonance, y el comisariado de Cristina Anglada. La pieza aspira a situar bajo sospecha los principios de la sociedad del rendimiento a partir del paisaje, desvelando la relación 24/7 que exigimos a la naturaleza.

Alby Álamo explora e interviene el imaginario de la naturaleza, en concreto, del paisaje canario, saqueando sus estéticas derivadas de sus usos funcionales, en clara y directa relación con la dinámica del trabajo en el capitalismo avanzado. La visión romántica y tradicional asociada a ciertos paisajes es retada, proponiendo una nueva imagen que dirige el foco a las consecuencias de los movimientos sociales, económicos y políticos.

La silueta de la musa paradisíaca, sus hojas tropicales y su fruto, es protagonistas del recorrido por los escenarios de la obra. La platanera, producto introducido por los comerciantes ingleses en el siglo XIX, junto a la progresiva instauración de los puertos francos, se transforman en uno de los pilares fundamentales de la economía canaria y en clave del crecimiento económico del archipiélago, que impacta sobre el paisaje de las islas. Además, la incorporación de imágenes de la silueta del distrito londinense Canary Warf, antigua zona portuaria que en los 80 se rehabilitó y hoy en día acoge las sedes de los mayores conglomerados financieros de Europa, forma parte de este juego de asociaciones. Su presencia recuerda a La hilandería de algodón de Arkwright durante la noche de Joseph Wright (1782) que es posiblemente la primera pintura que anuncia la iluminación artificial de la fábrica y advierte el desarrollo racionalizado de una relación abstracta entre tiempo y trabajo, desligada del ciclo y los movimientos lunar y solar.

La pieza de Alby nos acompaña por un recorrido sugestivo que entrelaza asociaciones sin establecer demasiados manifiestos. Asume la crisis que sufren conceptos como la historicidad, la verdad o la objetividad y parece seguir las palabras de Erika Balsom cuando comenta que “dar prioridad al registro de la realidad física puede reavivar la atención que prestamos a las texturas de un mundo que sí existe y en el que todos convivimos. Creer en la realidad es afirmar que habitamos un mundo compartido… reafirmar el poder del cine como ventana, por muy sucios que puedan estar sus cristales…”.

La comisaria, Cristina Anglada describe la instalación como “un sueño vigilado, grabado, extraído y compartido. Nos sumergimos en él a través del murmullo constante e irregular del océano y su golpeteo interno, que nos da la bienvenida. Recorremos a ritmo pausado un tiempo suspendido y lejano en el que se suceden varios paisajes acompañados del sonido que refuerza una presencia remota. El espacio va siendo conformado por varias capas visuales y sonoras”.

El sueño que sueña el final del sueño, el final del tiempo de descanso y el fin de lo humano. Un sueño que ha perdido su sujeto. El fin de aquello que obstaculizaba la productividad y consumo incesante: el descanso, la pausa, la paciencia, la experiencia, lo común y la vulnerabilidad de los ciclos humanos. El triunfo de los ritmos neoliberales del capitalismo tecnológico, manifestado en la expresión 24 / 7.  24 horas, 7 días a la semana. Una construcción humana que no obedece a la relación de la tierra con el cosmosl. El triunfo de lo eficaz, lucrativo, aquello que fomenta el consumo y la producción adoptando la forma del progreso contemporáneo: la implacable apropiación y el dominio del tiempo y la experiencia.

Alby Álamo (Las Palmas de Gran Canaria, 1977) Vive y trabaja entre Canarias y Berlín y es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna. En 2003 obtiene el Diploma de Estudios Avanzados programa interdepartamental Teoría de las artes en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna. Entre 2004 y 2010 fue miembro del Aula de Cultura y Pensamiento Artístico Contemporáneo de la Universidad de La Laguna y desde 2015 codirige el Project Space Urlaub Projects en Berlín.

Datos

Exposición: ’24/7′

Artista: Alby Álamo

Música: Resonance

Comisariado: Cristina Anglada

Lugar: Espacio Cultural El Tanque.  C/ Adán Martín Menis s/n. Sta Cruz de Tenerife

Fecha: del 23 de mayo al 13 de julio 2019

Horario: de martes a viernes de 17:00 horas.- 20:00 horas. Sábados de 11:00 horas. – 14:00 horas.

Entrada libre

Teaser:

https://www.facebook.com/alby.alamo/videos/2300803549958047/

 

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