La primera ponencia será este jueves 4 a las 19:00 horas, sobre la relación entre misticismo y fotografía
La inscripción es gratuita a través de la página web del centro
El Centro de Arte La Regenta inicia una nueva edición del ciclo de conferencias ‘Trascendencia y espiritualidad en el arte’, en las que se explora el vínculo de la creatividad con las distintas ramas del conocimiento místico y esotérico. La primera ponencia, ‘El regreso de los dobles: fotografía, espíritu e inteligencia artificial’ impartida por Roger Canals, se desarrollará el jueves 4 a partir de las 19.00 horas. El acceso es libre, mediante inscripción previa a través de la página web del centro que gestiona el Gobierno autónomo en la capital grancanaria.
A propósito de su ponencia, Roger Canelas apunta a cómo el teórico Roland Barthes definió la fotografía como un “certificado de presencia”. Según este autor, la fotografía sólo puede representar aquello que realmente existe frente a la cámara. “En el ámbito académico, la fotografía y el cine etnográfico han tenido un interés continuado por lo religioso y, en particular, por las ceremonias de trance. La relación entre la fotografía, la imagen y lo sagrado ha tomado hoy una nueva dimensión a raíz de los avances en realidad aumentada y en inteligencia artificial”, apunta Canals.
Imágenes y teosofía
El jueves 8 de junio, a las 19.00 horas, la estudiosa budista Lama Rigdzin Yudrön impartirá la ponencia ‘Imágenes para contemplar la mente’, que indaga en la fuerte relación que existe entre esta doctrina filosófica y la representación mental a través de la imagen, así como su importancia en la meditación y en el autoconocimiento.
Una semana más tarde, el 15 de junio a las 19.00 horas, será el turno del divulgador Jesús Callejo con ‘Helena Blavatsky y sus secretos’, una ponencia centrada en la teosofía, indagando en quiénes fueron sus miembros, objetivos, principios fundamentales o símbolos, así como la relación entre esta práctica espiritista y el arte. Callejo analizará el contenido de las dos principales obras de la escritora Helena Blavatsky, involucrada en la práctica espiritista, así como su repercusión en España e Hispanoamérica.
La muestra reúne en la SAC más de una veintena de obras abstractas pintadas con acrílico sobre tela, desde el viernes 14 de abril al 9 de junio
Capi Cabrera (Las Palmas de Gran Canaria, 1983) presenta en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) en Santa Cruz de Tenerife, Arrullo salvaje, una exposición que despliega el color del paisaje de Canarias. Azules, ocres y blancos, las formas de los barrancos, el mar y el conocimiento sobre las mareas, son elementos tremendamente inspiradores para un artista sensible al entorno y sus orígenes isleños.
Creador plástico y visual de Las Palmas de Gran Canaria, desde joven se sintió atraído por el arte y el entorno; por la pintura, la gestualidad y la materia que le sirven como un método de expresión generador de lenguajes, convirtiéndose en un ejercicio de conexión con la naturaleza, sus formas y paletas de color.
Gopi Sadarangani, crítica de arte, indica que sus cuadros son «superficies que invitan a depositar lo que imagina la conciencia poética; a medida que el ojo se desliza por sus lienzos el acercamiento asciende también a un orden superior de interpretación. Paredes de agua levantan una reverencia al cielo, una lente para comprender la vida en sus fragmentos, bramar por ella y abordar con elegancia irreductible la más terrible de nuestras realidades actuales, la civilización devastadora».
Los primeros pasos de Capi Cabrera fueron como artista de graffiti, utilizando seudónimos como «Capi» o «Capiflex». Ha participado en diversos festivales y muestras de arte urbano como: Poliniza, Valencia (2013 y 2015); Festa 2H, Dakar-Senegal (2011); CIUC Moniker Art Fair, Londres (2011) o 400ml, Las Palmas de Gran Canaria (2005 y 2006).
En el año 2011 se traslada a la ciudad de Valencia para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Universidad Politécnica. Durante estos años de formación académica es cuando comienza a experimentar con lenguajes y métodos de expresión no referenciales, investigando con materiales traslúcidos provenientes de la industria, planteando una reflexión sobre la pintura a través del tiempo en el que vive.
Después de graduarse en 2015 es seleccionado para disfrutar de la residencia de producción artística en el Centro de arte de la Regenta en Gran Canaria (2016-2017).
Es en estos años cuando empieza a formar parte de la lista de artistas de la consolidada Galería Llamazares, con la que actualmente ha realizados dos exposiciones individuales y formado parte de diferentes ferias y muestras.
En el año 2021, y después de unos años viajando entre Valencia y Gran Canaria, entra a formar parte de Galería Vangar y vuelve a establecerse en su ciudad natal donde trabaja en su primera exposición individual con la galería de Valencia desde su nuevo estudio en las islas.
Entre el 17 de febrero y el 24 de marzo se celebrará un ciclo de tres exposiciones, bajo el título Metamodernismos. La Generadora
La colaboración entre la Universidad de La Laguna y la SAC del Gobierno permite visibilizar la actividad docente e investigadora, facilitando al público la transferencia de conocimiento
Metamodernismos. La Generadora es un proyecto de la Unidad Departamental de Pensamiento Artístico de Bellas Artes y el Aula Cultural de Pensamiento Artístico de la Universidad de La Laguna para la Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias. Coordinado por Ramón Salas y curado por Adrián Alemán, permite visibilizar en las salas de exhibición la actividad docente e investigadora, además de convertirse en un nexo entre la institución académica y la sociedad con la intención de facilitar la transferencia de conocimiento.
Entre el 17 de febrero y el 24 de marzo de 2023 se celebrará en la SAC un ciclo de tres exposiciones-exprés de acuerdo con el siguiente calendario: En la mente del objeto, del 17 al 24 de febrero, a cargo de los creadores Inés Arencibia, Julen Etxebarria, Adriana González, Narelys Hernández, Eduardo Hodgson, Pablo Lavers, Ana Padilla, Gloria Sánchez. ZeR0 RETENCIÓN¡, del 3 al 10 de marzo, con la intervención de Tony Aguilera, Hugo Amaro, Miu Castro, Miranda Díaz, Sara Díaz, Gaia Fiorina, Marta Sobrino y Yasmina. Finalmente, Políticas de la actuación. el poder de una gota, del 17 al 24 de marzo con Claudia Brito, Flor de África, Aitor Fernández, Noa Gonzáles, Rubén Guedes, Sara Méndez, Alba Peñate, Ziomara Rojas.
Asimismo, y de forma paralela a cada una de estas propuestas, se celebrará como actividad complementaria sendas mesas redondas, en la que participarán en la misma sala aquellos artistas y curadores que intervienen en el proceso creativo de las exposiciones. Estos encuentros serán los días 23 de febrero, y 9 y 23 de marzo, de 17:00 a 19:00 horas.
Sobre el proyecto
Montaje del proyecto expositivo en la SAC
Si algo caracteriza al arte universitario es su procesualidad, al desarrollarse en una dinámica vital en la que la producción resulta indisociable del estudio, la interlocución, la investigación, la socialización… en un espacio de crecimiento personal y de modulación de la propia subjetividad. Metamodernismos. La Generadora trata de trasladar a la sala de arte «ese carácter procesual y, al mismo tiempo, reflexionar sobre su puesta en escena –e, incluso, por qué no, sobre su puesta en evidencia–» explica Ramón Salas. No plantea una presentación en sociedad de artistas emergentes, sino un laboratorio de investigación sobre el sentido de la muestra, abierto a la experimentación e incluso al error.
No se pretende mostrar un trabajo acabado, de ahí los cortos espacios de exposición en comparación con los de montaje, sino experimentar el arte como un proceso de aprendizaje y reflexión. Por analogía al “pensar en voz alta”, esta exposición busca crear en voz alta, pensar la pieza en el proceso de su puesta en escena. En el periodo propiamente de montaje, adoptando su forma más “ortodoxa” para, una vez inaugurada, replantearse.
En la semana de exhibición, las obras no permanecerán estáticas, se seguirá trabajando en sala, en abierto, replanteando su display, reubicando y contaminando las piezas, y analizando sus transformaciones.
La autoría de estas obras es de artistas con perfiles muy diferentes. Por ello, a pesar de que no se pretende priorizar discursos curatoriales cerrados, que les obliguen a ilustrar un tema, «nos pareció pertinente ordenar sus propuestas en torno a tres ideas fuerza, que creemos que se corresponden con tres de los principales espacios de posibilidad del arte contemporáneo» explica Salas..
El arte ya apenas representa, ahora ensambla: objetos, documentos, ideas. De ahí la renovada importancia del hecho expositivo que ha cobrado importancia respecto al espacio de taller, convertido en tiempo de estudio: «la sala de arte ya no es el escaparate donde se muestran obras que salen completamente acabadas del estudio del artista, es el tiempo en el que se hace público un proceso de investigación” comentan sus comisarios. De ahí, también, la renovada importancia de la relación entre la universidad, como centro de investigación y producción cultural, y los centros de arte, que ya no tienen la antigua función promocional, «sino la inédita obligación de convertirse en un espacio de interlocución entre la obra y su contexto».
La primera de las exposiciones, En la menta del objeto , es, según Ramón Salas, quizá, “la más clásica, en la medida en que mantiene una relación, aunque crítica, con la tradición del arte moderno y su expresión plástica más característica: la abstracción. Pero la contención formal no cae aquí en el formalismo, todo lo contrario. El aspecto abstracto es solo una cita al propio arte (y al propio “cubo blanco” de la sala) y su proceso de vaciado de los valores y referentes del arte premoderno, un vaciado que sirve aquí como una tabla rasa sobre la que empezar a inscribir nuevos contenidos, cabría decir, posnihilistas”.
Organiza un curso gratuito para artistas, estudiantes y personas interesadas, impartido por el creador cubano en residencia en el centro
‘Herencia nómada: ocho juegos como herramientas para el arte contemporáneo’ es el título del nuevo curso que organiza el Centro de Arte La Regenta, espacio del Gobierno de Canarias dedicado a las artes visuales. Este taller teórico-práctico tiene como objetivo incentivar en el alumnado nuevas perspectivas y debates sobre la creación contemporánea, a través de un dinámico programa de gamificación creativa.
El taller se desarrollará desde el martes 29 de noviembre al viernes 2 de diciembre, en horario de 17:00 a 21:00 horas. Las inscripciones son gratuitas y pueden realizarse a través de la página web del centro. La propuesta estará impartida por el artista visual Luis Gómez Armanteros, natural de Cuba, que hasta el 19 de diciembre disfruta de una estancia a través del Programa Internacional de Residencias Artísticas de La Regenta.
Durante las cuatro sesiones, se establecerán diálogos abiertos sobre si es posible alcanzar una creación consciente, con una perspectiva crítica capaz de cuestionar el propio sistema del arte a través de la apropiación y resignificación de los símbolos. “Como nómada, encuentro que estos tópicos se entrecruzan transversalmente en su vida para formar parte de un grupo muy específico y señalado: los desplazados”, explica el artista cubano.
El Centro de Arte La Regenta se ha comprometido con ofrecer un espacio de formación y debate continuo que de cabida a las nuevas tendencias artísticas y que estas lleguen al sector cultural y a la ciudadanía general de Gran Canaria. ‘Herencia nómada: ochos juegos como herramientas para el arte contemporáneo’ es uno de los diversos talleres que se han desarrollado a lo largo de la programación de 2022.
Luis Gómez Armenteros (La Habana, Cuba, 1968) es artista visual. Trabajó como docente del Instituto Superior de Arte de La Habana durante 14 años. Ha desarrollado su trabajo a partir de comentar, registrar e investigar sobre las políticas del arte. Estos comentarios oscilan desde las relaciones del arte con el mercado hasta la mirada a entramados institucionales que entre otras cosas promueven la importancia social del arte.
Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en espacios tan destacados como las ediciones 49 y 56 Bienal de Venecia, Italia; Contemporary Art Museum, Tampa, USA; Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba; Museo del Bronx, Nueva York, USA; Ludwig Forum für Internationale Kunst, Alemania; Barbican Center, Londres, UK; PAC Milano, Italia; Mattress Factory, Pittsburg, USA; Helsinki City Art Museum, Finlandia y en varias ediciones de la Bienal de la Habana, Cuba.
Del 2 al 6 de agosto se pondrá a disposición del público libros de exposiciones exhibidas en los espacios de arte del Gobierno de Canarias
El Centro de Arte La Regenta organiza su décima edición ‘La Regenta Escrita’, una campaña de divulgación de literatura artística que, entre el 2 y el 6 de agosto, pondrá a disposición de la ciudadanía una serie de catálogos correspondientes a exposiciones que fueron exhibidas en los espacios de arte del Gobierno de Canarias hasta 2012. Todos los ejemplares tendrán un precio reducido de tres euros. Estos libros podrán adquirirse en el horario habitual de la sala de exposiciones (de martes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00 horas, y sábados de 10:00 a 14:00 horas).
‘La Regenta escrita’ tiene como fin poner al alcance de la ciudadanía libros de arte que se encuentran agotados o quedan pocos ejemplares existentes, y no serán fáciles de conseguir en otras instituciones o librerías especializadas, a un precio inferior al que se venden habitualmente. Así, esta acción facilita a los participantes aumentar sus bibliotecas de arte y poner en valor la edición de los catálogos de exposiciones al difundir las investigaciones y textos en materia de arte contemporáneo.
‘Desde la primera campaña en 2012 uno de los objetivos de la actividad, además de posibilitar las adquisiciones a precio de saldo, ha respondido al ánimo de salvar la memoria de los artistas y críticos de arte que potencialmente son olvidados con el paso de los años’, explican el equipo del Centro de Documentación de La Regenta
Las ilustraciones y los textos permiten que el lector recupere su experiencia original como visitante o, si no se ha asistido a la exposición, que le aporte cierta “vivencia” a través de los textos. Los catálogos se componen por libros de trece artistas y comisarios que conforman una parte esencial de las artes plásticas en Canarias.
‘Ricardo Cárdenes. Escapando’ y ‘Oro rojo’ son los títulos de las nuevas muestras que albergarán las salas del centro
La apertura de ambas exposiciones será este viernes 22, a partir de las 20:30 horas, y podrán disfrutarse hasta el 17 de septiembre
El Centro de Arte La Regenta inaugura este viernes 22, a partir de las 20:30 horas, dos nuevas propuestas expositivas en sus salas. Por un lado, ‘Ricardo Cárdenes. Escapando’, comisariada por Ignacio Barcia y Mariano de Santa Ana, que ofrece una aproximación a la obra de este prolífico artista canario, con una discreta pero intensa trayectoria que estuvo centrada en el dibujo como práctica y concepto. Por otro lado, ‘Oro rojo’ de la artista mexicana Gin Ro, resultado de su estancia en el Programa Internacional de Residencias Artísticas, a través de una investigación fotográfica sobre la industria de la cochinilla en Canarias. Ambos proyectos podrán visitarse hasta el 17 de septiembre en sus salas de arte.
A la presentación han acudido el director general de Cultura del Gobierno de Canarias, Rubén Pérez; el director del espacio expositivo, Alejandro Vitaubet; los comisarios Ignacio Barcia y Mariano de Santa Ana; y la artista Gin Ro. El titular de Cultura destacó que la exposición dedicada a Cárdenes “es un primer paso para reconocer la obra de este singular artista canario” y cómo “la obra de Gin Ro evidencia los vínculos históricos entre Canarias y América Latina”.
Un artista silente
‘Ricardo Cárdenes. Escapando’ exhibe un recorrido por la obra de un artista que realizó la mayor parte de su producción en Madrid, donde ejerció la docencia como profesor de Dibujo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense. “Su motor creativo era la propia posibilidad de hacer arte. Construyó una gran cantidad de obras, explorando las posibilidades del dibujo, utilizando la acumulación y la superposición como método. Cada obra se percibe como un depósito temporal que acaba convirtiéndose en una imagen”, explica el comisario Ignacio Barcia.
Mariano de Santa Ana destaca cómo la introvertida personalidad del creador solía evitar los círculos artísticos más transitados, lo que no le impidió mantener una “sigilosa pero persistente tarea de creación que no pasó desapercibida en algunos ambientes, ejerciendo una clara influencia y obteniendo un reconocimiento más o menos recóndito. Esa influencia no puede desvincularse de su tarea docente, desarrollada con la misma actitud discreta durante más de treinta años”, apunta de Santa Ana.
La muestra está integrada por medio centenar de piezas desde finales de los años setenta, la mayoría sobre papel en mediano formato. Las últimas corresponden a 2018, año anterior al del fallecimiento del artista. Representado en colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centro Galego de Arte Contemporánea, el Banco de España, el Museo Pablo Serrano, la Fundación Coca Cola y numerosas colecciones privadas, Ricardo Cárdenes abordó el dibujo como práctica y como concepto.
Ricardo Cárdenes (1942-2019): Formado en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, se doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense, centro en el que ejercerá de profesor de dibujo durante más treinta años. Entre sus exposiciones individuales más recientes se encuentran Figuras, en Galería Egam (2013, Madrid); Mapas del cielo, en Galería Saro León (2016, Las Palmas de Gran Canaria); Sin discurso, en Galería Saro León (2018, Las Palmas de Gran Canaria); Casi todo sigue igual, en ABM Confecciones (2020, Madrid).
La histórica industria de la cochinilla en Canarias
Por su parte, ‘Oro rojo’ es un proyecto expositivo fruto de la experiencia en el Programa Internacional de Residencias Artísticas que la mexicana Gin Ro inició en mayo en el Centro de Arte la Regenta. A través de una veintena de fotografías de carácter experimental, se muestra el resultado de su investigación sobre la producción actual de grana cochinilla en Canarias, bajo una perspectiva feminista y decolonial.
Con este proyecto, la artista continúa una producción que se ha centrado en explorar la modificación de la identidad a partir del rastro y el cuerpo situado por diferentes procesos sociales, económicos e históricos. “La cochinilla fue introducida en Canarias a partir de 1820. Este colorante natural servía para crear el ácido cármico, con el que se creaban tintes muy valorados”, explica. “Eran mujeres empobrecidas las que recolectaban la cochinilla. Pero quien se quedaba con el valor del producto eran otros”, apunta Gin Ro.
Gin Ro, creadora de ‘Oro rojo’
El título del proyecto, ‘Oro rojo’, hace referencia al impacto económico que generó la grana cochinilla, un pequeño insecto parásito del nopal. El cuerpo disecado de la cochinilla hembra contiene el carmín, un elemento tintóreo que ofrece un color estable y de larga duración que con modificadores de PH puede variar su color desde el rojo, al morado hasta el negro. Este tinte fue utilizado para el teñido de textiles, entre otros usos.
Gin Ro (1986) es licenciada en Diseño Industrial en la Universidad Autónoma Metropolitana – Xochimilco. Desde el 2014 ha profundizado en el estudio técnico y conceptual del medio fotográfico. En 2017 recibe mención de honor en la Beca Roberto Villagraz del Centro Internacional de Fotografía y Cine (EFTI) en Madrid, con el proyecto Welcome to the parking, con el que plantea el problema de identidad mexicana ante la globalización. Con esta distinción realizó el Máster de Fotografía Contemporánea y de Proyectos Personales de la Generación 2017-2018 de EFTI.
Actividades paralelas
Como en cada exposición, se llevará a cabo una serie de actividades paralelas. El 29 de julio, a partir de las 18:00h se desarrollará la inauguración infantil para público infantil a partir de 7 años. Entre el 13 y 16 de septiembre se llevará a cabo el curso de dibujo ‘Apuntes para la tormenta’, impartido por Paco Guillén Abrante.
Del 1 de julio al 28 de agosto podrá disfrutarse de la propuesta, creada por cinco jóvenes artistas nacidos entre 1990 y 2001
La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) acoge la exposición ‘Hay un bebé mirándome’, una propuesta colectiva comisariada por Beatriz Lecuona, en la que participan los jóvenes artistas Eduardo Hodgson, Francisca Rubio Wenk, Javier Caldas y el colectivo Magus. Se trata de un proyecto cuyo nexo común plantea cómo se construye el imaginario colectivo y la toma de conciencia de cada uno de los individuos que integran la sociedad, en un complejo entramado que recuerda al funcionamiento de una matrioska rusa. Para ello, los creadores transitan diversas temáticas como la relación humana con la divinidad, el cuerpo, los roles de género o la memoria. La muestra puede visitarse desde este viernes 1 de julio, hasta el próximo 28 de agosto en este espacio expositivo del Gobierno de Canarias en Santa Cruz de Tenerife.
“Los niños, cuando nacen y son pequeños, están liberados de prejuicios y su entendimiento del mundo es totalmente intuido. A través del aprendizaje que reciben de los adultos, estas enseñanzas se adhieren a nuestra forma de entender la realidad”, apunta la comisaria, en relación al título de la muestra. Los artistas participantes comparten generación y son graduados en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, “lo que establece una experiencia común determina una forma colectiva de ver y entender el mundo”, explica la curadora.
La artista Francisca Rubio Wenk se inspira en los roles de género para la producción de una instalación que conjuga el bordado tradicional y la proyección audiovisual, y en la que invita a desarrollar una mirada crítica en torno a la performatividad de las identidades, través de patrones aprendidos desde la infancia.
El colectivo Magus interviene en la SAC a partir de propuestas instalativas y escultóricas, con las que teorizan sobre el acceso al conocimiento más allá de lo racional, mediante estados del ‘yo’ alterados por el contacto con las drogas, lo divino o mediante la conciencia ancestral.
El artista Javier Caldas participa en la muestra con instalaciones que transitan la relación entre velocidad, tiempo, muerte y memoria. Para ello, establece una investigación de archivo, en la que rescata imágenes o piezas de desguace automovilístico que aluden a la fugacidad humana.
Eduardo Hodgson utiliza la metáfora de la circulación para hablar del cuerpo y su relación con el medio. Bien sea a través de cuadros en gran formato o de instalaciones in situ utilizando los conductos del aire acondicionado de la sala de exposiciones.
Del 8 de abril al 3 de junio se podrá visitar esta muestra, centrada en el estudio del dolor ajeno y la indiferencia
La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) abre al público el próximo 8 de abril la producción expositiva ‘Ya no me duele’, firmada por el artista Ayoze Jiménez (Las Palmas de Gran Canaria, 1978). Se trata de un proyecto de intervención en el espacio expositivo que plantea como el dolor ajeno, cuando se repite durante mucho tiempo, pierde su efecto dramático, adormeciendo conciencias y fortaleciendo la indiferencia.
La exposición se centra en el estudio de cómo nos afectan las noticias dramáticas, noticias de tragedias desde el punto de vista del espectador, «un dolor visualizado desde el acomodado palco de tu hogar». Ayoze Jiménez argumenta que «son muchos los medios de comunicación que utilizan imágenes durísimas para captar la atención de la audiencia, mostrando la miseria como reclamo. La información deja de aportar certidumbre a nuestro conocimiento, tan solo incide sobre nuestras emociones y busca como único propósito un receptor más».
El contenido expositivo se articula a través de la intervención en el espacio. El tema que aborda para su propósito es la emigración entre África y Canarias, seleccionando el movimiento migratorio hacia las islas por la cercanía, «porque nos toca de lleno», pero sin la intención de analizar la cuestión ética del “problema».
La propuesta que el artista traslada a la sala de exposiciones consiste en la realización de un mural, «este ejercicio pictórico se ejecutará durante todo el tiempo que dure la muestra. De esta forma, el visitante podrá ir viendo día a día como se va construyendo la obra, compartiendo diálogos y sensaciones…», explica el artista. El diseño del mural se ha realizado como si fuese un supuesto viaje en patera, creando una imagen cuya lectura lineal hilvana toda la composición, desde la entrada de la sala hasta la salida, describiendo mediante imágenes realistas varios estadios del viaje: la dura travesía en el mar, la llegada a tierra, el trato como ganado, la acumulación de sueños y la destrucción de los mismos.
El itenerario expositivo se estructura en dos partes. La primera, aborda la realización de un mural realista sobre la emigración en Canarias. La obra es monocromática, realizada en color rojo sangre, utilizando este tono como vehículo psicológico para generar mayor dramatismo. El primer acto representa la tragedia, la lucha y el dolor que se encuentra detrás del viaje.
La segunda parte de la intervención consiste en ocultar el mensaje, para ello se tapa o parchea con colores todo mural. Durante dos semanas irá desapareciendo el drama y dando paso a la mancha (el color se intenta aplicar como una veladura que no oculta la imagen, simplemente la atenúa, la difumina). «La idea de tapar con color, no es más que un símil de como muchas instituciones ocultan con pintura los mensajes urbanos que les molestan».
El colectivo de arquitectos ‘Casa Antillón’ presenta ‘Prohibido pasar’, una reflexión sobre la ruina, el miedo y el aislamiento con la recreación del paisaje olvidado de la antigua Leprosería de Abades
‘Nada de esto es mío y sin embargo me pertenece’ de Cris Noda es una muestra instalativa con elementos resignificados, desde la práctica artística y la fotografía
La Viceconsejería de Cultura abre al público dos nuevas propuestas expositivas en sus centros de arte en Santa Cruz de Tenerife: el Espacio Cultural El Tanque y la Sala de Arte Contemporáneo, firmadas por el colectivo de arquitectos ‘Casa Antillón’, con Prohibido pasar y la artista Cris Noda con la propuesta instalativa, Nada de esto es mío y sin embargo me pertenece.
Casa Antillón, un colectivo de arquitectura y arte fundado en Madrid en 2019, formado por Marta Ochoa, Ismael Santos, Emmanuel Álvarez y Yosi Negrín, muestra en el Espacio Cultural El Tanque hasta el próximo 30 de abril, ‘Prohibido pasar’, una reflexión sobre la ruina, el miedo y el aislamiento a través de la recreación del paisaje olvidado de la antigua Leprosería de Abades.
Sus propuestas expositivas entienden la arquitectura desde la experimentación social y la intervención espacial en lugares inesperados, explorando diversos territorios culturales al entender su construcción a partir de la indagación expositiva, el evento social y el comisariado de arte emergente.
Explican que ‘Prohibido Pasar’ es un fragmento roto de paisaje. «Un paisaje de roca costera y agua de mar. Un lugar construido y olvidado que nos provoca con su forma y su significado la antigua leprosería de Abades en la isla de Tenerife. Allí, al lado de Playa Grande, mirando hacia la montaña roja, se levanta esta ruina que revela la historia de lo que fue y lo que pudo haber sido», explican.
Fue un cuartel militar tras la Guerra Civil española, donde todavía hoy quedan huellas de su uso. Pudo haber sido un sanatorio para leprosos, un lugar de cura y aislamiento. Del mismo modo, la historia de esta exposición toma la lepra como punto de partida para hablar del miedo y sus delirios. «Del miedo al paso del tiempo, del miedo al futuro como construcción imaginada, del miedo al pasado que no conocimos y del miedo al presente que vivimos con la única certeza de nuestra soledad», añaden.
Sus exposiciones recientes han sido Piso Piloto de Arte Emergente (2019), SOLOSHOW (2019) en Casabanchel, Edén(2020) en Casa de Campo y Domestic Fictions (2021) en la Casa de la Moneda de Segovia. Casa Antillón ahora ha evolucionado a convertirse también en un espacio de creación compartida en una nave de Carabanchel donde inauguraron una pequeña galería con la expo REBEL SOFT (2021).
Cris Noda, Sala de Arte Contemporáneo -SAC-
Nada de esto es mío y sin embargo me pertenece, de Cris Noda (SAC)
Doctora en Educación Social y fotógrafa por necesidad, comienza la incursión en la fotografía desde el químico, cosa que marca toda su trayectoria, trabajando la imagen desde la óptica que le interesa, más cercana a la filosofía y la narrativa que a la técnica.
Su propuesta artística para la Sala de Arte Contemporáneo, que se podrá visitar hasta el 25 de marzo, es una muestra instalativa con elementos resignificados desde una práctica artística, «basada en el acto de resistencia de la no producción». En una especie de curatoría objetual de la materia que le rodea, Noda, revela elementos pertenecientes a la belleza cotidiana, planteando nuevas posibilidades de ser tanto para la «obra» como para el espacio que ocupa.
Trabaja elementos resignificados, desde una práctica artística basada en el inmovilismo de resistencia, en la no producción y en su relación artística frente a distintos posiciones del yo. «Guardo la materia que me rodea después de un proceso de observación, la convierto en diferentes archivos en los que aporto un nuevo significado a los objetos. Realizo la preservación arqueológica del presente». Le interesa la fragmentación, la ruptura, el vacío, la herrumbre, lo frágil, la nostalgia de los viejos objetos .. «En mis procesos artísticos relaciono datos científicos, con la historia, con la literatura, con la poesía, con las vidas ajenas y con la mía. Hay muchas capas y lecturas en mis piezas que se construyen con el tiempo y permanecen para el espectador», concluye.
Horarios de visita:
SAC.
De lunes a viernes de 11:00 a 14:00 h. / Lunes y jueves de 17:00 a 20:00 h. / Sábados, domingos y festivos cerrado.
Espacio Cultural El Tanque.
De martes a viernes de 17:00 h.- 20:00 h / Sábados de 11:00 a 14:00 h.
Lunes y festivos cerrado.
La institución permanecerá parcialmente cerrada hasta principios de febrero, aplazando la programación de los próximos meses.
La biblioteca y el Espacio de Producción de Artes Visuales continuarán abiertos y se ofrecerán distintas actividades de manera online.
Las salas de exposiciones del Centro de Arte La Regenta permanecerán temporalmente cerradas al público para someterse a una reforma de mejora en su sistema de climatización. Estos trabajos tienen como objetivo alcanzar un mayor control de la temperatura y humedad de los espacios expositivos, con el fin de garantizar una conservación preventiva de las obras de arte. Se aplaza, así, la programación que debía realizarse estos meses, hasta su reapertura a principios de febrero de 2022.
A pesar del cierre parcial, la biblioteca del centro continuará abierta en el horario habitual, así como los estudios del Espacio de Producción Artística. Tampoco se paralizarán las labores del Departamento de Educación y Acción Cultural en los centros de enseñanza. De este modo, el centro expositivo ofrecerá una serie de actividades online, como la publicación de conferencias, entrevistas con artistas o contenidos de divulgación artística, con el objetivo de no frenar su compromiso con las artes plásticas.
Esta intervención en el edificio supondrá la apuesta por un sistema más eficiente y sostenible, ya que lleva aparejado un considerable ahorro energético. Durante este periodo, también se realizarán otras tareas de acondicionamiento de los parámetros y techos de las salas.
El Centro de Arte La Regenta es una dependencia del Gobierno de Canarias dedicada al apoyo y la divulgación del arte contemporáneo. La institución posee una sala de exposiciones, un Centro de Documentación, un Espacio de Producción que oferta de residencias artísticas y un Departamento de Educación y Acción Cultural. Este centro, situado en el barrio del Puerto de Las Palmas de Gran Canaria, se abrió en 1987 y se sitúa en el edificio de una antigua fábrica de tabacos, a la cual le debe el nombre.
