Ofrecen al público la historia de Edith Piaf, La cantante calva y Sor Juana Inés de la Cruz, a través de nuevos lenguajes escénicos, del 3 al 5 de abril

Tres noches, tres historias y un viaje teatral entre la música, la literatura y el absurdo. ​El Teatro Guiniguada ofrece esta semana un ciclo de Teatro Contemporáneo integrado por tres singulares obras que destacan por su innovación escénica y fusión de disciplinas artísticas. Propuestas que entrelazan teatro, música y nuevos lenguajes escénicos para contar tres historias que nos acercan a personajes tan dispares como Edith Piaf, La cantante calva de Ionesco o Sor Juana Inés de la Cruz. Las piezas corresponden a las compañías canarias Paola Morales, Gaviera y El Desleal, y estarán en escena del 3 al 5 de abril en el teatro que el Gobierno de Canarias gestiona en Las Palmas de Gran Canaria.

Un retrato escénico de Edith Piaf: entre la luz y la sombra

El ciclo comienza el jueves 3 de abril con ‘Edith Piaf, el gorrión de París’, una obra de la compañía Paola Morales Producciones Teatrales que nos sumerge en la compleja vida de la legendaria cantante francesa. Bajo la dirección de Manu Medina e interpretada por Paola Morales, la propuesta fusiona teatro y música en directo para revivir la trayectoria de Piaf desde sus humildes inicios en las calles de París hasta su consolidación como icono mundial de la chanson.

A través de un despliegue interpretativo lleno de fuerza, efectos visuales y un dramatismo envolvente, la pieza muestra la transformación y el desgaste físico de una artista que lo entregó todo a la música. Sobre el escenario, Piaf aparece como un torbellino de pasión y fragilidad: una voz inmortal atrapada en un cuerpo que se apaga.

Sor Juana Inés de la Cruz: la voz rebelde del Siglo de Oro

El viernes 4, la compañía Gaviera presenta ‘Sor Juana’, un montaje que rinde tributo a una de las mentes más brillantes de la literatura en español. A través de una combinación de teatro, poesía y música barroca, la obra recrea la apasionante vida de Sor Juana Inés de la Cruz, explorando su temprano interés por las letras, su relación con la religión y los conflictos entre su vocación intelectual y las restricciones impuestas por la sociedad de su época.

La dramaturgia se adentra en el universo onírico de la protagonista, incorporando elementos surrealistas inspirados en la pintora Leonor Fini y en figuras literarias como María de Zayas. La puesta en escena, dirigida por Vicente Ayala y con un elenco encabezado por Adriana Cortés, Ylenia de Luis e Ío Viera, se aleja de las narrativas convencionales para construir un retrato escénico que mezcla realidad y ficción.

Con una duración de 60 minutos, Sor Juana dialoga con el presente, poniendo en valor la vigencia del pensamiento y la obra de una autora adelantada a su tiempo. Tres siglos después, su voz sigue interpelando a la sociedad actual, recordándonos el poder del conocimiento y la lucha contra la censura.

El absurdo como espejo de la sociedad moderna

El ciclo concluye el sábado 5 con la compañía El Desleal, que trae a escena ‘¿Sigue peinándose siempre de la misma manera, la cantante calva?’, una libre adaptación del clásico de Eugène Ionesco. Bajo la dirección de Enzo Scala, esta versión conserva la esencia del teatro del absurdo, resaltando la incomunicación y el sinsentido del lenguaje en una sociedad hiperconectada pero incapaz de comunicarse realmente.

Con un reparto formado por Idaira Santana, Joel Morales, Rocío Andrés, Héctor Gutiérrez, Iratxe Menalbert y Óscar Bacallado, la obra mantiene la comicidad y el humor estrafalario del original, al tiempo que introduce una perspectiva contemporánea sobre la crisis de la civilización occidental. El Desleal, una compañía emergente en la escena canaria, mantiene la esencia irreverente de Ionesco mientras actualiza su mensaje para el presente.

La pieza destaca por su ritmo abrumador, su carácter provocador y la sensación de que, pese a los años transcurridos desde su estreno en 1950, sigue siendo una crítica ferozmente vigente sobre nuestra sociedad. Un montaje que invita a la risa y la reflexión, cuestionando si realmente hemos aprendido a comunicarnos mejor desde entonces.

Entradas y descuentos

Las entradas están disponibles en la web del Teatro Guiniguada y en taquilla, con un precio general de 10 euros, con descuentos disponibles para estudiantes, personas desempleadas y otros colectivos. Además, se puede aplicar el Bono Cultural Joven.

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Fernando Navas protagoniza esta obra original de Gógol, en versión de Miguel ángel Martínez, este sábado 25 de marzo a las 20.00 horas

El Teatro Guiniguada de la capital grancanaria adelanta la celebración del Día Mundial del Teatro a este sábado día 25, a las 20:00 horas, con la puesta en escena de ‘Diario de un loco’, una narración que, en forma de dietario, cuenta el descenso a los infiernos de la locura de un funcionario de la administración que acaba creyéndose el rey de España. La entrada es gratuita, pero debe retirarse en la taquilla del espacio escénico que gestiona el Gobierno en la capital grancanaria.

De forma previa a la función, como cada año, se dará lectura al mensaje por el Día Mundial del Teatro, que se celebra cada 27 de marzo, y que este año es autoría de la actriz Samiha Ayoub (Egipto). En el Guiniguada, la persona responsable de compartirlo será la actriz Mari Carmen Sánchez.

‘Diario de un loco’ es la más reciente producción de Profetas de Mueble Bar, concretamente el último trabajo de uno de sus miembros fundadores, Juan Ramón Pérez, fallecido el pasado noviembre, por lo que esta cita con el teatro constituye también un homenaje al director, autor y actor. Sobre el escenario, Fernando Navas, intérprete del personaje creado por Gógol en esta versión de Miguel Ángel Martínez.

Navas es Pedro Petrofich Petrov, único intérprete de esta obra estructurada como un diario, escrito en primera persona por su singular protagonista en su trayecto al desquicio. El texto original, de 1835, es un cuento de Nikolai Gógol, referente de la narrativa realista rusa, si bien cultivó varios géneros, especialmente la dramaturgia. Es autor de obras fundamentales de la literatura universal como ‘Almas muertas’ o ‘El inspector’.

‘Diario de un loco’ es un ejemplo del característico humor de Gógol y una obra que anticipa las bases del personaje kafkiano. Miguel Ángel Martínez lo amplifica y dota de referencias míticas y metateatrales. La obra incide en la vigencia de los mecanismos por los que un simple funcionario “inadaptado e incomprendido llega a desear ser un pequeño gran dictador que pretende imponer un tipo de justicia personal de modo universal”, explica Martínez.

Así, aunque su mirada hacia el personaje pueda resultar ácida o esperpéntica, lo contempla en su dimensión individual y radicalmente humana; en su papel de víctima o chivo expiatorio de una sociedad que continúa ignorando las simas delirantes de los totalitarismos abiertas a los pies de los incautos, los débiles o los malvados”, relata el autor de la versión. “Porque la inconsciencia, la debilidad y la maldad siempre han existido y son caminos que pueden confluir fatalmente hacia el mismo infierno de una sinrazón colectiva”.

Se concluye así que la ácida escritura de Gógol fue profética en cuanto a que “apuntaba a la génesis del fascismo y los totalitarismos de cualquier especie, a esas miserias y frustraciones íntimas que contribuyen a la creación de los delirios de grandeza y los monstruos de la sinrazón”.

‘Diario de un loco’, estrenada en septiembre del pasado año, contó con apoyo a la producción por convocatoria del Instituto Canario de Desarrollo Cultural. Para construir esta propuesta teatral, los Profetas -directores y productores- han contado con dos grandes artistas para la creación de espacios escénicos y sonoros: Bartolomé Ruano y Manuel Artiles, respectivamente, con una cuidada iluminación del equipo RGB.

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La iniciativa del Espacio La Granja incluye cuatro piezas que fusionan varias disciplinas e investigan con nuevos lenguajes escénicos

Comienza con ‘Hablemos de Fausto’ que se ofrece forma gratuita en conmemoración al Día Mundial del Teatro

El Espacio La Granja pone en marcha el Ciclo de Teatro Contemporáneo Canario, una iniciativa que incluye en esta primera edición cuatro piezas que fusionan varias disciplinas e investigan nuevos lenguajes escénicos, y que se podrán ver del 25 de marzo al 1 de abril, a las 20 horas. La programación dará comienzo con la puesta en escena de ‘Hablemos de Fausto’, de Amani Producciones, y continuará con ‘Naturaleza muerta sobre fondo blanco’, de la compañía Roberto García Mesa; ‘Sed’ de Raquel Ponce y ‘Las plantas, la carne, la lefa y las razones por las que me voy a levantar mañana’, de Yuma Teatro.

El ciclo se ha presentado hoy, martes 21, en una rueda de prensa en la que ha intervenido Lorena Matute, coordinadora de la Unidad de Artes Escénicas del Instituto Canario de Desarrollo Cultural; junto a dos de los directores de las cuatro obras programadas: Daniel “Marino” Álvarez (Yuma Teatro); y Roberto García Mesa.

La obra que abre el ciclo, ‘Hablemos de Fausto’, ha sido elegida para conmemorar el Día Mundial del Teatro, por lo que se podrá ver con carácter gratuito el sábado 25 de marzo, previa retirada de invitaciones en la web o taquilla. De forma previa a la función, su directora Noemí Pérez dará lectura al mensaje internacional por esta efeméride, que este año ha escrito la actriz egipcia Samiha Ayoub. El resto de la programación se ofrece al precio de 5 euros por función, al objeto de hacer muy asequible y acercar al público estas nuevas formas de vivir la experiencia escénica. Además, hay precios especiales para alumnado de escuelas de música y artes escénicas, estudiantes, jóvenes, personas en desempleo y mayores de 65 años.

La intención del equipo de este escenario dependiente del Gobierno respecto a este proyecto no es otra que generar espacios donde tengan cabida producciones escénicas que investigan en torno a diferentes lenguajes escénicos, otras maneras de contar, mediante otros usos del espacio, otros formatos, la fusión de diferentes disciplinas y, en definitiva, la creación de nuevos códigos escénicos.

Al tratarse de estos nuevos códigos, en esta primera edición del ciclo habrá piezas en las que el público formará parte de la dramaturgia de la obra transitando por la caja escénica, otras en las que el espectador estará muy cerca del elenco artístico. También las hay que incluyen poesía escénica acerca de la perturbación y el desconcierto o la que apuesta por diferentes lenguajes expresivos propios del teatro contemporáneo con el fin de cuestionar los límites del ejercicio teatral.

Esta primera edición será una experiencia piloto que servirá para testar el interés del público hacia iniciativas de estas características que, en cualquier caso, encajan con la filosofía de la programación del Espacio la Granja y también por ser una sala de aforo medio y que permite incorporar al público sobre el escenario, característica que da mayor calidad y coherencia a la percepción de este tipo de propuestas artísticas.

Contenido del ciclo

El ciclo se abre con ‘Hablemos de Fausto’, un original montaje de Amani Producciones, creado y dirigido por Noemí Pérez, que nos acerca al elemento fundamental del mito de Fausto: el deseo y la sombra. Toma como punto de partida la leyenda medieval del hombre que vendió su alma al diablo para explorar nuestro mundo hoy: aislamiento de grupo, las redes sociales, la capacidad de aniquilación de uno mismo y del otro, el deseo y sus límites y por último el anhelo de conectar con el alma propia y la de nuestro semejante.

Sobre el escenario, un hombre de avanzada edad que habita un acomodado espacio, su isla privada, desde donde observa el mundo, allí se relacionará con su propia sombra, él mismo, ‘el espíritu que todo lo niega’, así se presenta Mefistófeles en el Fausto de Goethe, aquí es el lado oscuro, la sombra de nuestro protagonista. La propuesta está encabezada por el actor Mingo Ruano, que interpreta el papel principal.  El espacio escénico lo conforman varios metros de neón vertical, un mundo aún por construir que conecta los aislados habitáculos donde sucede el acto teatral.  La función es el 25 de marzo, a las 20.00 horas.

Al día siguiente, domingo 26, a las 19.00 horas, se ofrecerá la representación de ‘Naturaleza muerta sobre fondo blanco’, de la compañía Roberto García de Mesa. Este proyecto de poesía escénica, en la que el público estará muy cerca del elenco artístico, trata de indagar en dos conceptos esenciales de nuestra sociedad contemporánea: la perturbación y el desconcierto. Contiene tres piezas que, pese a sus aparentes diferencias, exploran dichos elementos de muy diversa manera.

En la primera, que da título al conjunto, ‘Naturaleza muerta sobre fondo blanco’, dos periodistas discuten sobre un atentado terrorista de extremistas islámicos en una plaza pública. Todos los muertos en el atentado contemplan el diálogo, los movimientos, las imágenes, el horror…La segunda, ‘Segismundo siempre golpea primero’ es una versión muy libre y salvaje de La vida es sueño, de Pedro Calderón de la Barca. La tercera, ‘Variaciones de la razón’ está dividida en 8 partes, en donde varios intérpretes dialogan sobre poesía, revolución, disciplina, tiempo, espacio, mística, deseo y conciencia.

‘Sed’ de Raquel Ponce, se podrá ver el viernes 31 de marzo, a las 20 horas. Es una creación abierta, que ha ido ramificándose poco a poco en tres vías diferentes: la videográfica, la expositiva y ahora también la escénica. El denominador común en todos los formatos es que el público siempre juega un papel primordial; invitándole a fabricar la pieza al mismo tiempo que la experimenta en vivo; involucrándole activamente en el proceso de construir y dar sentido a la misma.

Se trata por tanto de un proyecto site specific que se adapta al espacio, en la que no existe un único frente, ni gradas ni asientos que ocupar; en la que el público debe desplazarse y elegir desde dónde desea mirar y experimentarla. La pieza se articula y desarrolla como si de una gran sopa de letras se tratase; en donde la palabra determina la acción y su propia imagen, en donde la palabra es utilizada como la fotografía de un sonido. Textos visuales que se mueven en el espacio. Textos coreografiados, dibujando escrituras, dibujando palabras, observando su volumen, como si de un cuerpo se tratase, observando su límite.

Esta primera edición concluye el sábado 1 de abril con ‘Las plantas, la carne, la lefa y las razones por las que me voy a levantar mañana’, de Yuma Teatro. La obra trata sobre una mujer rota de dolor, maltratada por la vida y cuya soledad se ha convertido en su única e inseparable compañera de viaje. Una mujer ahogada en las penas, que tiene a las plantas de su casa como únicas amigas y confidentes. Con el público situado muy cerca de la protagonista, será testigo de la pena tan grande que tiene, de su tristeza y soledad, de la necesidad de no parar nunca de hablar, de agarrarse a un clavo ardiendo, de las subidas y bajadas de ánimo. Una pieza que no obstante tiene un último mensaje alentador.

Basada en una obra de Pablo Messiez, la representación se ofrece bajo la dirección de Marino Álvarez y con la interpretación de la actriz Yuri Fontes. Su producción está a cargo de Yuma Teatro, una compañía de nueva creación que se inclina por un teatro actual, contemporáneo, que conecte con el pulso de la vida diaria de las personas.

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