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La Casa de los Coroneles se llena de color a través de las propuestas de 19 creadoras

Obras de Adela Picón y de 'Del tejido al bordado'

El colectivo Tejedoras Subversivas en Fuerteventura presenta la exposición, comisariada por Verónica Silva, Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirada al arte textil. Adela Picón muestra la individual,  Still – Life , conjunto de 14 fotografías  que reflejan la mirada intimista de la artista,

La Casa de los Coroneles, La Oliva, Fuerteventura, presenta en sus espacios expositivos las propuestas de quince creadoras, desde el próximo viernes 13 de marzo, hasta el día 2 de mayo. Se trata de dos muestras, la colectiva Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirada al arte textil, comisariada por Verónica Silva, en la que participan 18 firmas; y Still-Life,  individual de Adela Picón, con 14 fotografías que reflejan la mirada intimista de la autora, en diálogo con proyecciones en las que los motivos florales y coloridos dominan el escenario.

La colectiva Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirada al arte textil nos adentra en un recorrido dividido en cuatro espacios: Vaginas-feminismo, Placer- Dolor, Ecofeminismo y Feminismo Decolonial, planteando una reflexión sobre la voz femenina y su empoderamiento a través de tejidos, bordados, instalaciones, vídeos y pinturas realizados por este colectivo, reuniendo un total de 31 piezas.

Según su comisaria, Verónica Silva, “el mito de Progne y Filomela ha pasado a la historia como el estandarte revelador de la fuerza comunicativa del bordado. Mientras bordan en colectividad, las mujeres hablan, sus diálogos van quedando entre puntada y puntada; construyendo un reclamo de equidad en una sociedad patriarcal”. Como ya lo hizo Judy Chicago al reivindicar el tejido, bordado y costura, como técnicas artísticas, el colectivo Tejedoras Subversivas en Fuerteventura recupera estas prácticas y materiales de lo doméstico, para trasladarlo a lo público; permitiendo así su visibilidad.

Si Kate Millet dio un paso adelante al afirmar que “El sexo es una categoría social impregnada de política”, el colectivo Tejedoras Subversivas en Fuerteventura enfundado en agujas, hilos y telas, aborda la fina línea que reivindica una nueva lectura a los actuales sistemas de valores patriarcales en contextos sociales, políticos y económicos.

El espacio artístico de esta propuesta pretende que sus participantes se piensen a nivel grupal, en voz de mujer, para favorecer así el empoderamiento colectivo. Al compartir poco a poco, las mujeres unen lo individual con lo grupal; permitiendo de este modo el fluir de pensamientos, palabras y emociones. Este acto de verse reflejada en otras mujeres es en gran medida terapéutico y empoderador. “Podemos afirmar sin temor a equivocarnos que tejer, coser y bordar no son meras ocurrencias. Tanto en las manifestaciones de mujeres alrededor del mundo como en las piezas de Chicago y Amer, la técnica pasó de femenina a feminista, de lo privado a lo público, de un quehacer decorativo a una práctica artística”, comenta la comisaria.

El bordado y el tejido están revestidos de una utilidad trascendente: provocan placer cuando todo indica que deberíamos sufrir al realizarlos, ahí su potencia. “Lo mismo con el feminismo, cuando deberíamos ser funcionales al patriarcado y al mercado, las mujeres nos organizamos para disfrutar y dar un vuelco epistémico a estas técnicas ancestrales”, concluye Silva.

Still – Life es el nombre que recibe el conjunto de 14 fotografías realizadas por la artista Adela Picón, que reflejan la mirada intimista de la autora a través de retratos en estudio donde los protagonistas, muestran un diálogo con proyecciones en las que los motivos florales y coloridos dominan el escenario. “Miles de plantas y paisajes, formas y colores inmortalizados en diapositivas dormían en el voluminoso archivo de una vecina suya hasta que, tras heredar esa materia prima, Adela Picón decidió “reciclarlas“, darles una nueva vida, ponerlas en escena.

Proyectándolas en la pared de su estudio fotográfico – o de cualquier otro lugar – estas ilustraciones se convierten en fondos esperpénticos, rocambolescos y poéticos a la vez. Solo queda desear retratarse en esta escena fantástica y participar con la propia artista en un proceso de creación que resulta lúdico además de enriquecedor. La fotografía final propone una composición en que el paisaje dominador acoge y abraza los relieves de los personajes retratados que pueden ser cualquiera de nosotros: individuo, pareja, familia, clase de alumnos o, por qué no, asociaciones enteras. Detrás de estas escenificaciones, la motivación de Adela se centra en integrar personajes dispares por sus orígenes, intereses, oficios, edades… y permitirles formar parte de la producción artística, independientemente de lo cerca que estén del mundo del arte. Se trata de un intercambio que quiere ir más allá de la mera presencia en una fotografía, proponiendo una reflexión sobre lo privado y lo publico en el arte.

Adela nos lo explica con sus palabras: “A través de la combinación de diferentes realidades, tiempos y medios surge un palimpsesto en la imagen. Los cuerpos y las proyecciones se superponen, creando visualmente cierta confusión óptica sobre lo real y lo proyectado, acercándose a la imagen manipulada digitalmente. Pero, en realidad, son instantáneas: el registro de un acontecimiento plástico, de una instalación-acción”.

 

DATOS:

Fecha: 13 de marzo – 2 de mayo de 2020

Lugar: Casa de los Coroneles, Fuerteventura

 

Still Life

Artista: Adela Picón

 

Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirado al arte textil

Exposición colectiva

Comisaria: Verónica Silva

Artistas:

Lidia Chacón

Greta Chicheri

Rosi Cruz

Laura Gariglio

Naomi Giusti

María de la Peña Gutiérrez

Natalia Maciel

Montse Melián

Laura Negrín

Adelina Padrón

Yasmina Sánchez

Verónica Silva

Laura Squinobal

Mónica Turconi

Sarah Thomas

Penélope Vázquez

Llina Velázquez

Karishma Wadhawani

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Abierto el plazo para la presentación de proyectos artísticos en los espacios expositivos del Gobierno de Canarias

Espacios expositivos del Gobierno de Canarias

El plazo para presentar proyectos artísticos para la temporada 2021-2022 estará abierto hasta el 10 de abril. Las creaciones escogidas serán exhibidas en el Centro de Arte La Regenta, la Sala de Arte Contemporáneo, el Instituto Cabrera Pinto, el Espacio Cultural El Tanque y la Casa de los Coroneles

El Gobierno de Canarias ha abierto la convocatoria para la presentación de proyectos artísticos para la temporada 2021-2022 en los espacios expositivos que este organismo gestiona. Los/as artistas que deseen exhibir sus trabajos en estos centros tendrán hasta el 10 de abril de este mismo año para ofrecer sus propuestas. Los lugares en los que se expondrán o realizarán los trabajos admitidos serán el Centro de Arte La Regenta, en Gran Canaria; la Sala de Arte Contemporáneo, el Instituto Cabrera Pinto y el Espacio Cultural El Tanque, en Tenerife; y la Casa de los Coroneles, en Fuerteventura.

Esta idea tiene entre sus objetivos la colaboración y el contacto directo con el contexto artístico más cercano, así como el desarrollo de una programación con un importante grado de participación y cooperación de la sociedad civil. Por este motivo, es bienvenida la recepción de toda clase de propuestas expositivas y actividades susceptibles de desenvolverse en estos espacios.

Las personas interesadas en presentar sus proyectos deberán rellenar el formulario de la convocatoria. Todas las propuestas recibidas se valorarán en la comisión, que anualmente se reúne para conformar la programación expositiva, y que está compuesta por profesores universitarios, comisarios independientes y artistas visuales.

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Nacho Ramírez muestra su propuesta multimedia ‘Zapping’ en la Casa de los Coroneles

Una de las obras de 'Zapping'

La exposición se podrá visitar en este espacio ubicado en La Oliva, Fuerteventura, desde el 27 de septiembre al 23 de noviembre.

Nacho Ramírez, artista multimedia que ha desarrollado su obra entre Canarias y Madrid, presenta en Fuerteventura la propuesta expositiva ‘Zapping’, en la que reúne vídeos y fotografías en la Casa de los Coroneles de La Oliva. La televisión y la señal digital, cuando se  recibe de manera imperfecta, produce en el artista  un efecto fascinante, el “glitch”, “ese maravilloso error que fragmenta la imagen, los colores, en cientos o miles de unidades que aparentan ser pixeles, creando formas incomprensibles y alucinantes”.

A criterio de Nacho Ramírez, de las innumerables actividades a las que uno puede dedicar el tiempo libre, “ninguna es más aburrida que la de ver la televisión. En realidad ni siquiera es una actividad, sino más bien inactividad. Pero, de manera sorprendente,  el fallo de señal  me hacen saltar del sofá, preparar rápidamente la cámara de vídeo y grabar ansiosamente esos momentos irrepetibles” . Este aparente sinsentido es, en su opinión, portador de verdad, pero una verdad a la que hay que llegar por medio de la revelación.

Una vez desarmado el relato, eliminado el canon visual, “desaparece toda posibilidad de procesar de manera analítico-discursiva nuestras percepciones y recurrimos a artificios intelectuales.  De un problema técnico surge una visión enigmática y bella. La imagen se fragmenta creando figuras confusas, se descompone en miles de piezas, desintegrándose, mezclándose unas con otras.

Este fenómeno fortuito en el que se basa ‘Zapping’, este fallo técnico, “a mí me resulta tan cautivador que me ha llevado a trabajar con entusiasmo en su captura y edición hasta conseguir una serie de piezas de vídeo, algunas de las cuales forman parte de este proyecto. En la televisión el hecho es visualmente mucho más exuberante. No sólo se produce una craquelación de la imagen y una descomposición de la coherencia estructural de las figuras, sino además una delirante explosión de los colores en una suerte de puntillismo digital psicodélico, explica Nacho Ramírez

Nacho Ramírez  (Las Palmas, Gran Canaria, 1966) ha estado vinculado a muchas facetas del arte desde sus comienzos en la pintura en 1993.

Se formó en la Academia Artium de Madrid, siendo alumno de Eduardo Peña entre 1985 y 1991. Hasta el año 2000 expone principalmente pintura, es entonces cuando comienza a colaborar con artistas de otras disciplinas, como músicos y coreógrafos, con quienes realiza sus primeros trabajos de vídeo y performance, como Fatum en La Casa Encendida de Madrid y Casa de América o la participación en varias ediciones del Festival Internacional de Performances en el Centro de Arte Moderno de Madrid.

Desde 1986 expone regularmente con la galería Art Room de Madrid. De su participación en ferias y eventos cabe destacar Londonbiennale’04, Tempus Arti 2009 (comisariado por Jan Hoet) en Bélgica, NordArt 2012 en Büdelsdorf, Palmerscene, Palmer & Co, Reims o Cuerpo a Cuerpo, en el Centro de Arte La Regenta de Las Palmas de Gran Canaria. En 2006 realiza Flowing Figures, una obra de gran formato encargada por la Universidad Carlos III de Madrid para su colección.

En 2014 es invitado por la Universidad Tomás de Victoria a dar la conferencia Imagen y metamorfosis. Recientemente se ha publicado su libro Incertidumbres, una recopilación de breves reflexiones sobre asuntos relativos al arte acompañados de dibujos.

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Muyayo’ de Cristóbal Tabares se exhibe en las salas de la Casa de los Coroneles

Una de las obras que integra la exposición 'Muyayo'

Del 5 de julio al 21 de septiembre se podrá visitar esta muestra con pinturas que aportan una visión crítica sobre la identidad y la turisficación

El artista tinerfeño Cristóbal Tabares inaugura en la Casa de los Coroneles, La Oliva, Fuerteventura, una serie de pinturas reunidas bajo el título ‘Muyayo’ en las que se cuestiona qué nos define como sociedad y qué nos distingue de otras regiones, poniendo el acento en como la turisficación ha contribuido a desdibujar estos rasgos hasta hacerlos indistinguibles unos de otros. Se podrá ver desde mañana, viernes 5 de julio, hasta el 21 de septiembre, en este  emblemático espacio que gestiona el Gobierno de Canarias.

“La globalización económica, cuyo cuestionamiento más fuerte en los últimos años pasa por replantearse el modelo de turismo que consumimos, ha generado que el balconing sea propio de Mallorca o de La Orotava, y que la construcción masiva de complejos hoteleros haya condicionado el desarrollo natural de algunas zonas de las islas”, escribe sobre la obra Semiramis González. Como ya hizo en anteriores proyectos suyos, Tabares aporta una perspectiva crítica a través de una técnica que domina a la perfección, la pintura, utilizando el color y la figuración para representar espacios que podrían resultarnos familiares pero que son metáforas de lo que dibujan en palabras a través de vistas aéreas: caos, destrucción…

Se trata de un proyecto estéticamente impecable pero temáticamente crítico, sin abandonar la ironía inteligente que los proyectos de Tabares siempre tienen en común. Una exposición para repensarnos como sociedad, como consumidores y como turistas, y reflexionar sobre nuestra aportación a la conservación de los espacios naturales.

Cristóbal Tabares. (Arafo, Santa Cruz de Tenerife, 1984).

Licenciado en Bellas Artes y Máster en Arte, Territorio y Paisaje por la Universidad de La Laguna. Seleccionado para el II Encuentro de Artistas Novos en la Ciudad de la Cultura de Galicia, y en I Encuentro de Artistas nuevos de Castilla y León. Ha participado en Art Room Fair #2 y #4, en Proyecto Chimenea de La Casa Encendida de Madrid, en Ikas-Art y Getxoarte en Bilbao, en Estudio Aberto de Lugo, en Art Miami con Dillon Gallery de Nueva York.

Ha participado en exposiciones colectivas como Plástico, en 2013, en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife, Movember en 2014, en The VyneStudio de Londres, Breaking News, en 2014, en la Galería Manuel Ojeda en Las Palmas, 25.000/25ft en 2015 en el Instituto Cabrera Pinto, Bad Taste en 2017 en el espacio de la Térmica de Málaga, Contra la piel en 2018 en el Área 60 del TEA,  o Crisis? What Crisis? Capítulo 2. Dibujos (y otros recursos antropológicos) en 2018 en TEA. Este último año ha participado en la exposición Potasio en la galería Mad Is Mad de Madrid.

Entre sus exposiciones individuales destacan XIN XIN en 2014 en la Galería Metro de Santiago de Compostela, Liberté, Egalité, Varieté en 2016 en la sala de arte La Recova de Santa Cruz de Tenerife, Ahora es tarde señora en 2017 en el espacio Alquian de Madrid. Este año ha expuesto DIENTES DIENTES en la Fresh Gallery de Madrid.

Obtuvo el Primer Premio en la Bienal de Pintura de Padru en Cerdeña, el Premio Nacional de Pintura Enrique Lite, el Premio Museo Arte Contemporáneo de Gas Natural Fenosa en la feria Cuarto Público en Santiago de Compostela.

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Los artistas Mariana Palomino y Josefran Santana inauguran en la Casa de los Coroneles

Cabezas de Mariana Palomino

Caverna y Cartografía del residuo, respectivamente, se podrán visitar desde el próximo viernes 22 de marzo y hasta el 11 de mayo

La obra reciente de los artistas grancanarios Mariana Palomino y Josefran Santana se muestra a partir del próximo viernes, 22 de marzo, en la Casa de los Coroneles en La Oliva, Fuerteventura. ‘Caverna’ y Cartografía del residuo’, respectivamente, a través del lenguaje artístico y distintos soportes pone el acento en la degradación del paisaje y la pérdida de identidad, así como entre lo verdadero o falso de la imagen que construye nuestro contexto.

Mariana Palomino (Las Palmas de Gran Canaria, 1988) es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, Busca desde sus inicios un arte personal, principalmente a través de la pintura, arte y entorno, relacionando color y espacio público. Produce acciones de intervención urbana y utiliza la ciudad como soporte con un fin constructivo. Es una vía para conectar con las personas, reactivando el sentido de pertenencia y comunidad. También ha participado en numerosas exposiciones colectivas, su obra se puede encontrar en países como Italia, Brasil, Colombia o México.

En su exposición, ‘Caverna’, la inestabilidad de un mundo al revés, está en el borde de lo real y lo imaginario. Lugares de valores abatidos, la inquietud de una sociedad ansiosa por el futuro con preguntas difíciles de responder, que conlleva la destrucción y degradación del paisaje.

Cavernas y yacimientos olvidados, que construyen el paisaje y patrimonio de nuestras islas, a veces ocultados, saqueados y destruidos por falta de sensibilidad, la llevan a exponer la parte vulnerable de la sociedad. Para la artista el significado es incierto, lo que provoca tantas preguntas como respuestas. Una visión del caos, muerte con fragmentos y sensación de horror, el disgusto con una creciente impotencia de un mundo caótico. Con una narrativa “no resuelta” que genera tensión, que coincide con la apuesta desesperada de hoy en el futuro.

Las principales líneas de trabajo de Josefran Santana (Gran Canria, 1978) .se sitúan en la permanencia o incapacidad de permanencia de las cosas, la pérdida, la identidad de la memoria del sujeto u objeto, la clasificación entre verdadero o falso, que construye nuestro contexto y nuestra identidad.

Lo que queda de la huella. Josefran Santana
Lo que queda de la huella. Josefran Santana

Bajo esta última premisa, “me cuestiono hacer un análisis inverso de la imagen. Una imagen negativa, a modo de imagen fallida. La sensación de una materialidad inactiva, vaga, indiferente, un desvanecimiento del contexto, que ilusoriamente se nos presenta oculto, invisible, inmaterial”, apunta Santana.

El artista a modo de huella, cartografía los desperdicios que desde su estudio se generan, las acciones que se van sucediendo en ese espacio minúsculo que lo rodea. Con el convencimiento de creer que la imagen siguiente será mejor, y, por consiguiente, la imagen verdadera estará por llegar. En el proyecto surge la necesidad de momentos visuales rápidos e improntas del contexto, que en algunos casos terminan por la dispersión de la imagen, una copia que se pierde en o se fuga tras su repetición o calco, su desvanecimiento.

La idea en un principio se basa en cartografías de mapas imaginarios, pero tras la persecución en busca de un orden aparentemente visual, este desaparece en pro de un caos metodológico. “Utilizo como proceso de trabajo la impronta, el garabato, la dispersión o vertido de la tinta, así como todo aquel elemento que se genera y se acumula desde el trabajo diario. Lo que me permite crear mapas des-localizados desde el descontrol técnico y conceptual del no hallar una frontera localizada, sino más bien como cartografías sin resultados finales, quedando todo el proceso sin terminar, en un boceto, en una imagen sin codificar, en imagen no válida” explica el artista.

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