El artista parte de la performance a través de la danza contemporánea, hasta llegar a la instalación audiovisual

Participan los músicos Alberto Cernadas y Alejandro Da Rocha en directo, para dar vida a los visuales de Sam Fuentes

La acción será el viernes 14 de abril, a las 21:00 horas, mientras que la instalación se podrá visitar en el Espacio Cultural El Tanque hasta el 28 de mayo

‘Caer en El Tanque’ es una performance que surge con una acción artística y cae en la danza contemporánea a través de una instalación audiovisual. Una propuesta performática de Richard Mascherin (1992) que acciona y se mueve desde la caída emocional y física con música en directo, que tendrá lugar en el Espacio Cultural el viernes 14 de abril, a las 21:00 horas. Posteriormente, la instalación audiovisual y la huella de la performance se podrán visitar hasta el 28 de mayo.

Se trata de una adaptación de CAER, CAER, CAER, un proyecto dirigido por Richard Mascherin que se ramifica en diferentes formas y propuestas, en las que la vulnerabilidad del cuerpo y la inevitabilidad de la caída son los conceptos fundamentales de esta investigación, vinculando la danza, la performance, el video y la fotografía.

Por medio de la relación con objetos y el espacio metálico, el artista Richard Mascherin «caerá» junto a los músicos Alberto Cernadas y Alejandro Da Rocha, en directo, para dar vida a los visuales del artista Sam Fuentes entre las paredes del Espacio Cultural el Tanque.

Mascherin, es un creador canario enfocado en las artes escénicas contemporáneas y audiovisuales. La inevitabilidad de la caída es el concepto que sigue en su investigación artística: estar entre la danza y la performance, entre el cuerpo y el sonido, entre el realismo y el teatro..

Trayectoria del proyecto CAER, CAER, CAER

El proyecto se generó en el año 2020, en los alrededores del pueblo Tijoco Bajo en el sur de Tenerife, como propuesta audiovisual, buscando una manera de compartir sus caídas emocionales y físicas para el Fiver Dance Film Festival en el confinamiento.

Desde entonces ha realizado diferentes propuestas escénicas y audiovisuales para festivales de danza, espacios de arte y festivales de cine nacionales. Apoyado por entidades como Konvent Zero, Centro Coreográfico Canal, Cabildo de Tenerife, L’Estruch Fábrica de creació, Fiver Dance Film Festival, Masdanza, Tenerife Espacio de las Artes – TEA, Pie de Base, Graner Centre de Creació, Danseu Festival, Mapas Fest, Centro Coreográfico de la Gomera y Derida Dance Center (Bulgaria).

Richard Mascherin (1992). Se gradúa en Madrid en Danza Contemporánea (Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma). Título en Dirección General de Cine (Escuela de Cine y Teatro Metrópolis). Se especializa en Especialista de Cine y TV (Escuela de Especialistas Ángel Plana de Madrid) homologada oficialmente por International Stunts Academy de Moscú (I.S.A.).

Ha pasado por trabajos escénicos con directores y coreógrafos internacionales como Sharon Fridman en las obras Free Fall, Hasta dónde…? y AllWays (2015-2019) girando por Europa, Asia y América del norte, o Marcos Morau en Pasionaria (2019-2021) girando por Europa, entre otros. Siente una gran inspiración e inclinación por el artista conceptual Bas Jan Ader (1942-1975).

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Se podrá visitar en este espacio del área de Cultura en Santa Cruz de Tenerife desde este viernes 10 de septiembre hasta el 29 de octubre

Se trata de una instalación site specific, pensada para ser transitada como una experiencia inmersiva, basada en redibujar la propia sala de arte

La Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias (SAC) abre al público la exposición Pensar el final compromete el final, de la artista Laura Mesa (La Orotava, 1975). Una instalación site specific, pensada para ser transitada como una experiencia inmersiva que podrá visitarse desde hoy viernes 10 de septiembre hasta el 29 de octubre.

El proyecto plantea una intervención basada en redibujar la propia sala de arte, rotando toda su estructura arquitectónica para crear una nueva relación con el espacio, buscando señalar su condición de base de un edificio que es un potente espacio simbólico, como sede de importantes estructuras culturales, entre otras la Biblioteca Pública del Estado. De esta manera, la intervención supone un reposicionamiento de la sala de arte “creando así un área interna y otra externa en el interior, desterritorializando el espacio” como apunta la comisaria y crítica de arte portuguesa Joana P. R. Neves.

Como es habitual en el trabajo de la artista, la instalación aborda las problemáticas entre la realidad y su representación, entre materia e imagen, a través de la investigación sobre los procesos y conceptos del dibujo.

Mesa es una autora que destaca por trabajar habitualmente con materiales y técnicas del dibujo, no solo investigando sus posibilidades -desarrollando muchos procesos técnicos innovadores y específicos para sus obras- sino, sobre todo, trabajando en los límites del propio concepto de dibujo con el fin de explorar las complejas relaciones que se establecen entre la realidad y su representación.

Como apunta Neves, los materiales que emplea Mesa, “hojas de papel, grafito y tinta son utilizados como herramientas de dibujo, pero también como conceptos que pertenecen a la carne, a la superficie y al pensamiento dinámico”.

Su obra, por otra parte, destaca por ser resultado de procesos extremadamente laboriosos: En su exposición individual más reciente, Pero no el mundo (Galería Artizar, 2020) Mesa realizó una instalación con un conjunto de unos 800 apilamientos de más de 27.000 pequeñas hojas de papel de seda, tratadas y aglutinadas manualmente una a una.

Para la instalación Pensar el final compromete el final ha realizado a mano más de 5000 hojas grafito aglomerado, un desconcertante material que es, a la vez, papel y lápiz, en un proceso que le ha llevado dos años de trabajo. Este tiempo de elaboración de las obras es lo que Neves considera el “tiempo del dibujo”, que tiene una importancia decisiva en la obra de Mesa puesto que entra en relación crítica con “el tiempo del mundo y el tiempo del espíritu”. En opinión de Neves, en su obra “el espacio ocupado por la materia equivale al tiempo que Mesa ha pasado agregando materiales, trabajando en su alquimia personal que lo mantiene todo unido”. De ahí que la propia artista destaque que, en sus obras, tan importante como los objetos finales es el propio proceso del dibujo, consistente en “una acción repetida un ingente número de veces”.

Sus obras son, por tanto, el resultado de verdaderos “procesos de resistencia” que la artista pone en valor de manera crítica en un mundo cada vez más virtualizado y tecnificado, donde los procesos manuales se han convertido, de alguna manera, en la reserva para ejercitar la escala de lo humano, para el tiempo que necesitan la reflexión y el pensamiento.

Laura Mesa es Doctora en Bellas Artes y Graduada en Filosofía, actualmente es profesora de Dibujo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna.

La exposición puede visitarse entre el 10 de septiembre y el 29 de octubre en la Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife, ubicada en el edificio de la Biblioteca Pública del Estado («Casa de la Cultura»), junto al Parque de La Granja. El horario de apertura de la sala es de lunes a viernes de 11h a 14h, los lunes y los jueves también de tarde (17h a 20h), mientras que ábados, domingos y festivos el recinto no abre al público.

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La instalación inmersiva e interactiva se podrá visitar desde el sábado 23 de enero al 27 de marzo.

En Zona Cero, la idea del cenotafio dialoga con el edificio que un día fue depósito de petróleo, huella del patrimonio histórico industrial de la ciudad. Incluye la instalación sonora creada por Pedro D. Sáiz, una pieza atmosférica inédita que enfatiza el carácter post apocalíptico de este paisaje.

Yosi Negrín (Santa Cruz de Tenerife, 1994) es un artista, arquitecto y comisario cuyo trabajo se centra en la relación existente entre lo virtual y lo real, investigando sobre la construcción de la realidad física en relación con la tecnología y lo digital. En su propuesta artística inmersiva e interactiva, Zona Cero, Cenotafio Digital, que se podrá ver en el Espacio Cultural El Tanque a partir de este sábado 23, construye una arquitectura de excepción por medio de la búsqueda y conmemoración de la muerte digital de la imagen y del paisaje.

El artista señala que, “la construcción de la Zona Cero surge de la idea de conmemorar a los desaparecidos virtuales: las imágenes pasadas, aquellas dejadas atrás, enterradas y olvidadas en el e-archivo. Con este monumento de muerte, este cenotafio, se conmemora y honra la ausencia de la imagen digital. Una ausencia generada por su propia superproducción y abundancia. El “cenotafio” es una tipología arquitectónica simbólica de voto o promesa en honor de ilustres difuntos, cuyos cadáveres están demasiado lejos como para enterrarlos o, directamente, se han perdido. En este caso, los cuerpos muertos son aquellas imágenes de infinidad de paisajes que se han desmaterializado en internet y que se almacenan físicamente en desiertos o glaciares, bajo arquitecturas robotizadas, oscuras y refrigeradas”, indica.

En Zona Cero, la idea del cenotafio conversa directamente con el edificio, que un día fue depósito de petróleo. El Tanque es una huella del patrimonio histórico industrial de la ciudad, un esqueleto superviviente y reconvertido, de lo que sería un espacio estriado y degradado de la costa de la capital tinerfeña. La Zona Cero nos ofrece la posibilidad de repensar la relación que tienen los espacios dedicados al arte con los restos de nuestro pasado, así como con los restos que generamos para el futuro, ya sean digitales o físicos. “El museo, los espacios que consagramos al recuerdo mediante el afán de recolección, se convierten en una especie de cementerio mediante la acumulación. Las piezas del pasado son pequeños gestos, ya muertos, que se conservan con la esperanza de obtener un recuerdo de lo que fue en el futuro”, a juicio de Negrín.

La estructura principal de Zona Cero es una gran esfera a la que pueden acceder los espectadores, colocada encima de un coche en ruinas. En esta esfera, una cámara 360º graba su imagen en tiempo real para incluirla dentro de la proyección presente en la enorme pantalla de la sala. Esta proyección es el otro gran elemento de la instalación, en la que vemos canteras de piedra, embalses, tanques; naturalezas que surgen de la propia conversión geológica del territorio canario hecha por el humano. Es en este gran panorama donde se almacenarán, de manera secuencial y continuada, el rastro de todos los visitantes que entren en el cenotafio digital. Así, la imagen de cada persona habitará estos paisajes deshumanizados, haciendo que la instalación varíe a lo largo de las semanas, fluctuando y registrando en la pantalla todos los visitantes que pasen por allí.

Además, toda la Zona Cero se encuentra acompañada por la instalación sonora creada por Pedro D. Sáiz, una pieza atmosférica inédita que enfatiza el carácter post apocalíptico de este paisaje. Como adición a esta experiencia inmersiva instalativa, el día de la apertura, la instalación se activará con una performance continuada, a través de varios cuerpos anónimos y foráneos que pasean desorientados por el espacio. La exposición será también visitable en red a través de la plataforma Twitch, ofreciendo la oportunidad de seguir el camino que tome el proyecto hasta su clausura, ampliando la manera de entender la experiencia artística más allá del espacio expositivo.

En Zona Cero, Cenotafio Digital, naturalezas vivas y muertas conviven con maquinarias, automóviles, pantallas, restos agrícolas e imágenes producidas por inteligencia artificial tratando de recrear nuestras ruinas del futuro. El Tanque se convierte así en un cementerio cuyo recorrido inmersivo e interactivo a través de arquitecturas de carácter funerario y mitológico pretende despertar estas mismas sensaciones desoladoras: un paisaje abandonado del futuro, un archivo físico y digital de lo muerto. Mediante los distintos elementos que componen la instalación, vegetales y maquinarios, se reconstruye este paisaje apocalíptico del futuro.

Yosi Negrín (Santa Cruz de Tenerife, 1994) es un artista, arquitecto y comisario cuyo trabajo se centra en la relación existente entre lo virtual y lo real. Su obra investiga la construcción de la realidad física mediante nuestra relación con la tecnología y lo digital. Ya sea mediante el vídeo, la instalación o la creación de imágenes artificiales generadas por él mismo, Negrín emplea diversos medios artísticos para construir paisajes que ponen en cuestión lo real. Su trabajo se centra en el estudio del mapa digital y físico, así como en las meta-narraciones creadas por los mismos que damos por válidas en nuestro día a día. En su trabajo más reciente, el artista pone en cuestión cómo la tecnología moldea no solo nuestra visión de lo real en el presente sino también de lo que creemos posible en el futuro. Entre las exposiciones más recientes en las que ha participado destacan Aragon Park, Madrid (2020); 10 segundos, 20 artistas, Madrid (2020) o Swatch Cities Madrid, Madrid (2018). Asimismo, Negrín es uno de los creadores del proyecto de exposición itinerante Casa Antillón, entre cuyas exposiciones cabe resaltar Casa Antillón, Madrid (2018) y Solo show. casaantillón x casabanchel, Madrid (2019).

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La obra de la reconocida artista mallorquina puede visitarse hasta el próximo 29 de septiembre

La artista Amparo Sard (Mallorca, 1976) expone desde hoy, viernes 26, en el Espacio Cultural El Tanque, una instalación que responde al dilema de la mirada contemporánea que aúna memoria y reflexión. La propuesta expositiva, Viaje a Saturno, no utiliza la memoria vinculada a la imagen sino a la materia. Y esa materia es la pantalla sobre la que vemos proyectadas las imágenes que cuestionan nuestra forma de mirar.

El trabajo de Amparo Sard es multidisciplinar y habla de cómo la sociedad es incapaz de reaccionar ante las desgracias que vemos día a día en las pantallas, utilizando como soportes esculturas a gran escala en poliuretano, fotografías, vídeos y dibujos. Sard, «deforma imágenes aparentemente superficiales con el fin de hacer reaccionar al espectador y que sienta la angustia, o tensión, que debería tener», según explica la comisaria del proyecto, Susana Sanz. A su juicio, las tragedias -niños que mueren de hambre, exilios y familias rotas-, son percibidas como si se tratara de una película de ciencia ficción».

En Viaje a Saturno, Sard proyecta las imágenes del rescate de una patera intencionadamente deformada. “Ahora la pantalla es un órgano monstruoso, una gran mancha luminosa anaranjada que captura la mirada del espectador como un salvavidas lanzado al océano. Es la siniestra arruga en la que se ha convertido la pantalla, el horror de la deformación transferida a las imágenes que vemos proyectadas sobre sus cráteres y las voces desgarradoras que resuenan en el espacio expositivo, lo que nos quiebra el alma”, apunta la comisaria. Esta fractura matérica conecta con nuestra parte más primitiva y humana para hacernos sentir y reflexionar sobre la imagen.

Las palabras del músico de jazz estadounidense Sun Ra sirven de inspiración a la artista para interrogarse sobre la imagen y su percepción. “Las imágenes son instrumentos de poder. Ese poder de crear lo que ahora llamaríamos fake news se hace más patente si cabe con la “democratización” de las imágenes. Cortar y pegar con photoshop, aplicar filtros al hacernos un selfie o subir una storie retocada indica las múltiples posibilidades de manipulación de la imagen en nuestra vida cotidiana”, argumenta la artista.

Amparo Sard ha mostrado en su trayectoria intereses muy diversos: matemáticas, física, música, filosofía. Su obra es multidisciplinar, delicada, obsesiva, a veces inquietante. La continua experimentación con materiales le permiten la expansión de su propuesta artística a gran escala.

Licenciada, doctorada y profesora de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona, Master of Art in Media Studies por la New School University de Nueva York. Ha sido galardonada, entre otros reconocimientos, con el Deutsche Bank Internacional y la Medalla de Oro del Gobierno Italiano a su carrera y seleccionada como una de las mejores artistas del mundo del año 2018 para la LXRY list de Holanda. Vive y trabaja entre Barcelona y Mallorca.

Ha expuesto de manera individual en museos como el MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Roma, TEA Tenerife Espacio de las Artes, Es Baluard de Palma, Museo ABC de Madrid: o colectivas como el Irish Museum of Modern Art, White Box de Nueva York, BOZAR Palacio de las Bellas Artes de Bruselas, MMCA Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Korea, Royal Ontario Museum, entre otros. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas como el MOMA de Nueva York, Guggenheim de Nueva York, la West Collection de Nueva York, el MACRO de Roma, el Taylers Museum (Haarlem, Holanda), Artium de Vitoria, Deutsche Bank de Berlín y Nueva York, colección Patricia Phelps de Cisneros, entre otros.

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La propuesta específica para este singular contenedor artístico se abre al público este viernes, 11 de abril, a las 20:30 horas.  Comisariada por M. Lohrum, se inscribe en el programa de residencias Mind the Gap que une a creadores londinenses y tinerfeños

El Espacio Cultural El Tanque abre al público este viernes, 11 de abril, a las 20:30 horas y hasta el 11 de mayo, el proyecto artístico site-specific, An Aecheology of the Sun, firmado por los creadores Jorge Martín y Pei-Fen Lee. Una iniciativa expositiva que se enmarca en el programa de residencias Mind the Gap, creado y comisariado por M. Lohrum con el propósito de unir a una de las capitales del arte contemporáneo más relevantes del mundo, Londres, y la isla de Tenerife.

Cada año dos artistas londinenses son invitados a elaborar un proyecto colaborativo site-specific en respuesta al entorno de la isla. An Archeology of the Sun, realizado por los artistas Jorge Martín y Pei-Fen Lee, es el primer proyecto creado dentro del marco de este programa.

Sirviéndose del carácter singular que presenta el Espacio Cultural el Tanque y de su atmósfera “sacralizada”, Pei-Fen y Jorge Martín desarrollan una propuesta artística que reflexiona, desde el punto de vista antropológico y sociológico, sobre uno de los reclamos turísticos primordiales en Canarias: el sol.

Los artistas se interrogan sobre qué impulsos seguimos los seres humanos en nuestra búsqueda del sol; sobre el valor y carácter de nuestra experiencia con el astro en relación a las narrativas que existen detrás de este deseo. Siguiendo estas cuestiones, los artistas se embarcan en un intento utópico y de tintes arqueológicos que implica un ejercicio de autoconciencia y de relaciones sociales, incluyendo innumerables niveles de discursos y actores.

El Espacio Cultural el Tanque sirve como elemento clave para esta experiencia por su doble carácter como lugar de reflexión y de reunión. Su arquitectura y su dimensión espacial son el anclaje de un diagrama que crecerá tanto de forma física como en una web. Para ello, construyen una vídeo-instalación en la que utilizan material videográfico grabado por ellos mismos, relacionado con su propia experiencia solar en Tenerife,  nutrido por actividades y entrevistas que realizan mano a mano con residentes locales y turistas en la isla. A ello se unen mapas de tráfico aéreo, migraciones, artículos de prensa, movimientos solares, etc, obtenidos en la web, invitando a la colaboración y la participación del público a través de la página: www.archeologyofthesun.com

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