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Un centenar de esculturas, pinturas y grabados de Alfonso Crujera llena de arte las salas del Cabrera Pinto

'Esfera', una de las piezas que integra la exposición

‘Mundos paralelos 1974-2020’ se abre este sábado 25 en La Laguna con una muestra que reflexiona sobre el territorio

Un centenar de esculturas, pinturas y grabados del artista multidisciplinar Alfonso Crujera llenarán de arte las dos salas del lagunero Canarias Cabrera Pinto. Será a partir del sábado 25 de julio, a las 12.00 horas, cuando este espacio del Gobierno de Canarias abrirá sus puertas al público para mostrar algunas de las obras más significativas de la trayectoria artística de este destacado pintor, escultor y grabador, considerado uno de los integrantes de la llamada ‘Generación 70’ del Archipiélago.

Bajo el título ‘Mundos paralelos 1974-2020’, el artista muestra una obra que continúa su reflexión sobre el territorio, un aspecto esencial en sus creaciones. El proyecto expositivo, comisariado por Antonio P. Martín, se podrá visitar hasta el 4 de octubre en el horario habitual de estas salas siguiendo los protocolos de seguridad y medidas de prevención recomendadas por Sanidad Pública.

Con más de 40 años de experiencia en diferentes disciplinas como el teatro, performance, video, instalaciones, escultura y grabado, Alfonso Crujera ha dedicado toda su vida al arte. En esta nueva exposición, reúne por primera vez un centenar de esas esculturas, pinturas y estampas que ha realizado durante toda su trayectoria artística.   Con esta estructura expositiva se hace un recorrido por su vida como artista, su aportación al mundo del arte y “se brindan algunas de las claves que han marcado su trabajo”, señala el crítico e historiador del Arte Franck González.

La muestra se inicia con la serie ‘Desde el hombre para el hombre’ (1974), una primera reinterpretación del paisaje humano en clave política. Una serie que debe leerse en el marco de los estertores del Franquismo. Su ‘Tríptico de iniciación’ (1978) apunta a lo que serán sus primeras aproximaciones al género del paisaje en 1980. Poco después surgirá su primera propuesta sobre lo sagrado, dando pie a la serie ‘Betilos’ (1988-1998). Ambas líneas de trabajo se encontrarán un año más tarde en la serie ‘Tools’, prólogo de una serie de pinturas -‘Strand’ (1990)- que acabarán tomando cuerpo en estructuras tridimensionales de terracota: ‘Obra solar’ (1992).

A lo largo de estas dos primeras décadas Crujera se adentra en el mundo de la estampa, realizando sus primeros grabados electrolíticos en 2001. En 2002 comienza a realizar grabados electrolíticos cuyo objeto será la Punta del Caletón, dando paso así a la serie de grabados y pinturas que presentará en 2007: ‘LPGC’ Supone ésta una nueva reinterpretación del territorio y del vacío –otra de las claves- de su trabajo- en el que la ciudad y el espacio sobre el que se asienta se convierten en una maqueta sobre la que proyectar luces y sombras. Un año más tarde publica su ‘Manual del grabado electrolítico no tóxico’ (2008), volumen que se publica en inglés -‘Electro-etching handbook’- en 2013 y que se ha convertido en una referencia global. De la impronta de esta técnica hay cumplida cuenta en la muestra con series como ‘Galvanografías”’(2007- 2008) y ‘Grabatos para pasar las horas’ (2008-2019). Cierra esta exposición su más reciente reflexión sobre el territorio y lo sagrado: la serie de lienzos ‘Sacred Place’ (2020)”, adelanta Franck González en la hoja de sala.

Alfonso Crujera (Sevilla, 1951) es pintor, escultor, grabador y ha sido profesor de grabado calcográfico en la Escuela Luján Pérez (1999-2010). Además, ha participado como colaborador en proyectos con arquitectos, músicos, escritores y artistas visuales. También ha expuesto individualmente en las principales galerías e instituciones de Canarias.

Desde 1968 reside en la isla de Gran Canaria, donde tiene su taller, el cual comparte como residencia–taller con artistas visuales que desean iniciarse en el grabado electrolítico en un entorno natural propicio para la creación, al que han asistido artistas de Argentina, Brasil, Canadá, Corea del Sur, Costa Rica, Cuba, España, Estados Unidos, Estonia, Italia, México, Paraguay, Polonia y Reino Unido. De hecho, es reconocido internacionalmente como investigador y difusor del grabado electrolítico (más seguro para los grabadores y el medio ambiente) sobre el que ha publicado el ‘Manual del Gra-bado Electrolítico No-tóxico’ (2008) y una versión ampliada en inglés ‘Electro-etcning handbook. A safe, non-toxic approach’ (2013) que se han convertido en una referencia global. Ha impartido seminarios, conferencias y cursos, y publicado numerosos artículos sobre los procesos electrolíticos en el grabado, entre otros proyectos.

Horario de las salas de arte del Instituto de Canarias Cabrera Pinto: Lunes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los fines de semana solo en el horario matinal.

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Redescubriendo la pintura de Pino Ojeda en el Cabrera Pinto

PIno Ojeda en su estudio

La sala lagunera que gestiona el Gobierno de Canarias inaugura una exposición sobre la vertiente plástica de la polifacética artista. En paralelo, la planta alta acoge la muestra ‘Goya y otros grandes grabadores’, organizada por el centro.

La faceta pictórica de Pino Ojeda es el centro de atención de una nueva exposición en la sala de arte del Instituto de Canarias Cabrera Pinto, que gestiona el Gobierno de Canarias en La Laguna. Este sábado 15 de febrero, a las 12:00 horas, se abre al público ‘Pino Ojeda y la pintura’, que invita al espectador a adentrarse en el rico universo plástico de la polifacética artista grancanaria, de quien se ha conocido mucho más su obra literaria. En paralelo, la planta superior del espacio, acoge la exposición ‘Goya y otros grandes grabadores’, organizada por el centro, que incluye algunas obras de Francisco de Goya. Ambas exposiciones estarán abiertas al público hasta el 5 de abril.

Pino Ojeda (1916-2002) es una de las artistas más complejas e interesantes del siglo XX en Canarias. Poeta, pintora y galerista, es notable la pasión contenida que late en toda su producción, tanto la pictórica como la poética. Para realizar la exposición ‘Pino Ojeda y la pintura’, comisariada por Ángeles Alemán, se ha seleccionado obra representativa de sus diferentes etapas: 1. La abstracción gemétrica y la Escuela Luján Pérez (1947-1959); 2. Paisajes (lacas) y Grupo Espacio (1961-1972); 3. Collages y dibujos (1980-89); y 4. Infografías (2000).

Las obras del primer periodo presentan una abstracción geométrica muy estudiada: obras realizadas en pastel o témpera, que reflejan la influencia directa de los ideales estéticos de la escuela Luján Pérez durante estos años. La segunda etapa es sin duda la más original e interesante de Pino Ojeda como pintora: encuentra la madurez en paisajes realizados a base de lacas. Es, además, el tiempo en el que Ojeda expande su labor como artista y expone en la Península y en varias capitales europeas.

La dureza del trabajo con las lacas pasa factura a la vista de Pino Ojeda, por lo que se vuelca en obras de formato más pequeño y de técnica muy diferente, que abarcan la tercera etapa identificada en su obra visual. Los temas son escogidos con cuidado y, junto a los collages, la creación de dibujos de línea sutil refleja en esta etapa una línea intimista y retrospectiva que, sin embargo, encara la realidad de su presente. Tras una etapa de silencio plástico y pese a su avanzada edad, en el año 2000 Pino Ojeda decide no quedarse atrás y, con un programa de pintura, empieza a realizar obras por ordenador. Son piezas de sentido maduro y certero en el uso del color, cuyas formas abstractas podrían enlazar con las de su primera etapa.

‘Goya y otros grandes grabadores’

'Goya y otros grandes grabadores'
‘Goya y otros grandes grabadores’

Por su parte, la Sala de la Planta Alta del Cabrera Pinto acoge, nuevamente, una exposición organizada por el centro IES Canarias Cabrera Pinto con los materiales, que forman parte de los fondos de sus museos. En esta ocasión, se muestra una selección de láminas de algunos de los más importantes grabadores de finales del siglo XVIII y del XIX. Se exponen 25 grabados que corresponden a una de las conocidas series de La Calcográfica, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y que versa sobre las importantes pinturas con las que contaban los Reales Sitios en España.

Entre las estampas expuestas hay ocho obras de Goya quien, a finales del siglo XVIII, se inicia en el arte del grabado abriendo láminas sobre la pintura de Velázquez. Pertenecen, por tanto, a su Serie Velázquez, que constituyen los inicios en la estampación de quien es considerado el más grande grabador de todos los tiempos.

El espectador podrá admirar en esta exposición las láminas resultantes de grandes obras de Murillo, Zurbarán, Rosales o el Greco. La colección de grabados del IES Canarias Cabrera Pinto, parte de la cual se expone en la Sala, llegó al centro en 1906, procedente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y cuenta con obras de las más importantes series de La Calcografía Nacional.

 

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Diecisiete artistas responden al interrogante ¿Oriente es Oriente? en las salas Cabrera Pinto de La Laguna

Pura Márquez. La puerta de la India.

La exposición colectiva, comisariada por Gopi Sadarangani, se inaugura este sábado 21, a las 12:00 horas, en el espacio del área de Cultura del Gobierno

Las salas Cabrera Pinto de La Laguna abren su espacio a la participación de 17 artistas, canarios, nacionales e internacionales que responden con sus obras a la pregunta ¿Oriente es Oriente?. Una muestra que se inaugura el sábado 21, a las 12:00 horas, permaneciendo abierta al público hasta el 27 de octubre

¿Oriente es Oriente?, bajo el comisariado de Gopi Sadarangani, invita desde la mirada artística a revisar y situar la antropología de lo imaginario, arquetipos e imágenes en Occidente que describen una geografía, partiendo del principio de la incertidumbre. A juicio de su comisaria, “el pensamiento occidental se ha embelesado con el misticismo oriental y la humanística de occidente se ha visto obligada a recurrir a modelos ajenos como el hinduismo, taoísmo u otros, hasta configurar constelaciones de sentido que posibilitan la aproximación a las ficciones más diversas”.

Los artistas incluidos en la muestra son: Fernando Álamo, Sema Castro, Idaira del Castillo, Naia del Castillo, Jiri Dokoupil, Curro González, Laura González, Magüi González, Hildegardh Hahn, Jesús H. Verano, Pepe Herrera, Juan Hidalgo, Zhang Huahn, Ángel Marcos, Pura Márquez, Shirin Neshat y Santiago Palenzuela, abordando el mestizaje y transculturalidad como prácticas habituales en el arte, además del modo en que se ha construido el imaginario oriental con elementos como el hedonismo erótico, el misticismo, la fuerza del color o la armonía con la fauna y la naturaleza.

La comisaria se propone una indagación sobre la construcción simbólica de un ideal identitario y exótico reuniendo esculturas, vídeos, instalaciones, pinturas y fotografías para “señalar e interrogar a los artistas que, desde nuestro ámbito occidental, responden a ciertas cuestiones y miran al mismo lugar que los creadores orientales”, indica Sadarangani.

El arte indio es producto de una mezcla de manifestaciones culturales, – hinduismo, budismo, islamismo, cristianismo -, que se encuentran asentadas en la Antigüedad y tienden a la sacralización simbólica de todos sus elementos. “Este rasgo es distintivo del arte indio desde sus orígenes en su afán por integrarse con la fauna y la naturaleza como adaptación al orden universal, colándose en el imaginario de artistas de la India actual”, añade la comisaria

La arquitecta Magüi González parte de lo tangible para mostrar la penetración de oriente y exhibe una cartografía de la distribución de bazares de la colonia hindú en la capital grancanaria. Otros artistas prefieren la vía el misticismo religioso, como Dokoupil que expone ocho retratos de buda pintados con humo; Sema Castro, presenta esculturas totémicas y rítmicas; Fernando Álamo, dos polípticos en los que entrelaza la sensibilidad oriental a los símbolos religiosos cristianos; Jesús H. Verano, representa en una instalación lo divino y lo invisible, y el artista chino Zhan Huahn, aparece en una foto pendulando desnudo dentro de una bola humeante en la plaza del Obradoiro a modo botafumeiro humano.

Jiri Dokoupil. Buda con agujeros. Humo de vela sobre madera
Jiri Dokoupil. Buda con agujeros. Humo de vela sobre madera

La religión centra el vídeo de la prestigiosa artista iraní Shirin Neshat. La musicalidad mántrica se cuela en el mural de Laura González. Un tema que también aborda Santiago Palenzuela en una serie de retratos femeninos rotos por el fuego que presenta junto a un elefante hecho de lienzos. La naturaleza invade la fotografía de Pura Márquez, con unas espectadoras vestidas con saris. Prendas que han servido a Idaira del Castillo para indagar sobre la fuerza del color a través de una instalación.

El cromatismo y la intensidad de Oriente están en las obras de José Herrera y Juan Hidalgo, y Hildegard Hahn expone sus grafías orientales pintadas sobre piedras blancas, Curro González explora la fuerza erótica sublimada en el Kama-sutra y Naia del Castillo retrata en a una mujer, cubierta de perlas, atrapada por el arquetipo de la seducción.

 

 

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‘No news, good news’ reúne a siete destacadas firmas de la actual escena plástica canaria en la Sala Cabrera Pinto

Invitación a la exposición No News, Good News

Reúne obra de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Juanjo Valencia y Lena Peñate, y Diego Vites.  Valencia y Peñate actúan también como comisarios de este proyecto, que se inaugura este sábado 20 de julio, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Las salas de arte del Instituto Canarias Cabrera Pinto, en La Laguna (Tenerife) acogen entre el 20 de julio y el 8 de septiembre un nuevo proyecto expositivo: ‘No news, good news’. Se trata de una muestra colectiva que reúne propuestas de siete destacadas firmas del panorama artístico contemporáneo de las Islas y que se abre al público este sábado 20, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Organizada por el CAAM, en ‘No news, good news’ encontraremos intervenciones artística de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Diego Vites y Juanjo Valencia y Lena Peñate Spicer, siendo estos últimos también los comisarios de la exposición, que podrá visitarse en la sala lagunera del Gobierno de Canarias de martes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los fines de semana solo en el horario matinal.

Texto de los comisarios:

‘No news, good news’ da título a un proyecto intersubjetivo que pretende hacer visible los procesos de trazabilidad de las imágenes en las construcciones significantes de los imaginarios.

La capacidad de lectura geográfica de las imágenes de ayer no tiene que ver con las de hoy. Sin duda, los modos de grafía han cambiado. La imagen, devenida como imagen-síntoma, pretende escribir más que inscribirse, no tanto como palabra sino como texto, como parte de un engranaje taxonómico. Para figurar el mundo contemporáneo, se ha vuelto necesario operar en la profundidad: las representaciones comunes ya no corresponden con las experiencias vividas y las imágenes se producen como cálculo de reuniones de información y de construcciones formales.

El acento de este proyecto expositivo radica precisamente en su carácter procesual y cartográfico, en subrayar formas de estudio acerca de la imagen y del diálogo como una construcción mediada por el Otro, tanto para quien la produce como para quien la observa. En su estructura se aborda el trasfondo del archivo, así como el lenguaje historiográfico y procesual. En el estudio de los desplazamientos de la imagen, se pone especial énfasis, incluso de forma utópica, en la deconstrucción del acervo enciclopedista (de hacer figura del síntoma) y de metodologías críticas que ponen en cuestión el proceso de producción de las imágenes. El carácter zetético resulta inherente a sus formas de interrelación.

A la vez que constituyen tentativas de representación, establecen cuestionamientos de cualquier statu quo de representación del mundo y de sus múltiples estados de formalización. Pretenden cuestionar sobre las formas de representación que conforman nuestros imaginarios y gobiernan, por ende, nuestras acciones.

Las obras se transforman en itinerarios que se despliegan en red o superponiendo redes, cuestionando la capacidad de la imagen para representar la realidad o, en cualquier caso, mostrando su opacidad, su imposibilidad irónica de traducir su relación con la representación.

Una manera, como señalaría Georges Didi-Huberman, “de abordar trayectos de pensamiento entre imágenes”.

Juan José Valencia – Lena Peñate Spicer

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