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Ana Matey, artista en tránsito, presenta su proyecto artístico en La Regenta

Ana Matey en La Regenta

El trabajo de la creadora madrileña ha sido desarrollado en el contexto del programa de residencias.

El Centro de Arte La Regenta acogerá este jueves, a las 19:00 horas, la presentación del proyecto realizado por Ana Matey durante su estancia como artista residente. La creadora compartirá con el público el resultado de este proceso creativo con una acción performativa, concebida específicamente para el espacio de producción, lugar que se entiende como parte del proceso de la obra.

El tiempo, la memoria y el proceso son conceptos protagonistas en el desarrollo de este trabajo artístico, por lo que hará visible parte del mismo, ya que es un contínuum, esto es, una serie conceptual que se va construyendo con la acción del caminar. Matey lleva desarrollando esta propuesta desde hace más de una década en diversos lugares, alternando la experiencia de caminar en el ámbito rural y urbano, tanto en el territorio nacional, como en otras geografías más o menos lejanas.

Ana Matey describe su proceso creativo como una acción en marcha, “caminar es pisar… dejar la huella que crea una ausencia a la par que erosiona. Caminar es conocer, desde y con el lugar y todo aquello que allí acontece. Caminar es el motor que activa el proceso creativo en este proyecto desarrollado durante mes y medio en la estancia que ofrece el Centro de Arte La Regenta”. Añade que, “ha podido investigar y crear desde esta experiencia física, construyendo un entramado de pensamiento con cada pisada”. La pisada como pincelada de la obra constituida por fotografías, dibujos, vídeo y una instalación que acumula lo recolectado y proyecta la experiencia del exterior en el estudio que habita. “Una suma de trayectos que culmina en acción participativa, del caminar en solitario, al caminar en colectividad. Compartir una ilusión, un anhelo, dejar que algo acontezca, la experiencia del arte o el arte como experiencia…”

La obra de Ana Matey (Madrid , 1978) nos conduce a situaciones donde el cuerpo es medio, en una simbiosis relacional con el mundo. El tiempo, la memoria y el proceso son conceptos protagonistas. Performance, acciones y foto-acciones, micro-acciones, que muestran de una forma directa su proceso de investigación del entorno en el que vivimos y sus códigos.

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Conferencia de Rogelio López Cuenca, artista visual e investigador, en La Regenta

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Mañana miércoles 23, a las 19:00 horas, dentro del ciclo Sociedades actuales: Aportaciones desde la Filosofía del Arte y la Estética.

El artista visual e investigador, Rogelio López Cuenca, ofrecerá mañana miércoles en el Centro de Arte La Regenta la conferencia On read(d)ing on, a las 19:00 horas, charla incluida en el ciclo Sociedades actuales: Aportaciones desde la Filosofía del Arte y la Estética que viene desarrollando este espacio.

Rogelio López Cuenca (Málaga, 1959) es licenciado en Filosofía y Letras, doctor en Investigación en Artes, Humanidades y Educación; artista e investigador. Su trabajo gira sobre el análisis de los medios de comunicación masivos, la construcción de las identidades y la crítica cultural, mediante publicaciones, cursos, talleres, exposiciones, intervenciones en espacios públicos urbanos, en la televisión o en Internet, recurriendo a procedimientos propios de las artes visuales, la literatura o las ciencias sociales.

En su intervención abordará la superabundancia y el constante fluido de imágenes que conforman “la iconosfera de las sociedades postindustriales, convertidas en una maquinaria apoyada en el subdesarrollo interesado de nuestras capacidades como trabajadores visuales que nos desalfabetiza y nos analfabetiza”.

Desde una perspectiva situada en el contexto de su propia práctica artística, abordará una defensa de la lectura como el resorte fundamental del proceso creativo: “los lenguajes, –visuales y verbales–, entendidos como territorio político en litigio y campo de experimentación poética radical”.

Rogelio López Cuenca ha impartido cursos y conferencias, asimismo ha dirigido talleres en numerosas universidades de Europa y América y en instituciones dedicadas al arte contemporáneo, como el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Casa Árabe (Madrid), Arteleku (Donosti), el Instituto de Estética y Teoría de las Artes (Madrid) y la Cátedra de Arte de Conducta de La Habana. Además, ha participado en las Bienales de Arte Contemporáneo de Johannesburgo (Sudáfrica, 1994), Manifesta 1 (Rotterdam, Países Bajos, 1996), Lima (Perú, 2002), Sao Paulo (Brasil, 2002), Estambul (Turquía, 2003) y recibido los premios Iniciarte (Junta de Andalucía, 2008); Francisco de Goya (Villa de Madrid, 2002; El Público (Canal Sur Radiotelevisión, 2001); premio Andalucía de Artes Plásticas, 1992 y el premio El Ojo Critico de Artes Plásticas (Radio Nacional de España) 1992.

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Nacho Ramírez muestra su propuesta multimedia ‘Zapping’ en la Casa de los Coroneles

Una de las obras de 'Zapping'

La exposición se podrá visitar en este espacio ubicado en La Oliva, Fuerteventura, desde el 27 de septiembre al 23 de noviembre.

Nacho Ramírez, artista multimedia que ha desarrollado su obra entre Canarias y Madrid, presenta en Fuerteventura la propuesta expositiva ‘Zapping’, en la que reúne vídeos y fotografías en la Casa de los Coroneles de La Oliva. La televisión y la señal digital, cuando se  recibe de manera imperfecta, produce en el artista  un efecto fascinante, el “glitch”, “ese maravilloso error que fragmenta la imagen, los colores, en cientos o miles de unidades que aparentan ser pixeles, creando formas incomprensibles y alucinantes”.

A criterio de Nacho Ramírez, de las innumerables actividades a las que uno puede dedicar el tiempo libre, “ninguna es más aburrida que la de ver la televisión. En realidad ni siquiera es una actividad, sino más bien inactividad. Pero, de manera sorprendente,  el fallo de señal  me hacen saltar del sofá, preparar rápidamente la cámara de vídeo y grabar ansiosamente esos momentos irrepetibles” . Este aparente sinsentido es, en su opinión, portador de verdad, pero una verdad a la que hay que llegar por medio de la revelación.

Una vez desarmado el relato, eliminado el canon visual, “desaparece toda posibilidad de procesar de manera analítico-discursiva nuestras percepciones y recurrimos a artificios intelectuales.  De un problema técnico surge una visión enigmática y bella. La imagen se fragmenta creando figuras confusas, se descompone en miles de piezas, desintegrándose, mezclándose unas con otras.

Este fenómeno fortuito en el que se basa ‘Zapping’, este fallo técnico, “a mí me resulta tan cautivador que me ha llevado a trabajar con entusiasmo en su captura y edición hasta conseguir una serie de piezas de vídeo, algunas de las cuales forman parte de este proyecto. En la televisión el hecho es visualmente mucho más exuberante. No sólo se produce una craquelación de la imagen y una descomposición de la coherencia estructural de las figuras, sino además una delirante explosión de los colores en una suerte de puntillismo digital psicodélico, explica Nacho Ramírez

Nacho Ramírez  (Las Palmas, Gran Canaria, 1966) ha estado vinculado a muchas facetas del arte desde sus comienzos en la pintura en 1993.

Se formó en la Academia Artium de Madrid, siendo alumno de Eduardo Peña entre 1985 y 1991. Hasta el año 2000 expone principalmente pintura, es entonces cuando comienza a colaborar con artistas de otras disciplinas, como músicos y coreógrafos, con quienes realiza sus primeros trabajos de vídeo y performance, como Fatum en La Casa Encendida de Madrid y Casa de América o la participación en varias ediciones del Festival Internacional de Performances en el Centro de Arte Moderno de Madrid.

Desde 1986 expone regularmente con la galería Art Room de Madrid. De su participación en ferias y eventos cabe destacar Londonbiennale’04, Tempus Arti 2009 (comisariado por Jan Hoet) en Bélgica, NordArt 2012 en Büdelsdorf, Palmerscene, Palmer & Co, Reims o Cuerpo a Cuerpo, en el Centro de Arte La Regenta de Las Palmas de Gran Canaria. En 2006 realiza Flowing Figures, una obra de gran formato encargada por la Universidad Carlos III de Madrid para su colección.

En 2014 es invitado por la Universidad Tomás de Victoria a dar la conferencia Imagen y metamorfosis. Recientemente se ha publicado su libro Incertidumbres, una recopilación de breves reflexiones sobre asuntos relativos al arte acompañados de dibujos.

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La Regenta organiza el taller infantil de performance ‘La escuela portátil’

Rubén Barroso

Impartido por Rubén Barroso, tendrá lugar el 5 de octubre en dos turnos según edades. La inscripción es gratuita se debe realizar online desde la web del centro, desde mañana 13 de septiembre y hasta el día 25.

El Centro de Arte La Regenta de la capital grancanaria calienta motores para una nueva edición de su encuentro trienal Cuerpo a Cuerpo. Y lo hace con la apertura de la inscripción a un taller dirigido a su público más especial: el infantil. Se trata de ‘La escuela portátil’, un taller de didáctica artística en torno a la performatividad que impartirá el artista y educador Rubén Barroso, el sábado 5 de octubre en dos turnos por edades. Es la primera acción de este encuentro de performance, música y vídeo, que este año celebra su quinta edición y, con ello, quince años de recorrido.

La inscripción, de carácter gratuito, ha de realizarse desde mañana viernes 13 de septiembre y hasta el día 25 a través de un formulario habilitado en la web del centro que gestiona el Gobierno canario, donde también se puede encontrar toda la información relativa a esta actividad. ‘La escuela portátil’ podrá contar con un máximo de treinta participantes, quince en cada turno: de 10:30 a 12:00 horas, niñas y niños de 6 a 10 años; y de 12:30 a 14:00 horas, de entre 11 y 14 años de edad.

Todos ellos  realizarán performance y arte en acción como medio de expresión vehicular, observarán las posibilidades del arte sonoro y la música experimental con los talleres de escucha activa y tomarán consciencia del ruido, el silencio y la música en la ciudad.

‘La escuela portátil’ es un proyecto de Rubén Barroso creado en 2009, con el que desarrolla programas de didáctica paralela del arte desde los paradigmas de la performatividad y la acción directa, a partir de la investigación sobre otras posibilidades educativas, especialmente dirigidas a la infancia la juventud. Desde sus comienzos, ha realizado más de un millar de acciones en programas educativos en museos, en aulas y programas específicos para centros de arte.

Rubén Barroso es un artista y educador que se desenvuelve en el ámbito del arte y la cultura contemporánea, trabajando en museos y centros y como gestor cultural y mediador. Cuenta también con trayectoria como comisario de exposiciones y otras iniciativas culturales, como crítico y teórico especialista en arte de acción y didáctica artística. Además, ha sido director de múltiples proyectos relacionados con el arte de acción, el sonoro y las prácticas artísticas intermedias. Entre ellos, destaca el festival Contenedores (Sevilla), con 19 años de historia; o la publicación Casos de Estudio, cuadernos sobre arte de acción.

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‘No news, good news’ reúne a siete destacadas firmas de la actual escena plástica canaria en la Sala Cabrera Pinto

Invitación a la exposición No News, Good News

Reúne obra de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Juanjo Valencia y Lena Peñate, y Diego Vites.  Valencia y Peñate actúan también como comisarios de este proyecto, que se inaugura este sábado 20 de julio, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Las salas de arte del Instituto Canarias Cabrera Pinto, en La Laguna (Tenerife) acogen entre el 20 de julio y el 8 de septiembre un nuevo proyecto expositivo: ‘No news, good news’. Se trata de una muestra colectiva que reúne propuestas de siete destacadas firmas del panorama artístico contemporáneo de las Islas y que se abre al público este sábado 20, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Organizada por el CAAM, en ‘No news, good news’ encontraremos intervenciones artística de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Diego Vites y Juanjo Valencia y Lena Peñate Spicer, siendo estos últimos también los comisarios de la exposición, que podrá visitarse en la sala lagunera del Gobierno de Canarias de martes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los fines de semana solo en el horario matinal.

Texto de los comisarios:

‘No news, good news’ da título a un proyecto intersubjetivo que pretende hacer visible los procesos de trazabilidad de las imágenes en las construcciones significantes de los imaginarios.

La capacidad de lectura geográfica de las imágenes de ayer no tiene que ver con las de hoy. Sin duda, los modos de grafía han cambiado. La imagen, devenida como imagen-síntoma, pretende escribir más que inscribirse, no tanto como palabra sino como texto, como parte de un engranaje taxonómico. Para figurar el mundo contemporáneo, se ha vuelto necesario operar en la profundidad: las representaciones comunes ya no corresponden con las experiencias vividas y las imágenes se producen como cálculo de reuniones de información y de construcciones formales.

El acento de este proyecto expositivo radica precisamente en su carácter procesual y cartográfico, en subrayar formas de estudio acerca de la imagen y del diálogo como una construcción mediada por el Otro, tanto para quien la produce como para quien la observa. En su estructura se aborda el trasfondo del archivo, así como el lenguaje historiográfico y procesual. En el estudio de los desplazamientos de la imagen, se pone especial énfasis, incluso de forma utópica, en la deconstrucción del acervo enciclopedista (de hacer figura del síntoma) y de metodologías críticas que ponen en cuestión el proceso de producción de las imágenes. El carácter zetético resulta inherente a sus formas de interrelación.

A la vez que constituyen tentativas de representación, establecen cuestionamientos de cualquier statu quo de representación del mundo y de sus múltiples estados de formalización. Pretenden cuestionar sobre las formas de representación que conforman nuestros imaginarios y gobiernan, por ende, nuestras acciones.

Las obras se transforman en itinerarios que se despliegan en red o superponiendo redes, cuestionando la capacidad de la imagen para representar la realidad o, en cualquier caso, mostrando su opacidad, su imposibilidad irónica de traducir su relación con la representación.

Una manera, como señalaría Georges Didi-Huberman, “de abordar trayectos de pensamiento entre imágenes”.

Juan José Valencia – Lena Peñate Spicer

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La exposición ‘Sacer. Rituales, sacrificios y ofrendas’ exhibe obras realizadas con restos óseos de animales

Cristina Déniz junto a una de sus obras

La propuesta de la artista canaria Cristina Déniz se inaugura este viernes, 12 de julio, en la Sala de Arte Contemporáneo, en Santa Cruz de Tenerife. En su intervención, los restos son transformados para renacer y adquirir una nueva vida

La artista canaria Cristina Déniz presenta en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) la exposición ‘Sacer. Rituales, sacrificios y ofrendas’, integrada por una treintena de obras realizadas con restos óseos de animales encontrados en las islas. La muestra invita a reflexionar sobre la búsqueda de lo sagrado en la vida cotidiana y sobre el culto de los objetos que se convierten en reliquias cuando se les atribuye un valor especial. Esta propuesta nada tiene que ver con la religión, aunque sí se acerca a su estética y su simbología.

La exposición será inaugurada el próximo viernes 12 de julio, a las 20.30 horas, en este espacio que gestiona el Gobierno de Canarias en la capital tinerfeña, situado en el edificio de la Biblioteca Pública del Estado, en el Parque de La Granja. Se podrá visitar hasta el 30 de agosto de 2019.

Cristina Déniz Sosa (Las Palmas de Gran Canaria, 1981) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna. Vive y trabaja en la capital grancanaria y ha participado en más de una decena de exposiciones colectivas celebradas en distintas ciudades de España, Italia y Portugal. La muestra ‘Sacer’, término que hace referencia a lo sagrado, es su cuarta exposición individual en Canarias.

El proyecto expositivo está integrado por una cuidada selección de una treintena obras, creadas, en su mayoría, con restos óseos de animales encontrados en espacios naturales de Canarias, que la artista interviene con una extrema delicadeza hasta convertirlos en piezas de arte de un indudable valor estético y una gran carga simbólica.

En palabras de la artista, cada pieza creada a partir de un hueso animal “tiene implícita una carga simbólica referida a su origen, a su relación con el paisaje y también a su uso cultural como alimento en la dieta de la mayoría de los humanos. Su cambio de significado en otro entorno, su intervención y su uso como objeto de arte lo transforman en sagrado, en una reflexión crítica abierta sobre su uso cotidiano y efímero”.

Los restos óseos que la artista encuentra abandonados en la naturaleza -aves, insectos, mamíferos o frágiles criaturas marinas- son transformados a través de una especie de ritual que da como resultado un conjunto de obras cercanas a la poesía visual; objetos que renacen y adquieren una nueva vida.

El amor a los animales es uno de los puntos de partida del universo creativo de Déniz. La artista protege a los animales, durante la vida y también en la muerte, de manera que al morir sacraliza y expone sus restos materiales en otro contexto, “dotándolos de una inesperada existencia a la manera de reliquia exhibida”, explica la historiadora del arte, Mari Carmen Rodríguez, en el texto del catálogo que acompaña la exposición.

Recopilación e intervención

Este proyecto es el resultado de un trabajo de algo más de dos años de recopilación y posterior intervención de las 29 obras seleccionadas para la muestra. Un trabajo que comienza en los entornos naturales de Canarias, de un especial valor cultural y paisajístico, donde la creadora, desde su admiración y respeto a la naturaleza, encuentra la necesidad de rescatar del olvido esos restos de seres vivos, que, pulidos por el paso del tiempo, merecen una segunda oportunidad.

Mediante un sencillo proceso de maceración, blanqueo y desinfección, cada pieza se va transformando en objeto de una gran pureza y apariencia de porcelana. Este proceso incluye la incorporación de elementos de metal o de madera que abrazan y se funden con la materia prima animal hasta cristalizar en piezas singulares que “mantienen la dualidad entre la naturaleza y el impacto ambiental, el azar del encuentro y el trato delicado, la muerte y lo eterno”, indica Mari Carmen Rodríguez.

Las obras de la exposición se presentan dispuestas sobre atractivos soportes, como marcos de madera, cofres o vitrinas, que otorgan al sencillo hueso – ya sean cráneos, cuernos de cabra o pequeños huesecillos de aves- la dignidad de cualquier material noble. “La predilección por la solemnidad del marco, la dedicación manual a la materia, ya sea metal o animal, tal es el caso de esta exposición”, resume la historiadora.

Entre las 29 obras que componen la exposición se incluyen dos murales site- specific que Déniz presenta bajo los rótulos ‘Sagrada Vértebra de Todos los Huesos Rotos’, 2018-2019, realizado con huesos rotos de animales, pintura dorada y latón, y ‘Exvotos’ 2019, creado en latón.

Publicación

La exposición va acompañada de un catálogo en español e inglés editado por el Gobierno de Canarias, que recogerá variadas colaboraciones desde las que poder abordar diferentes aspectos de su trabajo. El libro incluye textos de Elena Castro Córdoba, Eduvigis Hernández y Mari Carmen Rodríguez Quintana.

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Pepe Viyuela y PSJM ponen en común su ‘ARTivismo social’ en el Teatro Guiniguada

PSJM y Pepe Viyuela

Dentro del programa #Guiniguada, una iniciativa del colectivo El Cadáver Exquisito, este jueves 4 de abril, a las 20:00 horas. Las entradas pueden adquirirse por solo 3 euros en taquilla o en www.entrees.es.

El planteamiento es claro: ¿es posible cambiar el mundo desde el arte? El convencimiento de que así es constituye uno de los motores personales y profesionales de artistas como PSJM y Pepe Viyuela. Ellos son los próximos invitados al ciclo ‘#Guiniguada’, que propone una nueva cita este jueves 4 de abril, a las 20:00 horas en el recinto ubicado en  Vegueta. Bajo el título ‘ARTivismo social’, las entradas a este encuentro-coloquio en clave de humor, ideado por el podcast El Cadáver Exquisito, pueden adquirirse por solo 3 euros en taquilla o en www.entrees.es.

El ‘ARTivismo social’ de Pepe Viyuela se basa en su esfuerzo por mejorar el ánimo de quien más lo necesita. Lo ha hecho a través de ‘Payasos sin fronteras’, una ONG con la que ha pisado diferentes zonas en conflicto del planeta con el fin de “generar risas donde lo más común es vivir entre lágrimas”.

El colectivo artístico PSJM, formado por Cynthia Viera y Pablo San José, intenta hacer lo propio a través de sus proyectos o tutelando a nuevos valores. Así, son capaces de crear iniciativas como ‘La Hoya Horizontal’, en la que afirman que reactivar la vida en comunidad de un barrio y mejorar sus instalaciones y servicios “es la verdadera obra de arte”.

Cartel del coloquio 'ARTivismo social'.
Cartel del coloquio ‘ARTivismo social’.

Por su parte, los miembros de El Cadáver Exquisito dicen hacer del mundo, con su presencia, “un lugar peor”, por ser “además de tontos, mala gente y hasta feos”, bromean. Así que esperan que la oportunidad de hablar con Viyuela y PSJM suponga que se les quede algo de ellos. Pese a su aparente baja autoestima, el equipo de El Cadáver Exquisito han sido capaces de crear, entre otros, programas como #Guiniguada, puesto en marcha este 2019.

Esta es la cuarta sesión del ciclo, que aborda cada mes, en esta sala que gestiona el Gobierno Autónomo, un tema relacionado con las tendencias sociales propias del cambiante mundo actual. Comenzó en enero con “En humor en los tiempos de la cólera’, en febrero hablaron de Carnaval y en marzo de la evolución del cine y las series.

El objetivo de #Guiniguada es “mirar de cerca y a los ojos” a los tiempos que corren a través de una serie de coloquios desenfadados. Cada mes se aborda un tema concreto, en cuyo debate participan dos invitados, moderado y animado por los componentes de El Cadáver Exquisito.

Pepe Viyuela invita al público a #Guiniguada

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