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José Luis Luzardo exhibe ‘La Tierra Prometida (y otros dildos)’ en el Cabrera Pinto

"El rapto de Canarias", de José Luis Luzardo

Integrada por pinturas, fotografías, instalaciones y objetos escultóricos que constituyen una selección de su obra a lo largo de los últimos treinta años.

El artista grancanario José Luis Luzardo presenta en las salas del Instituto de Canarias Cabrera Pinto de La Laguna la exposición ‘La Tierra Prometida (y otros dildos)’, integrada por pinturas, fotografías, instalaciones y objetos escultóricos que constituyen una selección de trayectoria artística a lo largo de los últimos treinta años. La muestra está llena de un culto casi divino a la tierra, esa tierra humana nada prometida, donde hace referencia explícita a algunos cuadros claves de la historia de la pintura. Se podrá visitar desde el 4 de septiembre al 24 de octubre en este espacio que gestiona el Gobierno de Canarias.

En esta selección el público encontrará, por ejemplo, referencias a ‘La balsa de la medusa’, de T. Gericault, donde la búsqueda de una tierra prometida se convierte en una tragedia anunciada, que Luzardo titula ‘La balsa del espejismo’; o la búsqueda humana de la libertad inspirada en el cuadro ‘La libertad guiando al pueblo’, de Eugène Delacroix, con su obra ‘La libertad buscando al pueblo’, en una especie de guiño contrario al deseo humano.

Estos cuadros forman el inicio de esta exposición y son parte de la serie ‘Una mirada’, en la que Luzardo hace gala de una especie de romanticismo muy personal, propio de su “desierto”, que atraviesa en la mitad de los años noventa. En algunas de sus propuestas artísticas podemos apreciar la influencia de Marcel Duchamp y de Juan Hidalgo, como inspiradores propios de algunas de sus obras o como homenajeados en las mismas.

Según explica el comisario Antonio P. Martín, “la historia del arte, donde la muerte, la religión, el sexo, expuesto con ese culto a los juguetes sexuales -llámense dildos-, y la tierra, con todas sus alegorías humanas, pueden considerarse con alguna razón los ejes que cohesionan gran parte de la obra de Luzardo y que configuran el sentido de esta exposición”.

Sobre José Luis Luzardo

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, comenzó su andadura artística en 1987 en distintas exposiciones colectivas en Tenerife y Gran Canaria, realizando un año más tarde su primera exposición individual ‘Mujeres’ en La Laguna. Fueron las primeras de más de una treintena, entre individuales o junto a otros artistas, que le han catalogado como uno de los creadores isleños más activos.

A lo largo de estos treinta años, sus obras se han exhibido en la mayor parte de las salas de arte de las islas, así como fuera de Canarias. Han viajado, entre otros destinos por Sevilla, Madrid, Toledo, Barcelona, Argentina, Oviedo, Cantabria, Cordoba, México o Armenia para participar en múltiples acontecimientos artísticos.

En su trayectoria ha utilizado muchos formatos y múltiples recursos y materiales, buscando la manera de seguir inventando y recreando formas, desde la escultura a la fotografía, desde los montajes a la pintura, tratando siempre de ir más allá. En la muestra que se exhibe ahora en el Cabrera Pinto aparecen también sus primeras pinturas con un lenguaje figurativo desmembrado y tubular que ha sido una constante a lo largo de su camino artístico y en los que también explora otros campos que no sean la pintura.

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‘¡Jajaja! (Risa rara)’: la desacralización del arte llega a la Sala de Arte Contemporáneo

Exposición JAJAJA en la SAC

El proyecto surge de la reflexión sobre cómo el humor tiende a nacer en los contextos más duros.

La SAC acogerá está atrevida muestra que podrá visitarse desde este viernes 9 de abril y hasta el 4 de junio.

El área de Cultura del Gobierno de Canarias presenta en la Sala de Arte Contemporáneo  de la capital tinerfeña la exposición ‘¡Jajaja! (Risa rara)’, una  colectiva comisariada por Moneiba Lemes, que reúne las creaciones de nueve artistas, en una reflexión sobre el humor y la convicción de la desacralización del arte y de los artistas, recuperando el planteamiento festivo de los open studio, eventos que derivaban en fiestas organizadas por los artistas en sus propios estudios alrededor de sus obras de arte, muy frecuentes en las capitales europeas como Berlín. La muestra estará abierta al público desde este viernes 9 de abril hasta el próximo 4 de junio en este espacio para el arte ubicado junto al Parque de La Granja, en el edificio de la Casa de la Cultura.

“La idea de este proyecto nace a partir de la crisis económica de 2008. En un momento tan crispado y de tanta convulsión social, comienzan a aparecer cómicos o programas de humor tan exitosos como ‘La vida moderna’”, señala la comisaria, Moneiba Lemes, quien comenzó los preparativos de la muestra en 2019, cuando esta nueva realidad resultaba aún impensable.

Ahora, en un contexto de crisis no solamente económica sino sanitaria y humanitaria, el proyecto se muestra al público lejos de parecerse a un ‘open studio’, pero con la necesidad de hacer reír en una situación tan delicada. ‘‘Como decía el filósofo Mijaíl Bajtín, el humor es el arma que tenemos los pobres para reírnos del poder. Lo usamos para invocar al debate social y para alejarnos del miedo en esos momentos que realmente sí que lo dan’.

Por otro lado, la desacralización del arte y del concepto ‘divinizado’ del artista es otro de los planteamientos que aborda la muestra. Por ello, se le propuso a cada artista presentar un trabajo en un soporte distinto a su especialidad predilecta. Así, la artista urbana Aïda Gómez presenta una videoperformance en la que ironiza acerca de la identidad canaria. El pintor Alby Álamo expone una instalación en la que ridiculiza los ritmos rápidos y falta de tiempo de la sociedad de la autoexplotación.

Con los honorarios de su última exposición, Cristina Maya compró diferentes tickets de restaurante, expuestos ahora en la SAC, en una burla al mercado del arte y su “todo vale” desde el momento en el que está en una sala. Diego Vites hace uso de la dulzura estética propia del arte naif para rememorar el pasado esclavo de la población índigena canaria. Fernando Epelde & Usted, lleva al extremo el humor más castizo sobre cómo este es un arma para el status quo a través de una videoperformance. Gal.la Uriol Jané mezcla la solemnidad de la escultura clásica y de nuestro sistema de consumo en una alegoría de la autoexplotación.

Por su parte, el cineasta David Pantaleón presenta dos obras, una de ellas, ‘Abuelo falange’, es una pequeña videoinstalación en la que un nostálgico del franquismo loa al régimen mientras sus nietos se burlan de sus lamentaciones. Por último, la artista visual María León, manifiesta no encontrar demasiados elementos cómicos en su producción y, sin embargo, su escultura de una mano de cera quemándose desde las yemas “encaja dentro de este proyecto”, apunta Lemes, que también comparte cómo ha visto el desarrollo de estos artistas, por lo que la selección de nombres resultó sencilla.

Que la exposición se aleje del planteamiento inicial de open studio, a causa de la crisis sanitaria, también crea una nueva narrativa. “En este contexto, esta exposición creada en torno al humor aparece fría y distante para los espectadores”. Parece que el destino haya querido poner la guinda a la ironía que inspiró el nacimiento de este proyecto.

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La Biblioteca de Artistas de Canarias incorpora la obra de Luis Palmero a la colección

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El Centro de Arte La Regenta acogió la presentación del monográfico nº66  dedicado al pintor tinerfeño

Ayer, martes 23, la Biblioteca de Artistas Canarios incorporó a su ‘colección negra’ el nombre de Luis Palmero, prolífico pintor y doctor en Bellas Artes por la Universidad de la Laguna, en una presentación realizada en el Centro de Arte La Regenta, en Las Palmas de Gran Canaria. Este volumen es el número 66 de una colección que pretende valorar las investigaciones y creaciones artísticas que se desarrollan en Canarias. Intervinieron en el acto Carlos Díaz-Bertrana, coordinador de la BAC, Fernando Castro Flórez, filósofo, crítico de arte y autor de los textos del libro, el galerista Manuel Ojeda y Luis Palmero.

Luis Palmero se declaró como una persona ‘de gran timidez’, que logra encontrar en el mundo pictórico su forma de expresión con el mundo. Durante la presentación, Carlos Díaz-Bertrana recordó cómo conoció al artista y su trabajo desde su juventud, recomendando la visita a la muestra individual que actualmente expone Palmero en TEA , en Santa Cruz de Tenerife.

Luis Palmero
Luis Palmero

Fernando Castro López —que por motivos de agenda participó a través de videoconferencia- describió a Palmero como ‘uno de los pintores más intensos y coherentes del arte español’, cuya obra supone ‘un canto a la poesía’. También recordó con cariño cómo escribió los textos del monográfico durante el periodo del confinamiento, asegurando que dicha labor le ‘alegró las tardes’. “Hay algo escondido en las pinturas de Luis. El secreto es el centro del arte. No existe arte si se pierde su enigma y ahí es donde radica la importancia de su obra; en su enorme delicadeza, en una suerte de tacto que sensibiliza la materia”, compartió Castro López.

El galerista Manuel Ojeda recordó como hace 30 años organizó la primera exposición de Luis Palmero, cuyo nombre ya resultaba común en los espacios expositivos de Canarias. Desde su segunda exposición en 1981, el artista no ha dejado de exponer en ningún año. Ahora, con con 63 años y una prolífica trayectoria artística a sus espaldas, el autor pasa a ser parte de esta biblioteca reservada para los grandes artistas del archipiélago.

La colección Biblioteca de Artistas de Canarias editada por el Gobierno, desde su nacimiento en 1991, es referente del arte en Canarias. Dirigida en la actualidad por el comisario e historiador del arte Carlos Díaz-Bertrana, cada volumen se convierte en un homenaje a la trayectoria artística de los creadores y creadoras de las islas.

En las páginas del catálogo las escenas contemplativas tan características del pintor, conviven con los profundos análisis que realizó Fernando López Flores, quien admitió haberle dado ‘un toque psicoanalítico’ a sus escritos. “El imaginario depuradísimo de Luis Palmero podría comenzar a analizarse en contraste con la imponente herencia pictórica del informalismo y el expresionismo abstracto que se convirtieron en formas cuasi-hegemónicas de la pintura a mediados del siglo XX.

El streaming de la presentación puede visualizarse a través de la cuenta de Facebook del Centro de Arte La Regenta https://www.facebook.com/laregenta/videos/709493266382097

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La Biblioteca de Artistas de Canarias incluye a Jane Millares Sall, pintora imprescindible del siglo XX

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El volumen dedicado a la autora grancanaria se presenta este jueves 18, a las 19,00 horas, en el Centro de Arte La Regenta

La Biblioteca de Artistas de Canarias ha incorporado a su colección un volumen dedicado a la creadora grancanaria Jane Millares Salls, pintora imprescindible del siglo XX. El catálogo número 65 de la ‘colección negra’ que edita el área de Cultura del Gobierno, será presentado este jueves 18 de marzo, a las 19.00 horas en el Centro de Arte La Regenta, en un acto que contará con la presencia de su hijo Míchel Jorge Millares. Estará también el coordinador de la BAC, Carlos Díaz Bertrana, y la comisaria del monográfico, Laura Teresa Morales, autora de los textos del volumen.

En esta monografía, se puede encontrar un estudio crítico de su obra plástica, a modo de cronología, compuesto por varios epígrafes relativos a diferentes etapas de su vida y los hitos que afectaron a su carrera artística en estos periodos. Como señala Laura Teresa García Morales “La identidad se construye a través de una triple vía: como mujer-madre, cómo canaria y como Millares”. La historiadora del arte también como los ojos de Jane ‘estuvieron siempre puestos en el mundo rural canario’.

A lo largo de una obra extensa, como lo es su vida, el estilo de la pintora fluctuó desde un indigenismo inicial hasta alcanzar la abstracción en su obra de madurez. La tendencia a la geometría también se mantuvo presente en escenas o retratos angulosos con influencia cubista. En 1960, estas formas angulosas irán tornando a cuadrangulares, rozando la abstracción. En los años ochenta, experimentaba con la abstracción más pura bajo la técnica del collage con la que conseguía unas calidades estéticas muy originales. Y a partir de 1995 torna a la figuración, retomando los antiguos indigenismos de su primera época, dándoles ahora un carácter más sintético, desenfadado y ligero.

“En la base de su obra existen dos corrientes que se mantienen a lo largo de toda su trayectoria. Por un lado, la permanente búsqueda de la propia identidad para poder conocerse y poner en valor lo que la definían: la canariedad, el género o su visión política. Después está la crónica de la pérdida, mostrando la identidad canaria pintando aquello que que ella entendía que se estaba perdiendo como la autenticidad de los pueblos, los rasgos de la población o la reivindicación de su sufrimiento durante el periodo de postguerra”, apunta la especialista.

Una vida entre la dificultad y la cultura

Jane Millares Sall proviene de esa emblemática familia de artistas canarios. Hija de Juan Millares Carló, poeta y profesor de literatura, y la pianista Dolores Sall, levantaron un hogar en el que, a pesar de las dificultades que vivirían, se respiró cultura y vanguardia. La bonanza duró poco en su familia cuando, al estallar la Guerra Civil, el padre fue perseguido y depurado del cuerpo docente. Los problemas económicos llegaron en aquel periodo de dictadura, en el que ninguno de los nueve hijos de aquel matrimonio pudo acceder a estudios superiores, formándose en la propia casa y, posteriormente, de manera autodidacta. A pesar de esas circunstancias, entre los hermanos encontramos a José María Premio Nacional de Poesía, Totoyo Millares Sall, prestigioso timplista. Al igual que su hermano Manolo Millares, Jane se decantó por la pintura y las artes plásticas, siendo en 1955 una de las primeras mujeres en exponer de manera independiente en Canarias, a la edad de 27 años.

Jane Millares
Jane Millares

Casada con el periodista Luis Jorge Ramírez, la producción artística de Jane resultó esencial para el sustento de aquella familia con cinco hijos, en la que la situación laboral del padre, así como su vivienda no eran estables. Este contexto de incertidumbre culminó con el cuidado de un hermano enfermo y la pérdida de uno de los hijos con pocos meses, lo cual provocó un profundo malestar en la pintora.

Explícitamente antifranquista

A pesar de las persecuciones que había vivido desde su infancia a causa de la represión, Jane fue una artista explícitamente comprometida y rotundamente antifranquista. ‘La cara del fascismo’ (1961), la serie ‘Crucificados’, eludiendo directamente a los perseguidos por el régimen o ‘Garrote Vil’, un homenaje a Juan García Suárez ‘el Corredera’ (1974), fueron algunas de las obras que la pintora creó durante la dictadura, solo pudiendo ser mostrados en la intimidad. Aun así, la pareja entró en el punto de mira del régimen con la visita de la policía a la casa o la censura al trabajo de Luis Jorge por su apoyo al Corredera, lo que supuso serios apuros en la economía familiar. “Toda su obra, aunque no tenga un fondo tan mordaz como las explícitamente antifranquistas, tiene un fondo crítico importante”, señala Laura Teresa García, historiadora del arte especialista en la figura y obra de Jane Millares.

 

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José Herrera exhibe ‘Días deshojados’ en la Sala de Arte del Cabrera Pinto

Una de las obras que integran la exposición de José Herrera

La exposición, que muestra sus singulares estructuras tridimensionales en madera y hierro, se puede visitar hasta el 6 de enero de 2021

La Sala de Arte Cabrera Pinto abre mañana, sábado 24, al público ‘Días deshojados’, el último trabajo del artista lagunero José Herrera (1956), integrado por obras en papel, así como por singulares estructuras tridimensionales en madera y hierro. Un proyecto concebido antes de la aparición de la actual pandemia que invita al espectador a interactuar con la relación entre el espacio y la memoria. La exposición permanecerá abierta al público hasta el 6 de enero de 2021.

El nuevo proyecto de Herrera nace de la reflexión sobre el concepto de espacio y la memoria que este alberga, invitando al espectador a formar parte de dicho diálogo a través de la experiencia presencial en la sala. La austeridad, minimalismo y la limpieza de la muestra sugieren la soledad que el artista declara necesitar a la hora de crear.

La obra resulta indudablemente reconocible: el uso reiterado de formas sencillas en sus estructuras, que evocan una estética común minimalista en donde las ideas neo-conceptuales son fundamentales en el planteamiento de la sala. El propio artista declara la necesidad que tiene de rehuir al ruido del entorno, en búsqueda de una soledad anhelada.

Entre otras piezas, el artista destaca obras como ‘Desvanecimiento’, ‘Habitación para las flores’, ‘Rostro para el paisaje’, ‘autorretrato’, y ‘Lamentar los pájaros’, que hacen referencia a aspectos relacionados con el dolor, la fragilidad, la duda o la vulnerabilidad. A través de su arte, el espectador se sumerge en sensaciones etéreas, alejadas de lo más terrenal del día a día.

José Herrera ha compaginado 35 años dedicados a la docencia universitaria con una prolífica producción artística que ha exhibido diferentes museos y centros de arte como el Reina Sofía, el Art-Forum de Berlín o el Tenerife Espacio Artes, entre otros. También ha participado en colecciones colectivas como Tinnitus, que compartió espacio con Luis Palmero, o El refugio más pequeño, realizado junto con Gonzalo González, Juan Gopar y Luis Palmero.

 

 

 

 

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La artista Silvana Solivella expone Nusquam en el Centro de Arte La Regenta

Una de las obras que integran la exposición

Incluye su obra reciente con múltiples soportes y técnicas, desde el 2 de octubre al 7 de noviembre. El ingrediente salino marca una inflexión en su producción actual por su valor simbólico y plasticidad

El Centro de Arte La Regenta acoge, entre el 2 de octubre y el 7 de noviembre, la primera exposición individual en Canarias de la artista Silvana Solivella, Nusquam. De origen español y afincada en Suiza, su trabajo explora la riqueza intrínseca de su doble pertenencia cultural en sus estudios de Alicante y Lausana, lugares de investigación y encuentro. Su trabajo se articula en torno al origen, el tiempo y la identidad, nociones universales que atraviesan toda su obra.

NUSQUAM, incluye sus obras más recientes, con múltiples soportes y técnicas: instalación, escultura, vídeo, dibujo y pintura. La evocación de la naturaleza es un elemento fundamental, tanto en sus composiciones pictóricas como en los ensamblajes que produce a partir de la petrificación de cristales de sal. A lo largo del recorrido la artista nos invita a reflexionar sobre los orígenes, la memoria y la identidad, y su incidencia en un entorno transmutado, un no lugar, NUSQUAM. “Uno de los aspectos esenciales de mi obra reciente es la elaboración en torno a los materiales y la posibilidad de transmutación de los mismos. Mis objetivos y búsquedas conceptuales se adentran en el tema de las raíces y la transmisión de éstas a un entorno transmutado, tal vez irrecuperable”, comenta.

El ingrediente salino marca un punto fundamental de inflexión en su producción actual, al mismo nivel que otros componentes de su obra: “me interesa tanto por su valor simbólico como por su plasticidad. En este sentido la petrificación salina es clave pues captura precisamente esta materialidad del tiempo, comprimido en el proceso de cristalización”.

Las piedras de sal, injertadas en burbujas de cristal soplado y las estructuras construidas con tutores de rosales salinizados, evocan un jardín marino de rasgos gráficos recurrentes. En él germinan plantas acuáticas que se expanden; malezas, algas o corales en ramificaciones que se engarzan con corchos circulares, marañas de redes o enredaderas.

En esta muestra presenta también SAL, un libro de artista, que se alimenta tanto del presente y de la memoria como del tempo del mar y la larga espera de la salificación. La costra de sal viva que lo recubre da cuenta de esas dos cronologías, tan dispares, y embalsama, en su brillo níveo e imperturbable, la fugacidad de la experiencia. En las páginas selladas del libro están sus propias imágenes y una serie de textos inéditos de la poeta canaria Verónica García.

Sobre SAL, Soliviella explica que, “estamos ante un libro que ya no puede leerse, que ya ha sido sellado por el mar y cuyos contenidos sólo pueden ser adivinados, intuidos, como un oráculo. Lo mismo ocurre con la costa levantina de mi infancia, en cuyas aguas se ha forjado este libro, transmutada por la especulación inmobiliaria, de la que solo quedan hoy las imágenes selladas de la dicha”.

SAL, el libro, presencia que trasciende su propio contenido, se presenta al público dentro de una vitrina. Distancia que responde no solo a su propia preservación a largo plazo, sino también, a su inevitable soledad en cuanto objeto que se alimenta más del olvido y de la nada que del recuerdo. “Nada hay más perdurable que el olvido, y este libro es, en cierto modo, su forma y su metáfora”.

Silvana Solivella (Ginebra, Suiza, 1964)

De origen español y afincada en Suiza desde los años noventa, Silvana Solivella es licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia. Su trabajo se articula en torno al origen, el tiempo y la identidad, nociones universales que atraviesan toda su obra. Lejos de cualquier demarcación, la artista explora distintos campos, que van desde la poesía hasta la antropología, pasando por la historia del arte y su propia historia personal, con la finalidad inequívoca de evitar cualquier atavismo que pudiera entorpecer su práctica y su búsqueda.

A lo largo de su carrera artística, su compromiso con las relaciones humanas es evidente; sus éxitos profesionales van a la par de sus encuentros personales. En este sentido, el proyecto de mecenazgo cultural que emprende con la manufactura relojera Vacheron Constantin Le Temps miroitant, El tiempo iridiscente, los proyectos de carte blanche que desarrolla con el estudio Interior Design Philosophy (IDP) de Jorge Cañete y sus colaboraciones con Atelier Abanico son algunas de las fructíferas relaciones que han favorecido la materialización de proyectos a los que se siente profundamente ligada.

Solivella ha presentado su trabajo en numerosos museos, galerías y fundaciones de arte. Entre sus exposiciones individuales destacamos Lisboa crepuscular, en Espace Culturel Assens (2005, Assens, Suiza); Le temps miroitant, en Manufactura de Vacheron Constantin (2007, Ginebra, Suiza); El ala de la sombra, en Château d’Hauteville, comisariada por J. Cañete Saint-Légier (2012, Suiza); Apariciones,en Fundación José Saramago, Casa dos Bicos (2014, Lisboa, Portugal); Courants d’eau, courants d’air, en Espace Culturel Assens (2015, Assens, Suiza); El Gabinete del silencio, en ChArt-reuse, La Cartuja de la Lance (2016, Concise, Suiza); De la sal a la mar, en Museo de Arte de Pully (2017, Vaud, Suiza) y Flots, en Galeríe Cdac (2019, Lausanne, Suiza).

Actualmente presenta el proyecto expositivo Myosotis, comisariado por la curadora uruguaya Patricia Bentancur, en la Galería Katapult de Basel en Suiza, cuyo objetivo fundamental es la promoción y difusión del arte contemporáneo latinoamericano en Suiza a través de un programa expositivo e intercambios entre creadores de ambas culturas. También participa en los diálogos entre Daniel Orson Ybarra-Silvana Solivella y la curadora Patricia Bentancur recogidos en el libro Allegra publicado por Pre-textos y que construye a partir de revisar la experiencia de la Fundación Abanico y develar parte de los procesos creativos de los artistas.

A lo largo de su trayectoria ha recibido premios y becas como reconocimiento a su trabajo: Beca de la Fundación de Arte IrèneReymond (1994, Suiza), Primer Premio de la Fundación de grabado Marc Jurt (2001, Suiza), Primer Premio en el certamen de Artes plásticas de Divonne-les Bains (2001, Francia), Beca de pintura de la Fundación de Arte Alice Bailly (2004, Suiza), Mecenazgo cultural de Vacheron Constantin (branch of Richemont Int.SA) (2007), Finalista ddel Premio de Pintura FEMS (2015 y 2020, Lausanne, Suiza).

 

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La Casa de los Coroneles se llena de color a través de las propuestas de 19 creadoras

Obras de Adela Picón y de 'Del tejido al bordado'

El colectivo Tejedoras Subversivas en Fuerteventura presenta la exposición, comisariada por Verónica Silva, Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirada al arte textil. Adela Picón muestra la individual,  Still – Life , conjunto de 14 fotografías  que reflejan la mirada intimista de la artista,

La Casa de los Coroneles, La Oliva, Fuerteventura, presenta en sus espacios expositivos las propuestas de quince creadoras, desde el próximo viernes 13 de marzo, hasta el día 2 de mayo. Se trata de dos muestras, la colectiva Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirada al arte textil, comisariada por Verónica Silva, en la que participan 18 firmas; y Still-Life,  individual de Adela Picón, con 14 fotografías que reflejan la mirada intimista de la autora, en diálogo con proyecciones en las que los motivos florales y coloridos dominan el escenario.

La colectiva Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirada al arte textil nos adentra en un recorrido dividido en cuatro espacios: Vaginas-feminismo, Placer- Dolor, Ecofeminismo y Feminismo Decolonial, planteando una reflexión sobre la voz femenina y su empoderamiento a través de tejidos, bordados, instalaciones, vídeos y pinturas realizados por este colectivo, reuniendo un total de 31 piezas.

Según su comisaria, Verónica Silva, “el mito de Progne y Filomela ha pasado a la historia como el estandarte revelador de la fuerza comunicativa del bordado. Mientras bordan en colectividad, las mujeres hablan, sus diálogos van quedando entre puntada y puntada; construyendo un reclamo de equidad en una sociedad patriarcal”. Como ya lo hizo Judy Chicago al reivindicar el tejido, bordado y costura, como técnicas artísticas, el colectivo Tejedoras Subversivas en Fuerteventura recupera estas prácticas y materiales de lo doméstico, para trasladarlo a lo público; permitiendo así su visibilidad.

Si Kate Millet dio un paso adelante al afirmar que “El sexo es una categoría social impregnada de política”, el colectivo Tejedoras Subversivas en Fuerteventura enfundado en agujas, hilos y telas, aborda la fina línea que reivindica una nueva lectura a los actuales sistemas de valores patriarcales en contextos sociales, políticos y económicos.

El espacio artístico de esta propuesta pretende que sus participantes se piensen a nivel grupal, en voz de mujer, para favorecer así el empoderamiento colectivo. Al compartir poco a poco, las mujeres unen lo individual con lo grupal; permitiendo de este modo el fluir de pensamientos, palabras y emociones. Este acto de verse reflejada en otras mujeres es en gran medida terapéutico y empoderador. “Podemos afirmar sin temor a equivocarnos que tejer, coser y bordar no son meras ocurrencias. Tanto en las manifestaciones de mujeres alrededor del mundo como en las piezas de Chicago y Amer, la técnica pasó de femenina a feminista, de lo privado a lo público, de un quehacer decorativo a una práctica artística”, comenta la comisaria.

El bordado y el tejido están revestidos de una utilidad trascendente: provocan placer cuando todo indica que deberíamos sufrir al realizarlos, ahí su potencia. “Lo mismo con el feminismo, cuando deberíamos ser funcionales al patriarcado y al mercado, las mujeres nos organizamos para disfrutar y dar un vuelco epistémico a estas técnicas ancestrales”, concluye Silva.

Still – Life es el nombre que recibe el conjunto de 14 fotografías realizadas por la artista Adela Picón, que reflejan la mirada intimista de la autora a través de retratos en estudio donde los protagonistas, muestran un diálogo con proyecciones en las que los motivos florales y coloridos dominan el escenario. “Miles de plantas y paisajes, formas y colores inmortalizados en diapositivas dormían en el voluminoso archivo de una vecina suya hasta que, tras heredar esa materia prima, Adela Picón decidió “reciclarlas“, darles una nueva vida, ponerlas en escena.

Proyectándolas en la pared de su estudio fotográfico – o de cualquier otro lugar – estas ilustraciones se convierten en fondos esperpénticos, rocambolescos y poéticos a la vez. Solo queda desear retratarse en esta escena fantástica y participar con la propia artista en un proceso de creación que resulta lúdico además de enriquecedor. La fotografía final propone una composición en que el paisaje dominador acoge y abraza los relieves de los personajes retratados que pueden ser cualquiera de nosotros: individuo, pareja, familia, clase de alumnos o, por qué no, asociaciones enteras. Detrás de estas escenificaciones, la motivación de Adela se centra en integrar personajes dispares por sus orígenes, intereses, oficios, edades… y permitirles formar parte de la producción artística, independientemente de lo cerca que estén del mundo del arte. Se trata de un intercambio que quiere ir más allá de la mera presencia en una fotografía, proponiendo una reflexión sobre lo privado y lo publico en el arte.

Adela nos lo explica con sus palabras: “A través de la combinación de diferentes realidades, tiempos y medios surge un palimpsesto en la imagen. Los cuerpos y las proyecciones se superponen, creando visualmente cierta confusión óptica sobre lo real y lo proyectado, acercándose a la imagen manipulada digitalmente. Pero, en realidad, son instantáneas: el registro de un acontecimiento plástico, de una instalación-acción”.

 

DATOS:

Fecha: 13 de marzo – 2 de mayo de 2020

Lugar: Casa de los Coroneles, Fuerteventura

 

Still Life

Artista: Adela Picón

 

Del Tejido al Bordado Subversivo: una nueva mirado al arte textil

Exposición colectiva

Comisaria: Verónica Silva

Artistas:

Lidia Chacón

Greta Chicheri

Rosi Cruz

Laura Gariglio

Naomi Giusti

María de la Peña Gutiérrez

Natalia Maciel

Montse Melián

Laura Negrín

Adelina Padrón

Yasmina Sánchez

Verónica Silva

Laura Squinobal

Mónica Turconi

Sarah Thomas

Penélope Vázquez

Llina Velázquez

Karishma Wadhawani

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La Regenta acoge la presentación del monográfico de la BAC 59, dedicado a Pino Ojeda

Pino Ojeda

Este nuevo número, firmado por Ángeles Alemán, profundiza en el despertar de la faceta artística plástica de esta poetisa canaria. La presentación tendrá lugar el martes 10 de marzo, a las 19:00 horas, en este centro de producción.

La Viceconsejería de Cultura del Gobierno de Canarias presenta un nuevo número de la Biblioteca de Artistas Canarios –BAC–, monográfico dedicado a Pino Ojeda (Teror, 1916-2002), artista multidisciplinar canaria de posguerra que alcanzó una gran proyección internacional en los campos de la poesía y de la pintura. Esta nueva edición, que se dará a conocer el martes 10 de marzo, a las 19:00 horas, en el Centro de Arte La Regenta, está firmada por la historiadora del arte Ángeles Alemán.

La presentación del nuevo número de la ‘colección negra’ del Gobierno de Canarias contará con la participación de la autora, del viceconsejero de Cultura. Juan Márquez; del director de la colección, Carlos Díaz-Bertrana; y de Ana María Quesada, profesora de Arte y Filosofía de la Universidad de La Laguna.

En paralelo a la salida del nuevo número de la BAC, el área de Cultura del Gobierno muestra en sus salas de exposiciones Cabrera Pinto de La Laguna, Tenerife, la exposición ‘Pino Ojeda y la pintura’, comisariada, también,  por Ángeles Alemán, que ha seleccionado obra representativa de sus diferentes etapas: 1. La abstracción gemétrica y la Escuela Luján Pérez (1947-1959); 2. Paisajes (lacas) y Grupo Espacio (1961-1972); 3. Collages y dibujos (1980-89); y 4. Infografías (2000). La muestra se podrá visitar hasta el próximo 5 de abril.

La BAC 59. Pino Ojeda

En esta monografía se puede encontrar un estudio crítico de su obra plástica, a modo de cronología, compuesto por varios epígrafes relativos a diferentes etapas de su vida y los hitos que afectaron a su carrera artística en estos periodos. Desde su juventud, marcada por la muerte de su marido; pasando por su ingreso en la Escuela Luján Pérez, que le valió para publicar su primer libro de poemas e iniciarse en la pintura de figuración geométrica; su faceta emprendedora en el mundo de los negocios relacionados con la cultura; sus amistades intelectuales; el reconocimiento local de sus creaciones plásticas y su posterior transcendencia internacional; hasta sus estudios, ya en su madurez, en la Escuela Superior de Bellas Artes.

Este estudio crítico se centra en la faceta artística plástica de Pino Ojeda, merecedora de este monográfico por haber dejado “una obra muy poderosa, original e innovadora y porque tuvo un papel muy importante en los años 50 y 60 en las artes plásticas en Canarias”, tal y como explica Ángeles Alemán, autora del libro. Sus creaciones plásticas son mucho menos conocidas que su poesía, a pesar de su gran relevancia en el panorama artístico español. Es por ello que este nuevo número de la BAC tiene como tema central su trayectoria como pintora, que posee la misma excelente calidad que su legado literario.

La terorense se inició en la pintura mediante la abstracción geométrica realizada en pastel o témpera, reflejo indudable de la influencia directa de los ideales estéticos de la escuela Luján Pérez. Tras esto, comienza su etapa más original e interesante con la realización de paisajes a base de lacas. La dureza del trabajo con las lacas pasa factura a su vista, por lo que se vuelca en obras de formato más pequeño y de técnica muy diferente. Los temas son escogidos con cuidado y, junto a los collages, la creación de dibujos de línea sutil evidencia una línea intimista y retrospectiva. Tras un periodo de silencio plástico y pese a su avanzada edad, en el año 2000 empieza a realizar obras por ordenador. Son piezas de sentido maduro y certero en el uso del color, cuyas formas abstractas podrían enlazar con las de su primera etapa.

Pino Ojeda es una de las artistas más complejas e interesantes del siglo XX en Canarias. Poeta, pintora y galerista, es notable la pasión contenida que late en toda su producción, tanto la pictórica como la poética. Su obra abarca numerosas disciplinas: pintura, escultura, cerámica, poesía, narración, novelismo y dramaturgia. Además de toda esta creación artística que llevaba a cabo, Pino Ojeda también regentó una librería y se convirtió en la primera mujer en Canarias en fundar y dirigir una galería de arte, en el año 1958. Uno de los epígrafes de este monográfico realiza un análisis de la artista desde la perspectiva de género, pues su incansable tesón por formar parte del panorama cultural de las islas y su colaboración en el impulso de este le ha posicionado como una de las mujeres artistas canarias de referencia a nivel internacional.

La colección Biblioteca de Artistas Canarios, editada por el Gobierno de Canarias, es desde el año 1991 una publicación referente del arte en Canarias. Dirigida en la actualidad por el historiador del arte, comisario y gestor Carlos Díaz-Bertrana, cada volumen se convierte en un homenaje a la trayectoria artística de los creadores y creadoras de Canarias.

Presentación Pino Ojeda
BAC, monografía, Pino Ojeda

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Abierto el plazo para la presentación de proyectos artísticos en los espacios expositivos del Gobierno de Canarias

Espacios expositivos del Gobierno de Canarias

El plazo para presentar proyectos artísticos para la temporada 2021-2022 estará abierto hasta el 10 de abril. Las creaciones escogidas serán exhibidas en el Centro de Arte La Regenta, la Sala de Arte Contemporáneo, el Instituto Cabrera Pinto, el Espacio Cultural El Tanque y la Casa de los Coroneles

El Gobierno de Canarias ha abierto la convocatoria para la presentación de proyectos artísticos para la temporada 2021-2022 en los espacios expositivos que este organismo gestiona. Los/as artistas que deseen exhibir sus trabajos en estos centros tendrán hasta el 10 de abril de este mismo año para ofrecer sus propuestas. Los lugares en los que se expondrán o realizarán los trabajos admitidos serán el Centro de Arte La Regenta, en Gran Canaria; la Sala de Arte Contemporáneo, el Instituto Cabrera Pinto y el Espacio Cultural El Tanque, en Tenerife; y la Casa de los Coroneles, en Fuerteventura.

Esta idea tiene entre sus objetivos la colaboración y el contacto directo con el contexto artístico más cercano, así como el desarrollo de una programación con un importante grado de participación y cooperación de la sociedad civil. Por este motivo, es bienvenida la recepción de toda clase de propuestas expositivas y actividades susceptibles de desenvolverse en estos espacios.

Las personas interesadas en presentar sus proyectos deberán rellenar el formulario de la convocatoria. Todas las propuestas recibidas se valorarán en la comisión, que anualmente se reúne para conformar la programación expositiva, y que está compuesta por profesores universitarios, comisarios independientes y artistas visuales.

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Esoterismo y arte se dan la mano en La Regenta

Flyer Esoterismo y Arte

El centro de producción organiza un ciclo de conferencias sobre los vínculos entre el pensamiento esotérico y el desarrollo del arte desde la Edad Antigua hasta la Contemporánea. Se prolongará durante dos jornadas, desde el jueves 20 de febrero, a las 18:00 horas, hasta el viernes 21

El Centro de Arte La Regenta, espacio dependiente del área de Cultura del Gobierno, organiza el ciclo de conferencias ‘Esoterismo en Occidente y su relación con el arte’, orientado a esclarecer el nexo entre el esoterismo, en cualquiera de sus variantes, y el arte. Dará comienzo el jueves 20 de febrero, a las 18:00 horas, y se extenderá hasta el viernes 21, en este espacio de producción artística.

La actividad constará de varias charlas ofrecidas por profesionales y estudiosos de la materia, procedentes de las universidades de Barcelona, Complutense de Madrid y Lleida, así como de una mesa de debate final en la que participarán algunos de estos ponentes. El coloquio será documentado audiovisualmente para ser emitido en el programa Mistérica Radio Secreta del Círculo de Bellas Artes de Madrid, moderado y presentado por su directora, Belén Doblas.

El arte y las creencias mágicas han estado ligadas a lo largo de toda la historia de la humanidad. Tanto las manifestaciones artísticas simbolistas o abstractas, como los pensamientos y las prácticas de índole sobrenatural han existido desde los inicios de la civilización. Sin embargo, la significación de lo esotérico, como la de la abstracción artística, es en la actualidad radicalmente distinta de la que pudo tener antes de la revolución científica. Hoy en día, las pulsiones místicas en el arte, tanto en el marco cristiano tradicional como en el secular en Occidente, se tratan casi en su totalidad como una seudodoctrina o seudoconocimiento, no meritorias de acompañar a la disciplina artística. Por esta razón, el ciclo pretende desmitificar la carga negativa del esoterismo y contribuir así a la difusión de investigaciones de vanguardia sobre esta cuestión.

Detalles del programa

Este ciclo comenzará el jueves 20 de febrero a las 18:00 horas con la charla ‘El nacimiento del Tarot en el Renacimiento y su vinculación con el Arte’, del Doctor en Filosofía Pedro Ortega. En ella se explorará el origen del Tarot en el norte de Italia a mediados del siglo XV, También se analizará el pensamiento mágico y hermético en el que surgieron estas cartas, su significado y su relación con las artes, ya que estas barajas inspiraron elementos pictóricos e influyeron en pintores tan relevantes como Alberto Durero. Pedro Ortega es Doctor en Filosofía, Licenciado en Historia del Arte e ingeniero industrial, además es editor, escritor, crítico, comisario de exposiciones y gestor cultural, dirige la revista académica Herejía y Belleza y Ediciones Mistérica, produce el programa Mistérica Radio Secreta y coordina las líneas de investigación del Congreso Anual sobre Arte, Literatura y Cultura Alternativa.

Ese mismo día, a las 19:00 horas, la Doctora Marta Piñol Lloret, Profesora Asociada de la Universidad de Barcelona, presentará ‘Microcosmos-Macrocosmos: La Iconografía alquímica y la tradición hermética en la Edad Moderna (S.XVI-XVIII)’. “En la Edad Moderna la iconografía alquímica y la tradición hermética alcanzan un momento cumbre en cuanto a la complejidad y riqueza visual de propuestas”, apunta la profesora de Historia del Arte, “para poder aproximarnos a todo este entramado, en el que las relaciones entre el microcosmos y el macrocosmos resultan esenciales, contemplaremos diversas obras, valoraremos diferentes símbolos y propuestas, así como analizaremos de dónde vienen las iconografías y en qué derivaron posteriormente”.

El viernes 21 de febrero el ciclo se reanudará a las 18:00 horas con ‘Esoterismo y arte modernos. Una estética de lo irracional’, charla impartida por Iván Gómez Avilés, Licenciado en Historia del Arte y Traducción e Interpretación por la Universidad Complutense de Madrid. En esta ponencia, Gómez Avilés hablará sobre la influencia de este tipo de doctrinas como la teosofía, la antroposofía y la alquimia, entre otras, en algunas obras de arte de los principales artistas y movimientos de las vanguardias, tales como Mondrian, Kandinsky, Klee, Kupka, Hilma af Klint o Marcel Duchamp.

A las 19:00 horas será el turno de Alberto Luque, Profesor Titular de Historia del Arte en la Universidad de Lleida, que expondrá ‘Arte abstracto y esoterismo’, un discurso sobre la índole intrínsecamente esotérica del arte abstracto, con independencia de que los artistas de esta disciplina muestren o no creencias afines al elemento místico y/o mágico. “Aunque parezca paradójico, esta alineación entre arte abstracto y esoterismo encaja muy comprensiblemente en el conjunto de contradicciones culturales que caracteriza la sociedad contemporánea”, comenta Luque.

Estas jornadas finalizarán a las 20:00 horas con un coloquio, moderado por Pedro Ortega y con la participación de Marta Piñol, Iván Gómez y Alberto Luque. En este acto, los ponentes, cada uno desde su perspectiva y su campo de estudio, pondrán en valor cómo el esoterismo ha sido y continúa siendo relevante en el estudio del arte occidental, y recalcarán la importancia de estas prácticas al abordar las cuestiones artísticas desde una perspectiva cultural.

 

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