La sala Cabrera Pinto acogerá la exposición, que repasa la obra y temáticas que han definido la luminosa y prolífica producción de esta artista tinerfeña

La muestra se inaugurará este sábado 6, a las 12.00h, y podrá visitarse hasta el 29 de septiembre

“El hilo conductor de esta obra es la memoria. Carmen Cólogan lleva cuarenta años creando un universo irreal, mostrando tanto el mundo externo como el suyo interno”, apunta Eliseo G. Izquierdo, comisario de ‘Memoria del Átomo’. Esta muestra exhibe unos sesenta trabajos de pintura, dibujo y escultura, en los que la creadora traza un relato sobre todo aquello que siempre vuelve a su vida. Su inauguración será este sábado 6 de julio, a partir de las 12.00h, en la sala Cabrera Pinto de La Laguna, organizada por Cultura del Gobierno de Canarias y con entrada libre. Estará disponible hasta el 29 de septiembre.

La histórica vuelta al origen

Al preguntar por su trabajo, Cólogan responde por el infantil tacto de la tierra húmeda en los dedos. La búsqueda de la raíz originaria, presente en los pigmentos y materialidad de las obras, coinciden con la posterior necesidad de dar luz y elevarse. Tierra y aire, los dos elementos opuestos y fluctuantes en el motor creativo de la autora.

Eliseo G. Izquierdo subraya la importancia que otorga la artista a la ‘eterna vuelta al origen’ que define su trabajo creativo. “Siendo aún niña -agrega-, Carmen Cólogan sentía una intensa atracción por experimentar con los elementos, en especial con la tierra, los polvos de talco o el fluido untuoso del barro, que no podía dejar de moldear y de llevarlos con frecuencia a su boca, empeñada en descubrir y desordenar la estabilidad aparente de su esencia más mínima. El recuerdo imborrable de esta pulsión primaria ha permanecido anclado en su memoria”,

El comisario señala que siempre va a la búsqueda incansable de la propia esencia. “Su obra es un camino de llegada y no de salida, retornando siempre a la huella del origen, en el que se exhibe una búsqueda de la luz y de la esencia artística”.

Los viajes, el trabajo de otros artistas como Giacometti, Rothko o Zurbarán, el transitar por la figuración o la abstracción, o la sensorialidad que arrastra el tacto y el gusto a través del volumen pictórico, son algunos de los elementos que han ido definiendo una vida dedicada a la creación y a la exploración de las primeras sensaciones.

A lo largo de a la sala se disponen las series más importantes que han marcado su carrera: Retrogadaciones, considerada como la serie pictórica inaugural de su carrera u Oquedades y Espículas onde comienza a trabajar con pinturas al óleo, manteniendo su interés por los elementos que aparecen en sus trabajos anteriores. In terram utopican. Drago, en la que el árbol autóctono logra un protagonismo absoluto o La exposición también da cabida a sus últimos trabajos, recogidos en las series Fulgor en el Paraíso (2021) y Raíces fragmentadas (2023) en las que vuelve al origen desde diferentes perspectivas.

Biblioteca de Artistas de Canarias

La amistad entre el comisario y la artista viene de lejos, y es especialmente profunda: Izquierdo es también autor de los textos que componen el monográficos nº 80 de la Biblioteca de Artistas de Canarias, que estudia en profundidad la obra de Cólogan, y que se publicó el pasado mes de febrero. Este libro podrá conseguirse en sala.

Cármen Cólogan (Tenerife, 1959) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Trabajadora incesante y precisa, admiradora del pensamiento y la pintura orientales, pero también de figuras como Zurbarán, Yves Klein, Barnett Newman, Giacometti o Agnes Martin, Carmen Cólogan ha participado en multitud de exposiciones colectivas y supera ya la veintena de exposiciones individuales, abiertas en galerías y centros de Canarias, Madrid, Málaga, Sevilla, Alemania, República Checa, Marruecos, Lisboa o Cabo Verde.

Eliseo G. Izdo es licenciado en Historia del Arte por la ULL (2000) y experto en «Teoría de las Artes» (DEA, 2005), posee un máster en Museología y Gestión Cultural (2010). Ha sido miembro de la Comisión técnica asesora del Museo Municipal de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife (2014-2016), así como de las comisiones de Expertos y Defensa de la obra de Óscar Domínguez (TEA, 2017–2019) y Consultiva en materia de adquisiciones de TEA (2017–2021).

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Se celebrarán dos talleres gratuitos entre julio y agosto, para público de 8 a 14 años, impartidos por las creadoras Emma Marting y Adriana Frutos

Para que la creatividad florezca, es precisa cierta calma y tiempo libre. Por eso, el verano es el momento idóneo para que la ciudadanía más joven pueda aprender y disfrutar de una actividad creativa. Un año más, el Centro de Arte La Regenta programa una nueva edición de ‘VeraneArte’, en la que se ofrecerán dos talleres dirigidos a público infantil y adolescente. Este año, las jóvenes creadoras Adriana Frutos y Emma Marting impartirán dos propuestas que entrelazan arte y desarrollo sostenible.

Los talleres son gratuitos y cuentan con quince plazas cada uno. Se llevarán a cabo en las instalaciones del Centro de martes a viernes, de 10.00 a 12.00 horas. Las inscripciones se realizan a través de la página web de La Regenta.

Arte y desarrollo sostenible

La artista Adriana Frutos impartirá del 16 al 26 de julio el taller ‘Veinte yemas’, dirigido a público de 8 a 11 años. Durante las sesiones, se propondrá al alumnado la participación en actividades de expresión que fomenten su pensamiento crítico y comunitario. Para ello, la sostenibilidad y la reutilización de materiales tendrán como referente la obra de Juana Fortuny, las acciones performativas y los ejercicios de interacción con las producciones de artistas como Miguel Ángel Blanco o Valie Export.

Del 30 de julio al 9 de agosto, Emma Marting desarrollará ‘Una idea: infinitas expresiones’, diseñado para edades de entre 11 y 14 años. Este taller propone la realización de varios pequeños proyectos creativos en torno al concepto de sostenibilidad. La intención es plantear un diálogo sobre el concepto para profundizar en él e introducir a quienes participan en el proceso de realizar una creación artística a partir de una idea, explorando cada fase.

‘VeraneArte’ es una iniciativa del Departamento de Educación y Acción Cultural (DEAC) del Centro de Artre La Regenta, con el objetivo de estimular la creatividad, expresividad, imaginación, fomento del trabajo autónomo y observación de los menores. Durante las jornadas, podrán conocer de primera mano los procesos con los que las artistas desarrollan su trabajo, así como facilitar la conciliación familiar en periodo estival.

“Ambas propuestas invitan a desacelerar y a establecer conexiones, a nivel personal y colectivo utilizando materiales reutilizados. Se introducirá a la obra de artistas como Juana Fortuny o Valie Export, o en el caso del taller de Marting, artistas que desarrollan la arquitectura utópica/especulativa como Archigram o Yona Friedman”, explica el equipo del DEAC.

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‘Volumen, o cómo pensar el mundo desde aquí’ y ‘Can’t take my eyes off you’ transitan las aristas inhabitables del modelo actual

La inauguración de ambas muestras será este viernes 12 a las 20.30, y podrán disfrutarse hasta el próximo 8 de junio

El arte ha sido una radiografía precisa de las problemáticas sociales de cada momento histórico, y su compromiso social resulta inexorable de la actividad creativa. El Centro de Arte La Regenta inaugura dos nuevas exposiciones creadas desde la mirada de quien resiste: el tejido artístico isleño, o la sociedad civil tras la escalada de terrorismo e hipervigiliancia en occidente. Sobre estas temáticas giran Volumen, o cómo pensar el mundo desde aquí, muestra del colectivo Solar. Acción Cultural Sociedad – Lugar – Arte comisariada por Lola Barrena y Dalia de la Rosa, y Can’t take my eyes off you de Alfons Simó. La inauguración de ambos proyectos será este viernes 12, a las 20.30 horas, y podrá visitarse en el emblemático espacio de Las Palmas de Gran Canaria hasta el próximo 8 de junio.

Una revista que se expande por la sala de arte

Volumen, o cómo pensar el mundo desde aquí, despliega en el espacio físico la publicación Turista de interior. Revista de procesos de isla. La propuesta trata de dar continuidad al proceso de reflexión iniciado con el proyecto editorial, de forma que esta parte tridimensional ofrece la posibilidad de transitar, a escala natural y desde el cuerpo, por todos los acercamientos al concepto de isla.

«La revista se configura como una herramienta de pensamiento global que, desde diferentes disciplinas, crea un corpus de reflexión, cuyo objetivo es concebir el territorio en términos simbólicos. El pensamiento sobre isla no se vincula únicamente al marco geográfico de las Islas Canarias, sino que se despliega hacia otros lugares físicos y mentales», indican sus comisarias, Lola Barrena Delgado y Dalia de la Rosa.

A través de un lenguaje simbólico, de la metáfora y de la creación artística, tanto la exposición como la publicación construyen otras historias, mediante el objeto y el discurso artístico. De esta manera, las piezas expuestas no se ajustan exclusivamente el relato concebido para cada una de las participaciones editoriales, sino que suponen una ampliación conceptual.

En este proyecto expositivo participan: Hara Alonso, Teresa Arozena, Lúa Coderch, Javier Cuevas, Régis Feugère, Bárbara Fluxá, Cristina González Montelongo, Juan Gopar, Ariadna Guiteras, José Herrera, Alejandro Krawietz, Julia de Léon, Mataparda, Regina de Miguel, Ángel Padrón, Santiago Palenzuela, Sandra Santana, Carmelo Vega, Dea Woon Kang y Racso Zehcnas. Esta muestra se exhibió durante septiembre y octubre en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) de Santa Cruz de Tenerife.

Solar. Acción Cultural Sociedad – Lugar – Arte. Iniciado en noviembre 2013 en Santa Cruz de Tenerife, fue un proyecto destinado a la investigación, la creación y la producción artística contemporánea, cuyos lugares de acción se centraron el espacio de vivencia cotidiano y el territorio insular, como ámbitos naturales para la transmisión del lenguaje simbólico y la experimentación en términos de análisis del presente. A final de febrero de 2024, el colectivo decidió poner fin a la actividad que había desarrollado a lo largo de diez años.

Cantad, cantad, malditos

Cámaras de vigilancia, temor cristiano y una canción perfecta para desfogarse en un karaoke. En la instalación Can’t take my eyes off you Alfons Simó evidencia, con gran sentido del humor, uno de los rasgos más inquietantes de la sociedad contemporánea: el miedo como herramienta política y la hipervigilancia instaurada tras la ola de terrorismo con la que se inició el siglo XX a través de sistemas de seguridad digital, tales como cámaras de vídeo.

“Esta tolerancia normalizada de los masivos y ubicuos dispositivos de vigilancia está apoyada desde lo político. La ideología y la sospecha son la nueva religión que se ha extendido por todos los aspectos de nuestras vidas y que nos exhorta a sacrificar nuestros derechos para honrar al nuevo Dios de la Seguridad », explica el artista. Entre este clima de inquietud, el artista invita a los espectadores a cantar un hit en un karaoke.

Alfons Simó (Barcelona, 1971). Graduado en Bellas Artes, con el itinerario de Arte Transdisciplinar Contemporáneo, en la Universidad de La Laguna. Su propuesta estética se enfoca en analizar la realidad social y cultural desde una mirada crítica sobre el imaginario colectivo. Su trabajo artístico cuestiona el poder y el control que este ejerce a través de la deconstrucción de los mitos que lo sustentan en sus perversas prácticas políticas y económicas.

Actividades paralelas

El Centro de arte organiza una serie de actividades de mediación para acercar sus exposiciones al conjunto de la ciudadanía. Para público infantil se programarán dos visitas adaptadas con taller de estimulación creativa: el 19 de abril, a las 18.00 horas, se celebrará la ‘Inauguración infantil’, indicado para infancias de hasta 7 años, y entre los tres y seis años, el 7 de junio a las 18.00 horas, se programará ‘Arte en familia’, en el que se requerirá de la interacción y curiosidad de menores de entre 3 y seis años y sus familias.

Para público adulto se celebrarán dos visitas dialogadas en horario de tarde. El 24 de abril a las 19.00 horas, ‘Otra mirada’ se recorrerá la sala a través de la perspectiva de la doctora en filosofía Larisa Pérez Flores. El 22 de mayo a las 19.00 horas, el Departamento de Educación y Acción Cultural del centro ofrecerá una visita dialogada en ‘GuiArte’.  Todas las actividades del Centro de Arte La Regenta son gratuitas, bajo inscripción previa, a través de la página web del Centro de Arte La Regenta.

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‘Naturaleza viva. 1982-2023’ expone una selección de obra atravesada por  indagaciones y fluctuaciones creativas

La inauguración será este viernes 7, a partir de las 20.30 horas, y podrá visitarse hasta el 23 de septiembre

Cuarenta años de una mirada clavada en un silencioso paisaje volcánico, en una playa llena de bruma, en una enigmática ciudad renacentista sin transeúntes o en un inmenso mar abierto. Tierra y enigmas abrazados por escenas figurativas o por composiciones abstractas.  El Centro de Arte La Regenta presenta ‘Naturaleza viva. 1982-2023’, una exposición que recorre a relación de Juan Guerra y el mundo físico, así como su constante experimentación en las formas, tonos cromáticos y referencias a movimientos artísticos como el romanticismo, el impresionismo o la abstracción. La muestra incluye dibujos sobre papel y pinturas sobre lienzo de diversos formatos, realizadas desde comienzos de la década de 1980 hasta obras de reciente creación. La inauguración de la exposición será este viernes 7, a partir de las 20.30 horas, y podrá disfrutarse hasta el 23 de septiembre. La entrada es libre sin necesidad de inscripción o entrada.

Sobre la obra de Juan Guerra, el comisario Antonio P. Martín apunta: «No solo pinta la naturaleza que conoce, también crea su ‘naturaleza’. Son obras que reflejan el poderoso y rico imaginario delque se nutre su mente. Siempre mira más allá: observa lo que el ojo no alcanza a ver haciendo uso de una memoria visual creativa y que le permite crear muchas veces su propia realidad pictórica’. Guerra es un artista que crea sin la necesidad de usar patrones, sino a través de su intuición y voluntad experimental. Haciendo uso de las manos o del pincel, y en búsqueda de una deliberada armonía cromática.

‘Naturaleza viva. 1982-2023’  refleja la búsqueda del comisario de establecer un viaje transitable y orgánico por los paisajes internos de Juan Guerra. En ella, se encuentran obras que casan a la perfección las unas con las otras, a pesar haber sido creadas con grandes diferencias temporales. Este transitar recorre el universo personal del autor,  que guía un camino desde cumbres montañosas hasta el mar abierto, mediante distintos estilos artísticos.

El catálogo de la exposición cuenta con la colaboración de Santiago Gil, escritor y periodista, ganador del Premio Internacional de Novela Benito Pérez Galdós, Francisco Javier Pueyo Abril, tutor de la UNED y conservador de la Casa de Colón, y la poeta Acerina Cruz.

Juan Guerra (Las Palmas de Gran Canaria, 1945). En 1960 comienza sus primeros estudios de pintura en la escuela Luján Pérez. En 1975 inicia los estudios de Bellas Artes en Las Palmas de Gran Canaria y obtiene en 1980 la Licenciatura en la Escuela Santa Isabel de Hungría de Sevilla. En 1981 obtiene el título de Agregado en la asignatura de Dibujo en Enseñanza Secundaria y en 1983 el título de Catedrático de Dibujo, desempeñando su cargo en distintos institutos de Las Palmas de Gran Canaria.

Su prolífica producción pictórica se halla distribuida por múltiples colecciones privadas, tanto nacionales como en diferentes países europeos y del continente americano. Madrid, Barcelona, Holanda, México, Panamá, Argentina, entre otros. En 2013 ingresa en la Real Academia Canaria de Bellas Artes San Miguel Arcángel como académico correspondiente y en 2015 como académico numerario.

Actividades paralelas

Como en cada exposición, el Centro de Arte La Regenta organiza distintas actividades para acercar el arte contemporáneo a todas las edades. La inscripción se realiza a través de su página web, una semana antes de la celebración de cada iniciativa. El 14 de julio, a partir de las 18:00 horas,  se celebrará la “Inauguración infantil”, para edades a partir de 7 años. El 14 de septiembre a las 19:00 horas, ofrecerá una visita dialogada para adultos, que será impartida por el propio artista.

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 ‘Visiones desde el páramo’ de Alicia Pardilla y ‘¿A quién le importa un original?’ del artista Jonay PMatos, dos muestras concebidas a partir de soportes como la instalación, la fotografía o el vídeo

Disponibles para el público desde el 5 de marzo al 8 de mayo

El Espacio Cultural Casa de los Coroneles, en Fuerteventura, abre al público mañana, viernes 5, dos nuevas exposiciones integradas por obras de dos artistas grancanarios. Alicia Pardilla presenta ‘Visiones desde el páramo‘, una muestra sobre la muerte y su consecuente duelo, y Jonay PMatos ‘¿A quién le importa un original?’, que   nos sumerge en una instalación que aborda el proceso de creación de los artistas. Ambos trabajos proponen a los espectadores un recorrido interactivo, adaptado a las medidas de prevención del Covid, a través de soportes propios del arte contemporáneo como la instalación, el vídeo o la fotografía, que podrán visitarse hasta el 8 de mayo en este espacio que gestiona el Gobierno de Canarias.

‘¿A quién le importa un original?’ es exposición individual de Jonay PMatos, quien traslada literalmente su taller de arte a la sala expositiva, a través de una instalación en la que equipara reproducciones de obras con las originales.  Fotografía, vídeo y pintura confluyen en este proyecto en el que el espectador se sumerge en el mundo más íntimo del artista, que declara vivir como un juego tanto la producción de la obra como su resultado.  “Ha sido una creación paulatina de años. De la misma forma que se va conformando un taller a medida que trabajas”, expresa.

” Internet fue el punto de partida. La forma con la que consumimos contenidos y la plasticidad con la que se crea fotografía documental me dio la idea’, señala.  De esta reflexión el artista toma el nombre de la muestra ‘¿A quién le importa un original?’ en una especie de discrepancia alzada sobre la gran importancia del aura artística que aparece en la experiencia directa con la obra de arte que le dio el filósofo Walter Benjamin en el siglo XX con la aparición de la industria cultural. “Me fascina la idea del aprendizaje. ¿Cómo aprendemos a ver las obras de arte?: pues a través de la fotografía, que resulta incluso más importante que la obra en sí. De ahí viene el nombre del proyecto”.

‘Visiones desde el páramo’ de Alicia Pardilla es una exposición intimista que evoca el delicado momento del duelo por la muerte de un ser querido y la sensación de vacío que este supone. El proyecto se inicia en 2018, después del fallecimiento del padre de la artista. “Una va pasando por distintas fases en las que se hace muchas preguntas. De esas preguntas, que quise transformar en imágenes, nace este proyecto”. Pardilla, que también es pintora, reconoce que eligió realizar las piezas en los soportes de instalación, fotografía y vídeo porque le permitían mayor dinamismo y flexibilidad a la hora de modificar un proyecto que se ideó para irse creando a largo plazo.

‘Relicario’, una de sus piezas, es una instalación conformada por una alacena cuyos cajones y vitrinas están repletos de sal, en la que se invitaba inicialmente a los espectadores a que escribiesen en un papel su respuesta a la pregunta ‘¿Qué creen que la muerte no puede llevarse?’ introduciéndolo, en una metáfora por la conservación del mineral, dentro de la propia obra.  La artista ha propuesto una solución: basta con tomar una foto de la hoja con sus impresiones y compartirla en Instagram con la etiqueta #visiones desde el páramo y mención a @alicia_pardilla. “Así, vamos creando un ‘relicario’ de recuerdos y fortalezas conjuntas’, explica la artista. La creadora reconoce que, gracias al tiempo, el dolor se va transformando y se transforma en parte del legado de la propia vida.

Profundo carácter contemporáneo

Interactivas, inmersivas y de carácter profundamente contemporáneo. Dos muestras de temáticas aparentemente muy distintas que se unen por capacidad de ambas piezas para sumir al público en formatos que son propios del arte de a partir de la segunda mitad del siglo XX, a través de dos trabajos que, debido a su carácter inherente a la vida de sus creadores, sólo serán acabados con el fin de su propia vida.

Alicia Pardilla es artista visual. Estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna, especializándose en pintura, y cursando nuevamente el último curso de la licenciatura en la Universidad de Barcelona para poder hacerlo, nuevamente, en imagen. Posteriormente estudió el máster en Producción Artística Interdisciplinaria por la Universidad de Málaga. En la actualidad, además de trabajo e investigación en su práctica artística, cursa el segundo año de su tesis doctoral a través de la Universidad del País Vasco, dentro del programa de Investigación en Arte Contemporáneo.

Jonay PMatos estudió publicidad y su trayectoria profesional ha estado, principalmente, ligada a la fotografía y la dirección de arte. “Me inicié en la pintura como método para salir de la propia fotografía como método diario de trabajo. Pero cada vez que creaba un trabajo, lo fotografiaba. Me percaté de que podía convertirlo en escultórico a través de la fotografía. Llevándola a este lado más íntimo del estudio”. Su obra se ha expuesto en diferentes lugares como en la Ciudad de México, Barcelona, Londres, Bruselas, El Hierro, Madrid, Estocolmo y Palma de Mallorca.

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