‘Como es arriba es abajo’ es el fruto de la residencia internacional que la artista venezolana ha desarrollado durante dos meses

La inauguración será este viernes 17, a las 20.30h, y se exhibirá hasta el 20 de enero de 2024

Motores hidráulicos, bombas de agua, mangueras y bidones de petróleo; elementos industriales que resultan casi el opuesto a lo que es una sala de arte. El Centro de Arte La Regenta inaugura ‘Como es arriba es abajo’, exposición instalativa resultado de la estancia de la venezolana Ana Alenso en el Programa Internacional de Residencias Artísticas que, anualmente, convoca este espacio del Gobierno de Canarias. El proyecto incluye fotografías y objetos industriales reciclados que, una vez finalice la exposición, volverán al Puerto. La inauguración de la muestra será este viernes 17, a partir de las 20.30 horas, y podrá disfrutarse hasta el 20 de enero, al igual que ‘La naturaleza de las cosas’ de Chema Madoz, con la que compartirá el espacio expositivo en distintas salas.

‘Como es arriba es abajo’ es una muestra que reflexiona acerca de aquello que colocamos en el mar para garantizar nuestro estilo de vida. La artista pretende subrayar la conexión entre la sociedad, la extracción de recursos naturales y la contaminación y, evidenciar, como es inevitable formar parte de ese ciclo extractivista.

Durante un mes y medio, Alenso ha recorrido el muelle Reina Sofía, dentro del Puerto de la Luz, donde normalmente se encuentran plataformas petrolíferas o barcos petroleros. En las visitas, la artista registró documentos audiovisuales y también recolectó diferentes objetos industriales a través de acuerdos de préstamo con el Puerto. ‘El trabajo posee una estética temporal, reciclada. Podemos observar una escultura que funcionará como tal durante dos meses, después, volverá a su labor habitual en el muelle’, apunta Alenso.

Para la exposición, la artista ha contado con la colaboración de Mingo Sánchez, antiguo trabajador de una plataforma petrolera, de Fernando Rivas, investigador y marino civil, y de Sergio Ramos Pulido,y Beto, trabajadores del puerto, quienes les han ofrecido entrevistas y materiales para su investigación.

Ana Alenso (Caracas, Venezuela, 1982) es artista interdisciplinar. Sus instalaciones, esculturas, videos, sonidos y fotografías se alimentan de materiales industriales abandonados, en su mayoría procedentes de las industrias minera y petrolera. Sus objetos, a la vez poéticos y siniestros, encapsulan las posibles trayectorias pasadas y futuras de nuestra relación con el extractivismo. Entre sus exposiciones más recientes figuran: Bienal de Ginebra, Jardín de esculturas (Suiza); Cabilla, en TEA Tenerife Espacio de las Artes; Street fight, en Museo de Arte Moderno de Varsovia (Polonia); Oil, Beauty and Horror in the Petrol Age, en Kunstmuseum Wolfsburg (Alemania); The Garden Bridge en Brücke Museum, en Museo de la democracia. NGBK (Alemania); y Terrestrial assemblage, en Floating University Berlín (Alemania).

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La exposición reúne obras de 25 artistas nacionales e internacionales como Marina Abramović, Óscar Domínguez o Lola Massieu, entre otros

La apertura será este sábado 22, a partir de las 12.00 horas, y podrá disfrutarse hasta el 15 de octubre

La sala de arte del Instituto Canarias Cabrera Pinto presenta ‘Georgiana’s Echoes’, una exposición colectiva que reúne obra de 25 artistas nacionales e internacionales, con grandes nombres como Marina Abramović, Óscar Domínguez, María Acha-Kutscher o Lola Massieu, conectados por las indagaciones de las realidades paralelas transnaturales de la artista victoriana Georgiana Houghton (Las Palmas de Gran Canaria, 1814-Londres,1884), pionera del arte abstracto. El proyecto incluye obras de carácter multidisciplinar e instalativo de diferentes formatos, entre las que se pueden encontrar fotografías, vídeos, dibujos, pinturas y esculturas. La muestra podrá visitarse desde este sábado 22, a partir de las 12.00 horas, hasta el 15 de octubre.

La selección de la obra corre a cargo de la prestigiosa historiadora del arte Nekane Aramburu, que describe este proyecto como un ensayo curatorial’ a modo de investigación. ‘Georgiana ́s Echoes’ es “una exposición de arte actual con raíces victorianas basada en la figura central y poco conocida de Georgiana Houghton”, explica. La muestra aúna creaciones esotéricas del arte contemporáneo occidental a partir de los ejes temáticos que definieron la obra de Hougton’.

Georgiana Houhton: la precursora de la abstracción

Aramburu describe ‘Georgiana’s Echoes’ como “una primera aproximación a metodologías de análisis de la creación artística que se sintonizan, a veces sin pretenderlo, con la biografía y obra de Georgiana”. En el proyecto se exhiben 37 obras, todas ellas, reunidas a través de las temáticas inherentes de la artista británica: la muerte de los cuerpos físicos, la alienación de las almas, los alter-mecanismos de la comunicación, las cargas de memoria de los espacios y la ficción en lo real.

La muestra entrelaza obra de Marina Abramović, María María Acha-Kutscher, Vasco Arújo, Ulla von Brandenburg, Claudia Casarino, Sema Castro, Elda Cerrato, Teresa Correa, Eli Cortiñas, Óscar Domínguez, Evru, Chiara Fumai. Pedro Garhel, Joan Jonas, Robert Llimós, Lola Massieu, Raisa Maudit, Olga Mesa, Michael Najjar, Miguel Rio Branco, Mapi Rivera, Carlos Rivero, Ulrika Sparre, Guillermo Srodek-Hart y Eulàlia Valldosera.

El catálogo de la exposición, incluye un estudio en profundidad sobre los datos conocidos sobre la artista, ha sido diseñado por Lars Petter Amundsen y alberga los textos de Nekane Aramburu y Lars Bang Larsen.

Nekane Aramburu (San Sebastián) es gestora cultural, museóloga y teórica. Doctora en Historia del Arte y Máster en Museología. En diciembre de 2022 fue nombrada directora de la Fundación Fenosa y ha dirigido igualmente instituciones como el Museo Es Baluard entre 2013 y 2019 (Fundación Es Baluard, Palma de Mallorca) o Espacio Ciudad entre 1999 y 2010 (Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz).

Desarrolla nuevas formas de gestión y curadoría dentro y fuera de los espacios institucionales y alternativos, explorando lenguajes y formatos de comunicación de los patrimonios materiales e inmateriales a nivel nacional e internacional. Sus proyectos están enfocados en prácticas transmediales y ecosistemas culturales apostando por la sostenibilidad y las estructuras en red.

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‘Naturaleza viva. 1982-2023’ expone una selección de obra atravesada por  indagaciones y fluctuaciones creativas

La inauguración será este viernes 7, a partir de las 20.30 horas, y podrá visitarse hasta el 23 de septiembre

Cuarenta años de una mirada clavada en un silencioso paisaje volcánico, en una playa llena de bruma, en una enigmática ciudad renacentista sin transeúntes o en un inmenso mar abierto. Tierra y enigmas abrazados por escenas figurativas o por composiciones abstractas.  El Centro de Arte La Regenta presenta ‘Naturaleza viva. 1982-2023’, una exposición que recorre a relación de Juan Guerra y el mundo físico, así como su constante experimentación en las formas, tonos cromáticos y referencias a movimientos artísticos como el romanticismo, el impresionismo o la abstracción. La muestra incluye dibujos sobre papel y pinturas sobre lienzo de diversos formatos, realizadas desde comienzos de la década de 1980 hasta obras de reciente creación. La inauguración de la exposición será este viernes 7, a partir de las 20.30 horas, y podrá disfrutarse hasta el 23 de septiembre. La entrada es libre sin necesidad de inscripción o entrada.

Sobre la obra de Juan Guerra, el comisario Antonio P. Martín apunta: «No solo pinta la naturaleza que conoce, también crea su ‘naturaleza’. Son obras que reflejan el poderoso y rico imaginario delque se nutre su mente. Siempre mira más allá: observa lo que el ojo no alcanza a ver haciendo uso de una memoria visual creativa y que le permite crear muchas veces su propia realidad pictórica’. Guerra es un artista que crea sin la necesidad de usar patrones, sino a través de su intuición y voluntad experimental. Haciendo uso de las manos o del pincel, y en búsqueda de una deliberada armonía cromática.

‘Naturaleza viva. 1982-2023’  refleja la búsqueda del comisario de establecer un viaje transitable y orgánico por los paisajes internos de Juan Guerra. En ella, se encuentran obras que casan a la perfección las unas con las otras, a pesar haber sido creadas con grandes diferencias temporales. Este transitar recorre el universo personal del autor,  que guía un camino desde cumbres montañosas hasta el mar abierto, mediante distintos estilos artísticos.

El catálogo de la exposición cuenta con la colaboración de Santiago Gil, escritor y periodista, ganador del Premio Internacional de Novela Benito Pérez Galdós, Francisco Javier Pueyo Abril, tutor de la UNED y conservador de la Casa de Colón, y la poeta Acerina Cruz.

Juan Guerra (Las Palmas de Gran Canaria, 1945). En 1960 comienza sus primeros estudios de pintura en la escuela Luján Pérez. En 1975 inicia los estudios de Bellas Artes en Las Palmas de Gran Canaria y obtiene en 1980 la Licenciatura en la Escuela Santa Isabel de Hungría de Sevilla. En 1981 obtiene el título de Agregado en la asignatura de Dibujo en Enseñanza Secundaria y en 1983 el título de Catedrático de Dibujo, desempeñando su cargo en distintos institutos de Las Palmas de Gran Canaria.

Su prolífica producción pictórica se halla distribuida por múltiples colecciones privadas, tanto nacionales como en diferentes países europeos y del continente americano. Madrid, Barcelona, Holanda, México, Panamá, Argentina, entre otros. En 2013 ingresa en la Real Academia Canaria de Bellas Artes San Miguel Arcángel como académico correspondiente y en 2015 como académico numerario.

Actividades paralelas

Como en cada exposición, el Centro de Arte La Regenta organiza distintas actividades para acercar el arte contemporáneo a todas las edades. La inscripción se realiza a través de su página web, una semana antes de la celebración de cada iniciativa. El 14 de julio, a partir de las 18:00 horas,  se celebrará la “Inauguración infantil”, para edades a partir de 7 años. El 14 de septiembre a las 19:00 horas, ofrecerá una visita dialogada para adultos, que será impartida por el propio artista.

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La primera ponencia será este jueves 4 a las 19:00 horas, sobre la relación entre misticismo y fotografía

La inscripción es gratuita a través de la página web del centro

El Centro de Arte La Regenta inicia una nueva edición del ciclo de conferencias ‘Trascendencia y espiritualidad en el arte’, en las que se explora el vínculo de la creatividad con las distintas ramas del conocimiento místico y esotérico. La primera ponencia, ‘El regreso de los dobles: fotografía, espíritu e inteligencia artificial’ impartida por Roger Canals, se desarrollará el jueves 4 a partir de las 19.00 horas. El acceso es libre, mediante inscripción previa a través de la página web del centro que gestiona el Gobierno autónomo en la capital grancanaria.

A propósito de su ponencia, Roger Canelas apunta a cómo el teórico Roland Barthes definió la fotografía como un “certificado de presencia”. Según este autor, la fotografía sólo puede representar aquello que realmente existe frente a la cámara. “En el ámbito académico, la fotografía y el cine etnográfico han tenido un interés continuado por lo religioso y, en particular, por las ceremonias de trance. La relación entre la fotografía, la imagen y lo sagrado ha tomado hoy una nueva dimensión a raíz de los avances en realidad aumentada y en inteligencia artificial”, apunta Canals.

Imágenes y teosofía

El jueves 8 de junio, a las 19.00 horas, la estudiosa budista Lama Rigdzin Yudrön impartirá la ponencia ‘Imágenes para contemplar la mente’, que indaga en la fuerte relación que existe entre esta doctrina filosófica y la representación mental a través de la imagen, así como su importancia en la meditación y en el autoconocimiento.

Una semana más tarde, el 15 de junio a las 19.00 horas, será el turno del divulgador Jesús Callejo con ‘Helena Blavatsky y sus secretos’, una ponencia centrada en la teosofía, indagando en quiénes fueron sus miembros, objetivos, principios fundamentales o símbolos, así como la relación entre esta práctica espiritista y el arte. Callejo analizará el contenido de las dos principales obras de la escritora Helena Blavatsky, involucrada en la práctica espiritista, así como su repercusión en España e Hispanoamérica.

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La muestra reúne en la SAC más de una veintena de obras abstractas pintadas con acrílico sobre tela, desde el viernes 14 de abril al 9 de junio

Capi Cabrera (Las Palmas de Gran Canaria, 1983) presenta en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) en Santa Cruz de Tenerife, Arrullo salvaje, una exposición que despliega el color del paisaje de Canarias. Azules, ocres y blancos, las formas de los barrancos, el mar y el conocimiento sobre las mareas, son elementos tremendamente inspiradores para un artista sensible al entorno y sus orígenes isleños.

Creador plástico y visual de Las Palmas de Gran Canaria, desde joven se sintió atraído por el arte y el entorno; por la pintura, la gestualidad y la materia que le sirven como un método de expresión generador de lenguajes, convirtiéndose en un ejercicio de conexión con la naturaleza, sus formas y paletas de color.

Gopi Sadarangani, crítica de arte, indica que sus cuadros son «superficies que invitan a depositar lo que imagina la conciencia poética; a medida que el ojo se desliza por sus lienzos el acercamiento asciende también a un orden superior de interpretación. Paredes de agua levantan una reverencia al cielo, una lente para comprender la vida en sus fragmentos, bramar por ella y abordar con elegancia irreductible la más terrible de nuestras realidades actuales, la civilización devastadora».

Los primeros pasos de Capi Cabrera fueron como artista de graffiti, utilizando seudónimos como «Capi» o «Capiflex». Ha participado en diversos festivales y muestras de arte urbano como: Poliniza, Valencia (2013 y 2015); Festa 2H, Dakar-Senegal (2011); CIUC Moniker Art Fair, Londres (2011) o 400ml, Las Palmas de Gran Canaria (2005 y 2006).

En el año 2011 se traslada a la ciudad de Valencia para comenzar sus estudios de Bellas Artes en la Universidad Politécnica. Durante estos años de formación académica es cuando comienza a experimentar con lenguajes y métodos de expresión no referenciales, investigando con materiales traslúcidos provenientes de la industria, planteando una reflexión sobre la pintura a través del tiempo en el que vive.

Después de graduarse en 2015 es seleccionado para disfrutar de la residencia de producción artística en el Centro de arte de la Regenta en Gran Canaria (2016-2017).

Es en estos años cuando empieza a formar parte de la lista de artistas de la consolidada Galería Llamazares, con la que actualmente ha realizados dos exposiciones individuales y formado parte de diferentes ferias y muestras.

En el año 2021, y después de unos años viajando entre Valencia y Gran Canaria, entra a formar parte de Galería Vangar y vuelve a establecerse en su ciudad natal donde trabaja en su primera exposición individual con la galería de Valencia desde su nuevo estudio en las islas.

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Entre el 17 de febrero y el 24 de marzo se celebrará un ciclo de tres exposiciones, bajo el título Metamodernismos. La Generadora

La colaboración entre la Universidad de La Laguna y la SAC del Gobierno permite visibilizar la actividad docente e investigadora, facilitando al público la transferencia de conocimiento

Metamodernismos. La Generadora es un proyecto de la Unidad Departamental de Pensamiento Artístico de Bellas Artes y el Aula Cultural de Pensamiento Artístico de la Universidad de La Laguna para la Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias. Coordinado por Ramón Salas y curado por Adrián Alemán, permite visibilizar en las salas de exhibición la actividad docente e investigadora, además de convertirse en un nexo entre la institución académica y la sociedad con la intención de facilitar la transferencia de conocimiento.

Entre el 17 de febrero y el 24 de marzo de 2023 se celebrará en la SAC un ciclo de tres exposiciones-exprés de acuerdo con el siguiente calendario: En la mente del objeto, del 17 al 24 de febrero, a cargo de los creadores Inés Arencibia, Julen Etxebarria, Adriana González, Narelys Hernández, Eduardo Hodgson, Pablo Lavers, Ana Padilla, Gloria Sánchez. ZeR0 RETENCIÓN¡, del 3 al 10 de marzo, con la intervención de Tony Aguilera, Hugo Amaro, Miu Castro, Miranda Díaz, Sara Díaz, Gaia Fiorina, Marta Sobrino y Yasmina. Finalmente, Políticas de la actuación. el poder de una gota, del 17 al 24 de marzo con Claudia Brito, Flor de África, Aitor Fernández, Noa Gonzáles, Rubén Guedes, Sara Méndez, Alba Peñate, Ziomara Rojas.

Asimismo, y de forma paralela a cada una de estas propuestas, se celebrará como actividad complementaria sendas mesas redondas, en la que participarán en la misma sala aquellos artistas y curadores que intervienen en el proceso creativo de las exposiciones. Estos encuentros serán los días 23 de febrero, y 9 y 23 de marzo, de 17:00 a 19:00 horas.

Sobre el proyecto

Si algo caracteriza al arte universitario es su procesualidad, al desarrollarse en una dinámica vital en la que la producción resulta indisociable del estudio, la interlocución, la investigación, la socialización… en un espacio de crecimiento personal y de modulación de la propia subjetividad. Metamodernismos. La Generadora trata de trasladar a la sala de arte «ese carácter procesual y, al mismo tiempo, reflexionar sobre su puesta en escena –e, incluso, por qué no, sobre su puesta en evidencia–» explica Ramón Salas. No plantea una presentación en sociedad de artistas emergentes, sino un laboratorio de investigación sobre el sentido de la muestra, abierto a la experimentación e incluso al error.

No se pretende mostrar un trabajo acabado, de ahí los cortos espacios de exposición en comparación con los de montaje, sino experimentar el arte como un proceso de aprendizaje y reflexión. Por analogía al “pensar en voz alta”, esta exposición busca crear en voz alta, pensar la pieza en el proceso de su puesta en escena. En el periodo propiamente de montaje, adoptando su forma más “ortodoxa” para, una vez inaugurada, replantearse.

En la semana de exhibición, las obras no permanecerán estáticas, se seguirá trabajando en sala, en abierto, replanteando su display, reubicando y contaminando las piezas, y analizando sus transformaciones.

La autoría de estas obras es de artistas con perfiles muy diferentes. Por ello, a pesar de que no se pretende priorizar discursos curatoriales cerrados, que les obliguen a ilustrar un tema, «nos pareció pertinente ordenar sus propuestas en torno a tres ideas fuerza, que creemos que se corresponden con tres de los principales espacios de posibilidad del arte contemporáneo» explica Salas..

El arte ya apenas representa, ahora ensambla: objetos, documentos, ideas. De ahí la renovada importancia del hecho expositivo que ha cobrado importancia respecto al espacio de taller, convertido en tiempo de estudio: «la sala de arte ya no es el escaparate donde se muestran obras que salen completamente acabadas del estudio del artista, es el tiempo en el que se hace público un proceso de investigación” comentan sus comisarios. De ahí, también, la renovada importancia de la relación entre la universidad, como centro de investigación y producción cultural, y los centros de arte, que ya no tienen la antigua función promocional, «sino la inédita obligación de convertirse en un espacio de interlocución entre la obra y su contexto».

La primera de las exposiciones, En la menta del objeto , es, según Ramón Salas, quizá, “la más clásica, en la medida en que mantiene una relación, aunque crítica, con la tradición del arte moderno y su expresión plástica más característica: la abstracción. Pero la contención formal no cae aquí en el formalismo, todo lo contrario. El aspecto abstracto es solo una cita al propio arte (y al propio “cubo blanco” de la sala) y su proceso de vaciado de los valores y referentes del arte premoderno, un vaciado que sirve aquí como una tabla rasa sobre la que empezar a inscribir nuevos contenidos, cabría decir, posnihilistas”.

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Organiza un curso gratuito para artistas, estudiantes y personas interesadas, impartido por el creador cubano en residencia en el centro

‘Herencia nómada: ocho juegos como herramientas para el arte contemporáneo’ es el título del nuevo curso que organiza el Centro de Arte La Regenta, espacio del Gobierno de Canarias dedicado a las artes visuales. Este taller teórico-práctico tiene como objetivo incentivar en el alumnado nuevas perspectivas y debates sobre la creación contemporánea, a través de un dinámico programa de gamificación creativa.

El taller se desarrollará desde el martes 29 de noviembre al viernes 2 de diciembre, en horario de 17:00 a 21:00 horas. Las inscripciones son gratuitas y pueden realizarse a través de la página web del centro. La propuesta estará impartida por el artista visual Luis Gómez Armanteros, natural de Cuba, que hasta el 19 de diciembre disfruta de una estancia a través del Programa Internacional de Residencias Artísticas de La Regenta.

Durante las cuatro sesiones, se establecerán diálogos abiertos sobre si es posible alcanzar una creación consciente, con una perspectiva crítica capaz de cuestionar el propio sistema del arte a través de la apropiación y resignificación de los símbolos. “Como nómada, encuentro que estos tópicos se entrecruzan transversalmente en su vida para formar parte de un grupo muy específico y señalado: los desplazados”, explica el artista cubano.

El Centro de Arte La Regenta se ha comprometido con ofrecer un espacio de formación y debate continuo que de cabida a las nuevas tendencias artísticas y que estas lleguen al sector cultural y a la ciudadanía general de Gran Canaria. ‘Herencia nómada: ochos juegos como herramientas para el arte contemporáneo’ es uno de los diversos talleres que se han desarrollado a lo largo de la programación de 2022.

Luis Gómez Armenteros (La Habana, Cuba, 1968) es artista visual. Trabajó como docente del Instituto Superior de Arte de La Habana durante 14 años. Ha desarrollado su trabajo a partir de comentar, registrar e investigar sobre las políticas del arte. Estos comentarios oscilan desde las relaciones del arte con el mercado hasta la mirada a entramados institucionales que entre otras cosas promueven la importancia social del arte.

Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en espacios tan destacados como las ediciones 49 y 56 Bienal de Venecia, Italia; Contemporary Art Museum, Tampa, USA; Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, Cuba; Museo del Bronx, Nueva York, USA; Ludwig Forum für Internationale Kunst, Alemania; Barbican Center, Londres, UK; PAC Milano, Italia; Mattress Factory, Pittsburg, USA; Helsinki City Art Museum, Finlandia y en varias ediciones de la Bienal de la Habana, Cuba.

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Del 2 al 6 de agosto se pondrá a disposición del público libros de exposiciones exhibidas en los espacios de arte del Gobierno de Canarias

El Centro de Arte La Regenta organiza su décima edición ‘La Regenta Escrita’, una campaña de divulgación de literatura artística que, entre el 2 y el 6 de agosto, pondrá a disposición de la ciudadanía una serie de catálogos correspondientes a exposiciones que fueron exhibidas en los espacios de arte del Gobierno de Canarias hasta 2012. Todos los ejemplares tendrán un precio reducido de tres euros. Estos libros podrán adquirirse en el horario habitual de la sala de exposiciones (de martes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00 horas, y sábados de 10:00 a 14:00 horas).

‘La Regenta escrita’ tiene como fin poner al alcance de la ciudadanía libros de arte que se encuentran agotados o quedan pocos ejemplares existentes, y no serán fáciles de conseguir en otras instituciones o librerías especializadas, a un precio inferior al que se venden habitualmente. Así, esta acción facilita a los participantes aumentar sus bibliotecas de arte y poner en valor la edición de los catálogos de exposiciones al difundir las investigaciones y textos en materia de arte contemporáneo.

‘Desde la primera campaña en 2012 uno de los objetivos de la actividad, además de posibilitar las adquisiciones a precio de saldo, ha respondido al ánimo de salvar la memoria de los artistas y críticos de arte que potencialmente son olvidados con el paso de los años’, explican el equipo del Centro de Documentación de La Regenta

Las ilustraciones y los textos permiten que el lector recupere su experiencia original como visitante o, si no se ha asistido a la exposición, que le aporte cierta “vivencia” a través de los textos. Los catálogos se componen por libros de trece artistas y comisarios que conforman una parte esencial de las artes plásticas en Canarias.

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‘Ricardo Cárdenes. Escapando’ y ‘Oro rojo’ son los títulos de las nuevas muestras que albergarán las salas del centro

La apertura de ambas exposiciones será este viernes 22, a partir de las 20:30 horas, y podrán disfrutarse hasta el 17 de septiembre

El Centro de Arte La Regenta inaugura este viernes 22, a partir de las 20:30 horas, dos nuevas propuestas expositivas en sus salas. Por un lado, ‘Ricardo Cárdenes. Escapando’, comisariada por Ignacio Barcia y Mariano de Santa Ana, que ofrece una aproximación a la obra de este prolífico artista canario, con una discreta pero intensa trayectoria que estuvo centrada en el dibujo como práctica y concepto. Por otro lado, ‘Oro rojo’ de la artista mexicana Gin Ro, resultado de su estancia en el Programa Internacional de Residencias Artísticas, a través de una investigación fotográfica sobre la industria de la cochinilla en Canarias. Ambos proyectos podrán visitarse hasta el 17 de septiembre en sus salas de arte. 

A la presentación han acudido el director general de Cultura del Gobierno de Canarias, Rubén Pérez; el director del espacio expositivo, Alejandro Vitaubet; los comisarios Ignacio Barcia y Mariano de Santa Ana; y la artista Gin Ro. El titular de Cultura destacó que la exposición dedicada a Cárdenes “es un primer paso para reconocer la obra de este singular artista canario” y cómo “la obra de Gin Ro evidencia los vínculos históricos entre Canarias y América Latina”.

Un artista silente

‘Ricardo Cárdenes. Escapando’ exhibe un recorrido por la obra de un artista que realizó la mayor parte de su producción en Madrid, donde ejerció la docencia como profesor de Dibujo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense. “Su motor creativo era la propia posibilidad de hacer arte. Construyó una gran cantidad de obras, explorando las posibilidades del dibujo, utilizando la acumulación y la superposición como método. Cada obra se percibe como un depósito temporal que acaba convirtiéndose en una imagen”, explica el comisario Ignacio Barcia.

Mariano de Santa Ana destaca cómo la introvertida personalidad del creador solía evitar los círculos artísticos más transitados, lo que no le impidió mantener una “sigilosa pero persistente tarea de creación que no pasó desapercibida en algunos ambientes, ejerciendo una clara influencia y obteniendo un reconocimiento más o menos recóndito. Esa influencia no puede desvincularse de su tarea docente, desarrollada con la misma actitud discreta durante más de treinta años”, apunta de Santa Ana.

La muestra está integrada por medio centenar de piezas desde finales de los años setenta, la mayoría sobre papel en mediano formato. Las últimas corresponden a 2018, año anterior al del fallecimiento del artista. Representado en colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Centro Galego de Arte Contemporánea, el Banco de España, el Museo Pablo Serrano, la Fundación Coca Cola y numerosas colecciones privadas, Ricardo Cárdenes abordó el dibujo como práctica y como concepto.

Ricardo Cárdenes (1942-2019): Formado en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, se doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense, centro en el que ejercerá de profesor de dibujo durante más treinta años. Entre sus exposiciones individuales más recientes se encuentran Figuras, en Galería Egam (2013, Madrid); Mapas del cielo, en Galería Saro León (2016, Las Palmas de Gran Canaria); Sin discurso, en Galería Saro León (2018, Las Palmas de Gran Canaria); Casi todo sigue igual, en ABM Confecciones (2020, Madrid).

La histórica industria de la cochinilla en Canarias

Por su parte, ‘Oro rojo’ es un proyecto expositivo fruto de la experiencia en el Programa Internacional de Residencias Artísticas que la mexicana Gin Ro inició en mayo en el Centro de Arte la Regenta. A través de una veintena de fotografías de carácter experimental, se muestra el resultado de su investigación sobre la producción actual de grana cochinilla en Canarias, bajo una perspectiva feminista y decolonial.

Con este proyecto, la artista continúa una producción que se ha centrado en explorar la modificación de la identidad a partir del rastro y el cuerpo situado por diferentes procesos sociales, económicos e históricos. “La cochinilla fue introducida en Canarias a partir de 1820. Este colorante natural servía para crear el ácido cármico, con el que se creaban tintes muy valorados”, explica. “Eran mujeres empobrecidas las que recolectaban la cochinilla. Pero quien se quedaba con el valor del producto eran otros”, apunta Gin Ro.

El título del proyecto, ‘Oro rojo’, hace referencia al impacto económico que generó la grana cochinilla, un pequeño insecto parásito del nopal. El cuerpo disecado de la cochinilla hembra contiene el carmín, un elemento tintóreo que ofrece un color estable y de larga duración que con modificadores de PH puede variar su color desde el rojo, al morado hasta el negro. Este tinte fue utilizado para el teñido de textiles, entre otros usos.

Gin Ro (1986) es licenciada en Diseño Industrial en la Universidad Autónoma Metropolitana – Xochimilco. Desde el 2014 ha profundizado en el estudio técnico y conceptual del medio fotográfico. En 2017 recibe mención de honor en la Beca Roberto Villagraz del Centro Internacional de Fotografía y Cine (EFTI) en Madrid, con el proyecto Welcome to the parking, con el que plantea el problema de identidad mexicana ante la globalización. Con esta distinción realizó el Máster de Fotografía Contemporánea y de Proyectos Personales de la Generación 2017-2018 de EFTI.

Actividades paralelas

Como en cada exposición, se llevará a cabo una serie de actividades paralelas. El 29 de julio, a partir de las 18:00h se desarrollará la inauguración infantil para público infantil a partir de 7 años. Entre el 13 y 16 de septiembre se llevará a cabo el curso de dibujo ‘Apuntes para la tormenta’, impartido por Paco Guillén Abrante.

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Del 1 de julio al 28 de agosto podrá disfrutarse de la propuesta, creada por cinco jóvenes artistas nacidos entre 1990 y 2001

La Sala de Arte Contemporáneo (SAC) acoge la exposición ‘Hay un bebé mirándome’, una propuesta colectiva comisariada por Beatriz Lecuona, en la que participan los jóvenes artistas Eduardo Hodgson, Francisca Rubio Wenk, Javier Caldas y el colectivo Magus. Se trata de un proyecto cuyo nexo común plantea cómo se construye el imaginario colectivo y la toma de conciencia de cada uno de los individuos que integran la sociedad, en un complejo entramado que recuerda al funcionamiento de una matrioska rusa. Para ello, los creadores transitan diversas temáticas como la relación humana con la divinidad, el cuerpo, los roles de género o la memoria. La muestra puede visitarse desde este viernes 1 de julio, hasta el próximo 28 de agosto en este espacio expositivo del Gobierno de Canarias en Santa Cruz de Tenerife.

“Los niños, cuando nacen y son pequeños, están liberados de prejuicios y su entendimiento del mundo es totalmente intuido. A través del aprendizaje que reciben de los adultos, estas enseñanzas se adhieren a nuestra forma de entender la realidad”, apunta la comisaria, en relación al título de la muestra. Los artistas participantes comparten generación y son graduados en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, “lo que establece una experiencia común determina una forma colectiva de ver y entender el mundo”, explica la curadora.

La artista Francisca Rubio Wenk se inspira en los roles de género para la producción de una instalación que conjuga el bordado tradicional y la proyección audiovisual, y en la que invita a desarrollar una mirada crítica en torno a la performatividad de las identidades, través de patrones aprendidos desde la infancia.

El colectivo Magus interviene en la SAC a partir de propuestas instalativas y escultóricas, con las que teorizan sobre el acceso al conocimiento más allá de lo racional, mediante estados del ‘yo’ alterados por el contacto con las drogas, lo divino o mediante la conciencia ancestral.

El artista Javier Caldas participa en la muestra con instalaciones que transitan la relación entre velocidad, tiempo, muerte y memoria. Para ello, establece una investigación de archivo, en la que rescata imágenes o piezas de desguace automovilístico que aluden a la fugacidad humana.

Eduardo Hodgson utiliza la metáfora de la circulación para hablar del cuerpo y su relación con el medio. Bien sea a través de cuadros en gran formato o de instalaciones in situ utilizando los conductos del aire acondicionado de la sala de exposiciones.

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