La exposición reúne, desde 3 de diciembre al 5 de febrero, una cuidada selección de los distintos períodos cultivados por la artista

Las salas de arte del Instituto de Canarias Cabrera Pinto, en La Laguna, presentan una exposición retrospectiva dedicada a la artista tinerfeña Lola del Castillo, una pintora que ha ido desarrollando su obra desde principios de los años setenta en un ejercicio de exploración y experimentación constante, como buena parte de los artistas que se iniciaron al abrigo del proyecto de regeneración vanguardista liderado por la galería Conca.

Lola del Castillo 1978-2022, producida por el área de Cultura del Gobierno de Canarias, reúne una cuidada selección de los distintos períodos cultivados por la artista, desde sus primeros dibujos de un inquietante realismo hasta su maestría e inventiva al servicio de la técnica del grabado; desde sus pinturas de geometrías metapictóricas, pasando por su etapa espacial y urbana, hasta el intento de sus últimas series de atrapar en el lienzo los elementos naturales más sorprendentes y a la vez cotidianos de su entorno como los árboles o el mar.

Una obra muy amplia donde la espacialidad y la luz se vuelven materia. Una pintura en la que la interrogación sobre el silencio de los objetos, desprendidos de su apariencia visionaria, se torna matriz y fundamento de la experiencia pictórica.

Licenciada en 1974 por la madrileña Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando, en el progreso de su pintura hasta nuestros días percibimos la búsqueda exigente de unas leyes expresivas propias que le ha permitido abrir diferentes etapas; esto es, múltiples series o escalas en el tratamiento de la realidad pictórica a la que se aferran sus lápices y pinceles. Y es que, la suya ha sido una trayectoria que encuentra en el oficio del dibujo y en el conocimiento material del ejercicio de la pintura sus principales fortalezas.

Lola del Castillo (Tenerife, 1952) doctora y, hasta 2015, profesora titular de la Facultad de Bellas Artes de La Laguna. Desde 1974 hasta la actualidad ha realizado más de cuarenta exposiciones, entre proyectos individuales y muestras de carácter colectivo. Sus proyectos en solitario se han llevado a cabo en distintos espacios y salas de arte de Canarias, como Conca, Sala de Arte CajaCanarias, Galería Artizar, todas en La Laguna Tenerife; o en el Círculo de Bellas Artes Santa Cruz de Tenerife.

También ha expuesto en la Galería Orfila de Madrid, en Arco Romano (Medinaceli, Soria) y en proyectos celebrados en ciudades como La Habana, El Líbano, Belgrado o Rabat. Por otra parte, su obra se encuentra representada en diversas colecciones públicas e instituciones: Colección Conca, Museo Municipal de Santa Cruz de Tenerife, Universidad de La Laguna, Fundación CajaCanarias, MUNA, TEA Tenerife Espacio de las Artes, Biblioteca Nacional de Madrid o Fundación Alejo Carpentier de La Habana, entre otras.

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La otra mitad: mujeres artistas en Canarias, comisariada por Yolanda Peralta, reúne más de 70 piezas realizadas por 37 creadoras nacidas entre 1815 y 1952.

Se podrá visitar desde el sábado 17 de septiembre hasta el 20 de noviembre.

El área de Cultura del Gobierno de Canarias inaugura este sábado, a las 12:00 horas, en las salas Cabrera Pinto, en La Laguna, la exposición La otra mitad: mujeres artistas en Canarias (1815-1952), comisariada por la investigadora y profesora universitaria Yolanda Peralta Sierra. La muestra, que reúne más de 70 obras realizadas por 37 creadoras nacidas entre 1815 y 1952, tiene como objetivo principal cuestionar los relatos y narraciones hegemónicas de la Historia del Arte para recuperar los nombres y las obras de creadoras, en su mayoría desconocidas o ignoradas, y presentarlas bajo un nuevo prisma: el de la perspectiva de género.

La otra mitad: mujeres artistas en Canarias (1815-1952) también propone una reflexión acerca de lugar que ocupan las mujeres artistas dentro de las colecciones públicas de arte en Canarias y el estado de conservación en el que se encuentran sus obras.

La muestra está estructurada en 6 secciones: Empoderamiento y autoafirmación profesional; Creación artística y clase social; Arte versus artesanía; El género y los géneros artísticos; Pioneras e innovadora y La revisión de la mirada: mujeres mirando a mujeres.

Muchas de las obras que integran esta exposición, entre pinturas, dibujos, esculturas, fotografías, esmaltes, cerámicas y joyas, se muestran por primera al público y pertenecen a colecciones privadas y a instituciones, museos y centros de arte de Canarias.

Las artistas cuya obra se puede contemplar en esta exposición son Carmen Arozena, Jacobina Bello, Gina Berndtson, Maud Bonneaud , Iberia Carque Cazorla, Arminda del Castillo, Lola del Castillo, Elvireta Escobio, Eva Fernández, Magdalena Fernández, Carmen González, Yolanda Graziani, Yvonne Guegan, Elizabeth Heaphy de Murray, Pepa Izquierdo, María Lasso Morales, Elena Lecuona, Nieves Lugo, Pilar de Lugo y Eduardo, Alicia Martín Fernández, Lola Massieu, Josefina Maynadé, Jane Millares, Elizabeth Augusta Moss King, María Belén Morales, Maribel Nazco, Pino Ojeda, Vicki Penfold, María Jesús Pérez Vilar, Carla Prina, Laura de la Puerta, Manón Ramos, Chelín Reino, Inocencia Sánchez de Galindo, Maruja Soto, Tanja Tanvelius, Lía Tavío.

Han colaborado en esta exposición con el préstamo de obras artistas, familiares de artistas, coleccionistas privados y las siguientes instituciones artísticas y culturales de Canarias: Museo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife, MACEW Museo de Arte Contemporáneo Eduardo Westerdahl (Puerto de La Cruz, Tenerife), CAAM Centro Atlántico de Arte Moderno (Las Palmas de Gran Canaria), Casa de Colón (Las Palmas de Gran Canaria), Gabinete Literario de Las Palmas de Gran Canaria, Hemeroteca del Museo Canario de Las Palmas de Gran Canaria, Filmoteca Canaria, Fundación Canaria Pino Ojeda (Gran Canaria), Fundación Canaria Maribel Nazco (Tenerife), Ateneo de la Laguna (Tenerife), Biblioteca de Humanidades de la Universidad de La Laguna, Archivo Histórico Provincial de Santa Cruz de Tenerife y Archivo Fotográfico Alberto Lasso Clavijo (Lanzarote).

Comisaria: Yolanda Sierra Peralta

Profesora universitaria, investigadora y comisaria de exposiciones. Gran parte de su trayectoria profesional y académica la ha desarrollado en el campo de los estudios de género, la historia de las mujeres y las relaciones arte y género.

Doctora en Historia del arte por la Universidad de La Laguna con la tesis Mujer y arte en Canarias: mujeres creadoras e iconografías femeninas (2006). Fue fundadora y directora de la Galería de arte murNó (2004-2007) en La Laguna, dedicada principalmente a la difusión y promoción de jóvenes artistas de las Islas, en su mayoría mujeres.

Durante 10 años (2008-2018) fue conservadora jefa del Departamento de Exposiciones Temporales de TEA Tenerife Espacio de las Artes, siendo responsable en este centro de la coordinación de medio centenar de exposiciones y de la puesta en marcha del Laboratorio de Acción y del Programa ÁREA60.

Profesora tutora de la UNED en Tenerife (2006) y Profesora del Departamento de Historia del Arte y Filosofía de la Universidad de La Laguna (2014). Imparte docencia en Historia del arte en la Facultad de Humanidades de la ULL y en varios títulos de posgrado como el Máster Universitario en Estudios de Género y Políticas de Igualdad, Máster Universitario en Teoría e Historia del Arte y Gestión Cultural y el Máster en Formación del Profesorado en Educación Secundaria Obligatoria y Bachillerato.

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Integrada por pinturas, fotografías, instalaciones y objetos escultóricos que constituyen una selección de su obra a lo largo de los últimos treinta años.

El artista grancanario José Luis Luzardo presenta en las salas del Instituto de Canarias Cabrera Pinto de La Laguna la exposición ‘La Tierra Prometida (y otros dildos)’, integrada por pinturas, fotografías, instalaciones y objetos escultóricos que constituyen una selección de trayectoria artística a lo largo de los últimos treinta años. La muestra está llena de un culto casi divino a la tierra, esa tierra humana nada prometida, donde hace referencia explícita a algunos cuadros claves de la historia de la pintura. Se podrá visitar desde el 4 de septiembre al 24 de octubre en este espacio que gestiona el Gobierno de Canarias.

En esta selección el público encontrará, por ejemplo, referencias a ‘La balsa de la medusa’, de T. Gericault, donde la búsqueda de una tierra prometida se convierte en una tragedia anunciada, que Luzardo titula ‘La balsa del espejismo’; o la búsqueda humana de la libertad inspirada en el cuadro ‘La libertad guiando al pueblo’, de Eugène Delacroix, con su obra ‘La libertad buscando al pueblo’, en una especie de guiño contrario al deseo humano.

Estos cuadros forman el inicio de esta exposición y son parte de la serie ‘Una mirada’, en la que Luzardo hace gala de una especie de romanticismo muy personal, propio de su “desierto”, que atraviesa en la mitad de los años noventa. En algunas de sus propuestas artísticas podemos apreciar la influencia de Marcel Duchamp y de Juan Hidalgo, como inspiradores propios de algunas de sus obras o como homenajeados en las mismas.

Según explica el comisario Antonio P. Martín, “la historia del arte, donde la muerte, la religión, el sexo, expuesto con ese culto a los juguetes sexuales -llámense dildos-, y la tierra, con todas sus alegorías humanas, pueden considerarse con alguna razón los ejes que cohesionan gran parte de la obra de Luzardo y que configuran el sentido de esta exposición”.

Sobre José Luis Luzardo

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, comenzó su andadura artística en 1987 en distintas exposiciones colectivas en Tenerife y Gran Canaria, realizando un año más tarde su primera exposición individual ‘Mujeres’ en La Laguna. Fueron las primeras de más de una treintena, entre individuales o junto a otros artistas, que le han catalogado como uno de los creadores isleños más activos.

A lo largo de estos treinta años, sus obras se han exhibido en la mayor parte de las salas de arte de las islas, así como fuera de Canarias. Han viajado, entre otros destinos por Sevilla, Madrid, Toledo, Barcelona, Argentina, Oviedo, Cantabria, Cordoba, México o Armenia para participar en múltiples acontecimientos artísticos.

En su trayectoria ha utilizado muchos formatos y múltiples recursos y materiales, buscando la manera de seguir inventando y recreando formas, desde la escultura a la fotografía, desde los montajes a la pintura, tratando siempre de ir más allá. En la muestra que se exhibe ahora en el Cabrera Pinto aparecen también sus primeras pinturas con un lenguaje figurativo desmembrado y tubular que ha sido una constante a lo largo de su camino artístico y en los que también explora otros campos que no sean la pintura.

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Unas 20.000 personas han visitado la muestra desde su inauguración hace casi seis meses.

Estará abierta al público hasta este domingo día 15 de agosto en las salas Cabrera Pinto de la Laguna, donde Galdós se examinó de Bachiller.

‘Benito Pérez Galdós. La verdad humana’, la enorme exposición sobre la vida y obra del insigne escritor, culmina su paso por Tenerife este domingo 15 de agosto. Inaugurada el pasado mes de marzo, durante estos casi seis meses unas 20.000 personas han podido visitarla y explorar el lado más humano de Galdós, así como el contexto que le hizo crecer como un genio renovador de la novela español. Tras su paso por Madrid y Gran Canaria, ha sido el Instituto de Canarias Cabrera Pinto, en La Laguna, cuyas salas de exposiciones gestiona el Gobierno de Canarias, el espacio escogido para la exhibición en la Isla de esta gran muestra.

Precisamente el Cabrera Pinto, a juicio de Germán Gullón, comisario del proyecto, resulta “un escenario único para esta exposición del Centenario, pues el Instituto de Enseñanza Media del que forma parte, fue donde Galdós tomó los exámenes de bachillerato. Curiosamente, aún se conserva su título de Bachiller, porque nunca tuvo oportunidad de venir a recogerlo”. Este hecho constituye el principal hito del paso de la exposición por la Laguna, ya que se pudo incluir toda esta documentación relacionada con su paso por el Instituto.

La exposición forma parte de un programa mayor llamado ‘Canarias, la tierra de Galdós’, que trata de conmemorar el centenario del fallecimiento del emblemático autor. En ella se exhiben más de doscientas piezas de diversas instituciones tanto públicas como privadas. Se recogen desde manuscritos, libros, fotografías y pinturas hasta mobiliario y objetos personales. Todo lo posible para crear una perspectiva amplia y profunda de la vida de Galdós.

Como explicaba en su apertura Germán Gullón, también catedrático emérito de Literatura Española, la muestra propone al público “no solo el retrato de un escritor, sino de un autor distinto, un genio y el hombre más importante hasta 1920 de la cultura española”. Así, diseñada por Enrique Bonet, ofrece la oportunidad de conocer la evolución de Galdós, su contexto, vida y el legado que ha supuesto su obra.

La propuesta abarca desde la infancia del escritor y profundiza en cómo se interesó en el arte, evolucionó como novelista y cultivó su propio y destacado estilo. Llegó a ser considerado un autor universal gracias a su revolucionaria propuesta literaria del ser humano, que abandonó los cánones renacentistas para abordarla con una visión moderna. Sin abandonar la grandeza literaria cervantina y del Siglo de Oro, expuso en sus obras a un ser humano real y verdadero adaptado a la imagen de sus tiempos.

El recorrido incide también en la actualidad a través de carteles de películas que tienen la obra galdosiana como base y el documental de Arancha Aguirre, que aborda la profunda influencia del célebre autor en la obra de seis escritoras y escritores.

En cada una de las sedes, Madrid (donde llegaron a acudir casi 70 000 personas), Gran Canaria y Tenerife, la exposición ha ido cambiando. Según expuso en marzo Germán Gullón, “cada una tiene su razón de ser, pero las tres son una celebración maravillosa de lo que fue la obra y la vida de este ser tan extraordinario que fue don Benito Pérez Galdós”.

‘Benito Pérez Galdós. La verdad humana’ está organizada por el Gobierno de Canarias, Biblioteca Nacional de España y Acción Cultural Española, con la colaboración de la Casa Museo Pérez Galdós (Cabildo de Gran Canaria).

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‘Mundos paralelos 1974-2020’ se abre este sábado 25 en La Laguna con una muestra que reflexiona sobre el territorio

Un centenar de esculturas, pinturas y grabados del artista multidisciplinar Alfonso Crujera llenarán de arte las dos salas del lagunero Canarias Cabrera Pinto. Será a partir del sábado 25 de julio, a las 12.00 horas, cuando este espacio del Gobierno de Canarias abrirá sus puertas al público para mostrar algunas de las obras más significativas de la trayectoria artística de este destacado pintor, escultor y grabador, considerado uno de los integrantes de la llamada ‘Generación 70’ del Archipiélago.

Bajo el título ‘Mundos paralelos 1974-2020’, el artista muestra una obra que continúa su reflexión sobre el territorio, un aspecto esencial en sus creaciones. El proyecto expositivo, comisariado por Antonio P. Martín, se podrá visitar hasta el 4 de octubre en el horario habitual de estas salas siguiendo los protocolos de seguridad y medidas de prevención recomendadas por Sanidad Pública.

Con más de 40 años de experiencia en diferentes disciplinas como el teatro, performance, video, instalaciones, escultura y grabado, Alfonso Crujera ha dedicado toda su vida al arte. En esta nueva exposición, reúne por primera vez un centenar de esas esculturas, pinturas y estampas que ha realizado durante toda su trayectoria artística.   Con esta estructura expositiva se hace un recorrido por su vida como artista, su aportación al mundo del arte y “se brindan algunas de las claves que han marcado su trabajo”, señala el crítico e historiador del Arte Franck González.

La muestra se inicia con la serie ‘Desde el hombre para el hombre’ (1974), una primera reinterpretación del paisaje humano en clave política. Una serie que debe leerse en el marco de los estertores del Franquismo. Su ‘Tríptico de iniciación’ (1978) apunta a lo que serán sus primeras aproximaciones al género del paisaje en 1980. Poco después surgirá su primera propuesta sobre lo sagrado, dando pie a la serie ‘Betilos’ (1988-1998). Ambas líneas de trabajo se encontrarán un año más tarde en la serie ‘Tools’, prólogo de una serie de pinturas -‘Strand’ (1990)- que acabarán tomando cuerpo en estructuras tridimensionales de terracota: ‘Obra solar’ (1992).

A lo largo de estas dos primeras décadas Crujera se adentra en el mundo de la estampa, realizando sus primeros grabados electrolíticos en 2001. En 2002 comienza a realizar grabados electrolíticos cuyo objeto será la Punta del Caletón, dando paso así a la serie de grabados y pinturas que presentará en 2007: ‘LPGC’ Supone ésta una nueva reinterpretación del territorio y del vacío –otra de las claves- de su trabajo- en el que la ciudad y el espacio sobre el que se asienta se convierten en una maqueta sobre la que proyectar luces y sombras. Un año más tarde publica su ‘Manual del grabado electrolítico no tóxico’ (2008), volumen que se publica en inglés -‘Electro-etching handbook’- en 2013 y que se ha convertido en una referencia global. De la impronta de esta técnica hay cumplida cuenta en la muestra con series como ‘Galvanografías”’(2007- 2008) y ‘Grabatos para pasar las horas’ (2008-2019). Cierra esta exposición su más reciente reflexión sobre el territorio y lo sagrado: la serie de lienzos ‘Sacred Place’ (2020)”, adelanta Franck González en la hoja de sala.

Alfonso Crujera (Sevilla, 1951) es pintor, escultor, grabador y ha sido profesor de grabado calcográfico en la Escuela Luján Pérez (1999-2010). Además, ha participado como colaborador en proyectos con arquitectos, músicos, escritores y artistas visuales. También ha expuesto individualmente en las principales galerías e instituciones de Canarias.

Desde 1968 reside en la isla de Gran Canaria, donde tiene su taller, el cual comparte como residencia–taller con artistas visuales que desean iniciarse en el grabado electrolítico en un entorno natural propicio para la creación, al que han asistido artistas de Argentina, Brasil, Canadá, Corea del Sur, Costa Rica, Cuba, España, Estados Unidos, Estonia, Italia, México, Paraguay, Polonia y Reino Unido. De hecho, es reconocido internacionalmente como investigador y difusor del grabado electrolítico (más seguro para los grabadores y el medio ambiente) sobre el que ha publicado el ‘Manual del Gra-bado Electrolítico No-tóxico’ (2008) y una versión ampliada en inglés ‘Electro-etcning handbook. A safe, non-toxic approach’ (2013) que se han convertido en una referencia global. Ha impartido seminarios, conferencias y cursos, y publicado numerosos artículos sobre los procesos electrolíticos en el grabado, entre otros proyectos.

Horario de las salas de arte del Instituto de Canarias Cabrera Pinto: Lunes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los fines de semana solo en el horario matinal.

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La sala lagunera que gestiona el Gobierno de Canarias inaugura una exposición sobre la vertiente plástica de la polifacética artista. En paralelo, la planta alta acoge la muestra ‘Goya y otros grandes grabadores’, organizada por el centro.

La faceta pictórica de Pino Ojeda es el centro de atención de una nueva exposición en la sala de arte del Instituto de Canarias Cabrera Pinto, que gestiona el Gobierno de Canarias en La Laguna. Este sábado 15 de febrero, a las 12:00 horas, se abre al público ‘Pino Ojeda y la pintura’, que invita al espectador a adentrarse en el rico universo plástico de la polifacética artista grancanaria, de quien se ha conocido mucho más su obra literaria. En paralelo, la planta superior del espacio, acoge la exposición ‘Goya y otros grandes grabadores’, organizada por el centro, que incluye algunas obras de Francisco de Goya. Ambas exposiciones estarán abiertas al público hasta el 5 de abril.

Pino Ojeda (1916-2002) es una de las artistas más complejas e interesantes del siglo XX en Canarias. Poeta, pintora y galerista, es notable la pasión contenida que late en toda su producción, tanto la pictórica como la poética. Para realizar la exposición ‘Pino Ojeda y la pintura’, comisariada por Ángeles Alemán, se ha seleccionado obra representativa de sus diferentes etapas: 1. La abstracción gemétrica y la Escuela Luján Pérez (1947-1959); 2. Paisajes (lacas) y Grupo Espacio (1961-1972); 3. Collages y dibujos (1980-89); y 4. Infografías (2000).

Las obras del primer periodo presentan una abstracción geométrica muy estudiada: obras realizadas en pastel o témpera, que reflejan la influencia directa de los ideales estéticos de la escuela Luján Pérez durante estos años. La segunda etapa es sin duda la más original e interesante de Pino Ojeda como pintora: encuentra la madurez en paisajes realizados a base de lacas. Es, además, el tiempo en el que Ojeda expande su labor como artista y expone en la Península y en varias capitales europeas.

La dureza del trabajo con las lacas pasa factura a la vista de Pino Ojeda, por lo que se vuelca en obras de formato más pequeño y de técnica muy diferente, que abarcan la tercera etapa identificada en su obra visual. Los temas son escogidos con cuidado y, junto a los collages, la creación de dibujos de línea sutil refleja en esta etapa una línea intimista y retrospectiva que, sin embargo, encara la realidad de su presente. Tras una etapa de silencio plástico y pese a su avanzada edad, en el año 2000 Pino Ojeda decide no quedarse atrás y, con un programa de pintura, empieza a realizar obras por ordenador. Son piezas de sentido maduro y certero en el uso del color, cuyas formas abstractas podrían enlazar con las de su primera etapa.

‘Goya y otros grandes grabadores’

Por su parte, la Sala de la Planta Alta del Cabrera Pinto acoge, nuevamente, una exposición organizada por el centro IES Canarias Cabrera Pinto con los materiales, que forman parte de los fondos de sus museos. En esta ocasión, se muestra una selección de láminas de algunos de los más importantes grabadores de finales del siglo XVIII y del XIX. Se exponen 25 grabados que corresponden a una de las conocidas series de La Calcográfica, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y que versa sobre las importantes pinturas con las que contaban los Reales Sitios en España.

Entre las estampas expuestas hay ocho obras de Goya quien, a finales del siglo XVIII, se inicia en el arte del grabado abriendo láminas sobre la pintura de Velázquez. Pertenecen, por tanto, a su Serie Velázquez, que constituyen los inicios en la estampación de quien es considerado el más grande grabador de todos los tiempos.

El espectador podrá admirar en esta exposición las láminas resultantes de grandes obras de Murillo, Zurbarán, Rosales o el Greco. La colección de grabados del IES Canarias Cabrera Pinto, parte de la cual se expone en la Sala, llegó al centro en 1906, procedente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y cuenta con obras de las más importantes series de La Calcografía Nacional.

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La exposición colectiva, comisariada por Gopi Sadarangani, se inaugura este sábado 21, a las 12:00 horas, en el espacio del área de Cultura del Gobierno

Las salas Cabrera Pinto de La Laguna abren su espacio a la participación de 17 artistas, canarios, nacionales e internacionales que responden con sus obras a la pregunta ¿Oriente es Oriente?. Una muestra que se inaugura el sábado 21, a las 12:00 horas, permaneciendo abierta al público hasta el 27 de octubre

¿Oriente es Oriente?, bajo el comisariado de Gopi Sadarangani, invita desde la mirada artística a revisar y situar la antropología de lo imaginario, arquetipos e imágenes en Occidente que describen una geografía, partiendo del principio de la incertidumbre. A juicio de su comisaria, “el pensamiento occidental se ha embelesado con el misticismo oriental y la humanística de occidente se ha visto obligada a recurrir a modelos ajenos como el hinduismo, taoísmo u otros, hasta configurar constelaciones de sentido que posibilitan la aproximación a las ficciones más diversas”.

Los artistas incluidos en la muestra son: Fernando Álamo, Sema Castro, Idaira del Castillo, Naia del Castillo, Jiri Dokoupil, Curro González, Laura González, Magüi González, Hildegardh Hahn, Jesús H. Verano, Pepe Herrera, Juan Hidalgo, Zhang Huahn, Ángel Marcos, Pura Márquez, Shirin Neshat y Santiago Palenzuela, abordando el mestizaje y transculturalidad como prácticas habituales en el arte, además del modo en que se ha construido el imaginario oriental con elementos como el hedonismo erótico, el misticismo, la fuerza del color o la armonía con la fauna y la naturaleza.

La comisaria se propone una indagación sobre la construcción simbólica de un ideal identitario y exótico reuniendo esculturas, vídeos, instalaciones, pinturas y fotografías para “señalar e interrogar a los artistas que, desde nuestro ámbito occidental, responden a ciertas cuestiones y miran al mismo lugar que los creadores orientales”, indica Sadarangani.

El arte indio es producto de una mezcla de manifestaciones culturales, – hinduismo, budismo, islamismo, cristianismo -, que se encuentran asentadas en la Antigüedad y tienden a la sacralización simbólica de todos sus elementos. “Este rasgo es distintivo del arte indio desde sus orígenes en su afán por integrarse con la fauna y la naturaleza como adaptación al orden universal, colándose en el imaginario de artistas de la India actual”, añade la comisaria

La arquitecta Magüi González parte de lo tangible para mostrar la penetración de oriente y exhibe una cartografía de la distribución de bazares de la colonia hindú en la capital grancanaria. Otros artistas prefieren la vía el misticismo religioso, como Dokoupil que expone ocho retratos de buda pintados con humo; Sema Castro, presenta esculturas totémicas y rítmicas; Fernando Álamo, dos polípticos en los que entrelaza la sensibilidad oriental a los símbolos religiosos cristianos; Jesús H. Verano, representa en una instalación lo divino y lo invisible, y el artista chino Zhan Huahn, aparece en una foto pendulando desnudo dentro de una bola humeante en la plaza del Obradoiro a modo botafumeiro humano.

La religión centra el vídeo de la prestigiosa artista iraní Shirin Neshat. La musicalidad mántrica se cuela en el mural de Laura González. Un tema que también aborda Santiago Palenzuela en una serie de retratos femeninos rotos por el fuego que presenta junto a un elefante hecho de lienzos. La naturaleza invade la fotografía de Pura Márquez, con unas espectadoras vestidas con saris. Prendas que han servido a Idaira del Castillo para indagar sobre la fuerza del color a través de una instalación.

El cromatismo y la intensidad de Oriente están en las obras de José Herrera y Juan Hidalgo, y Hildegard Hahn expone sus grafías orientales pintadas sobre piedras blancas, Curro González explora la fuerza erótica sublimada en el Kama-sutra y Naia del Castillo retrata en a una mujer, cubierta de perlas, atrapada por el arquetipo de la seducción.

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Reúne obra de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Juanjo Valencia y Lena Peñate, y Diego Vites.  Valencia y Peñate actúan también como comisarios de este proyecto, que se inaugura este sábado 20 de julio, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Las salas de arte del Instituto Canarias Cabrera Pinto, en La Laguna (Tenerife) acogen entre el 20 de julio y el 8 de septiembre un nuevo proyecto expositivo: ‘No news, good news’. Se trata de una muestra colectiva que reúne propuestas de siete destacadas firmas del panorama artístico contemporáneo de las Islas y que se abre al público este sábado 20, a las 12:00 horas, con entrada libre.

Organizada por el CAAM, en ‘No news, good news’ encontraremos intervenciones artística de Luna Bengoechea, Néstor Delgado, Paco Guillén, Lecuona y Hernández, Pérez y Requena, Diego Vites y Juanjo Valencia y Lena Peñate Spicer, siendo estos últimos también los comisarios de la exposición, que podrá visitarse en la sala lagunera del Gobierno de Canarias de martes a viernes de 11:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas, y los fines de semana solo en el horario matinal.

Texto de los comisarios:

‘No news, good news’ da título a un proyecto intersubjetivo que pretende hacer visible los procesos de trazabilidad de las imágenes en las construcciones significantes de los imaginarios.

La capacidad de lectura geográfica de las imágenes de ayer no tiene que ver con las de hoy. Sin duda, los modos de grafía han cambiado. La imagen, devenida como imagen-síntoma, pretende escribir más que inscribirse, no tanto como palabra sino como texto, como parte de un engranaje taxonómico. Para figurar el mundo contemporáneo, se ha vuelto necesario operar en la profundidad: las representaciones comunes ya no corresponden con las experiencias vividas y las imágenes se producen como cálculo de reuniones de información y de construcciones formales.

El acento de este proyecto expositivo radica precisamente en su carácter procesual y cartográfico, en subrayar formas de estudio acerca de la imagen y del diálogo como una construcción mediada por el Otro, tanto para quien la produce como para quien la observa. En su estructura se aborda el trasfondo del archivo, así como el lenguaje historiográfico y procesual. En el estudio de los desplazamientos de la imagen, se pone especial énfasis, incluso de forma utópica, en la deconstrucción del acervo enciclopedista (de hacer figura del síntoma) y de metodologías críticas que ponen en cuestión el proceso de producción de las imágenes. El carácter zetético resulta inherente a sus formas de interrelación.

A la vez que constituyen tentativas de representación, establecen cuestionamientos de cualquier statu quo de representación del mundo y de sus múltiples estados de formalización. Pretenden cuestionar sobre las formas de representación que conforman nuestros imaginarios y gobiernan, por ende, nuestras acciones.

Las obras se transforman en itinerarios que se despliegan en red o superponiendo redes, cuestionando la capacidad de la imagen para representar la realidad o, en cualquier caso, mostrando su opacidad, su imposibilidad irónica de traducir su relación con la representación.

Una manera, como señalaría Georges Didi-Huberman, “de abordar trayectos de pensamiento entre imágenes”.

Juan José Valencia – Lena Peñate Spicer

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